Especial con sus mejores filmes en TMC
¿Qué fue de Baby Jane?
El próximo 5 de Abril se conmemora el centenario de Bette Davis, una de las más importantes actrices que ha conocido el mundo del cine.
Estudió en la Escuela de Interpretación de John Murray Anderson.en Nueva York. En
1928 comenzó a actuar con la compañía teatral de George Cukor, en Rochester, desde donde fue expulsada y un año después debutaría en Broadway con gran éxito, en la representación de la obra "Broken Dishes".
Esto llamaría la atención de los estudios Universal, que le ofrecieron un contrato en 1930, debutando en el cine con la película "The Bad Sister" (1931), dirigida por Hobart Henley.
Posteriormente con la Warner filmó la película "The man who played God" (1932).
En la RKO, protagonizó "Cautivo del deseo" (1934), un film de John Cromwell, una obra maestra basada en una novela de William Somerset Maugham.
La película fue un éxito y le dio la oportunidad de protagonizar "Peligrosa" (1935), con la que consiguió el Oscar a la mejor actriz después realizó "El bosque petrificado" (1936), película de Archie Mayo.
A causa de su carácter y sus peleas con los estudios, se marchó de los Estados Unidos y se fue a residir a Inglaterra. Tras una demanda de la Warner, retornó a su país, En esta segunda etapa en la Warner, Bette Davis protagonizó películas como "Jezabel" (1938) de William Wyler, que le dio un nuevo Oscar.
Otros títulos destacados de finales de los 30 y comienzos de los 40 fueron: "Amarga victoria" (1939) de Edmund Goulding, "Juarez" (1939) de William Dieterle, "La solterona" (1939) de Goulding, "La vida privada de Elizabeth y Essex" (1939), de Michael Curtiz, "La carta" (1940) y "La loba" (1941) de William Wyler o "La extraña pasajera" (1942), dirigida por Irving Rapper.
En la segunda mitad de la década de los su producción fue más escasa. Pero una genial actuación con J. L. Mankiewicz en la película "Eva al desnudo" (1950), la puso nuevamente en el primer plano cinematográfico. Posteriormente filmó "La egoísta" (1951) de Curtis Bernhardt, "La estrella" (1952) de Stuart Heisler y "El favorito de la reina" (1955) de Henry Koster. En 1962, realizó a obra maestra de Robert Aldrich, "¿Que fue de Baby Jane?", con Joan Crawford.
Culminó su carrera cinematográfica con "Las ballenas de Agosto" (1987), película dirigida Lindsay Anderson. Fallece en París, el 6 de octubre de 1989, a los 81 años.
Para recordar su trayectoria, el canal por cable TCM exhibirá un ciclo de sus mejores filmes, todas las noches de los miércoles del mes de abril.
marzo 25, 2008
marzo 18, 2008
Ennio Morricone en Chile
El artista que redefinió el concepto de la música para el cine
El bueno, el malo y el feo
El músico y compositor italiano Ennio Morricone, de 79 años, ofrecerá esta semana dos conciertos gratuitos en Chile. Llegó a Santiago junto a su esposa y una comitiva de 120 personas, entre músicos y técnicos.
Morricone comenzó a estudiar música en el Conservatorio de Santa Cecilia, en Roma, a los 12 años. Se dedicó a tocar trompeta en grupos de jazz y más tarde, ya graduado del Conservatorio, trabajando en la radio italiana. A principios de los 60 empezó a colaborar con su amigo y compañero, el director Sergio Leone, que realizaba el film “Por un puñado de dólares”.
También trabajó para otros proyectos cinematográficos, como La batalla de Argel y Queimada. En los 70, disminuyó su trabajo con Leone y los “spaghetti western”, participando con numerosos directores de todo el mundo: Pier Paolo Passolini, Bernardo Bertolucci, Brian de Palma, Giuseppe Tornatore, Pedro Almodóvar, Oliver Stone, Barry Levinson y Terrence Malick, en otros géneros, incluyendo comedias, dramas, thrillers, películas de terror, románticas, películas de arte y películas comerciales. Ha realizado unas 400 bandas sonoras en films como: La ciudad de alegría, Atame, Cinema Paradiso, Erase una vez en América, Novecento, El clan de los sicilianos, El decamerón, Los intocables, etc. y ha sido nominado en cinco ocasiones al Oscar por 'Días de Cielo' (1978), 'La Misión' (1986),'Los intocables de Elliot Ness', (1987), 'Bugsy' (1991) y 'Malena' (2000).
Morricone en su presentación en Chile será acompañado con la Orquesta Sinfónica de Roma y por el Coro Sinfónico de la Universidad de Chile.
Cinema Paradiso
Para los aficionados al cine que deseen ver su concierto, Canal 13 Cable trasmitirá en directo el 19 de marzo a las 20:30, a la misma hora del recital. Y luego la señal abierta de Canal 13 (www.canal13.cl) trasmitirá un especial alrededor de las 23:15, que se puede ver on line (las horas indicadas corresponden a Chile).
El bueno, el malo y el feo
El músico y compositor italiano Ennio Morricone, de 79 años, ofrecerá esta semana dos conciertos gratuitos en Chile. Llegó a Santiago junto a su esposa y una comitiva de 120 personas, entre músicos y técnicos.
Morricone comenzó a estudiar música en el Conservatorio de Santa Cecilia, en Roma, a los 12 años. Se dedicó a tocar trompeta en grupos de jazz y más tarde, ya graduado del Conservatorio, trabajando en la radio italiana. A principios de los 60 empezó a colaborar con su amigo y compañero, el director Sergio Leone, que realizaba el film “Por un puñado de dólares”.
También trabajó para otros proyectos cinematográficos, como La batalla de Argel y Queimada. En los 70, disminuyó su trabajo con Leone y los “spaghetti western”, participando con numerosos directores de todo el mundo: Pier Paolo Passolini, Bernardo Bertolucci, Brian de Palma, Giuseppe Tornatore, Pedro Almodóvar, Oliver Stone, Barry Levinson y Terrence Malick, en otros géneros, incluyendo comedias, dramas, thrillers, películas de terror, románticas, películas de arte y películas comerciales. Ha realizado unas 400 bandas sonoras en films como: La ciudad de alegría, Atame, Cinema Paradiso, Erase una vez en América, Novecento, El clan de los sicilianos, El decamerón, Los intocables, etc. y ha sido nominado en cinco ocasiones al Oscar por 'Días de Cielo' (1978), 'La Misión' (1986),'Los intocables de Elliot Ness', (1987), 'Bugsy' (1991) y 'Malena' (2000).
Morricone en su presentación en Chile será acompañado con la Orquesta Sinfónica de Roma y por el Coro Sinfónico de la Universidad de Chile.
Cinema Paradiso
Para los aficionados al cine que deseen ver su concierto, Canal 13 Cable trasmitirá en directo el 19 de marzo a las 20:30, a la misma hora del recital. Y luego la señal abierta de Canal 13 (www.canal13.cl) trasmitirá un especial alrededor de las 23:15, que se puede ver on line (las horas indicadas corresponden a Chile).
marzo 10, 2008
Warner BROS
Los estudios WARNER cumplen 85 años de vida.
El nombre corporativo se debe a los cuatro fundadores, los hermanos Warner: Harry, Albert, Sam y Jack, quiénes comenzaron en el negocio de la exhibición en 1903 con un proyector con el cual mostraban filmes en los pueblos mineros de Pennsylvania y Ohio.Unos años más tarde, continuaron con la distribución de películas a través de cuatro estados. Durante la Primera Guerra Mundial, comenzaron a producir películas, y en 1918 los hermanos abrieron lo que serían los estudios Warner Bros.
Sam y Jack Warner producían las películas, mientras que Harry y Albert manejaban las finanzas y la distribución. El 4 de Abril de 1923 compraron los terrenos del número 5842 de la avenida Subset Boulevard, por 25 mil dólares, y se establecieron formalmente como Warner Bros. Pictures, Inc.
Ese mismo año se construye el famoso letrero “Hollywood” que decía “Hollywoodland”, para una promoción habitacional.
En 1924 La Warner Bros absorbe a la Vitagraph y la First Nacional y su primera estrella fue el perro Rintintín.
En Nueva York, el 6 de Octubre de 1927, la Warner estrena “El cantor del Jazz”, el primer film sonoro, con el actor Al Johnson. Dirigida por Alan Crossland. La partitura musical la crea Louis Silvers.
Al estudio comienzan a llegar actores como Bette Davis, James Cagney, Humphrey Bogart, Errol Flynn, James Dean, etc. Cerca de 7.000 títulos forman parte de su patrimonio fílmico, entre los que se cuentan Hampa dorada, El capitán Blood, El halcón maltés, Casablanca, Rebelde sin causa, Mi bella dama, La naranja mecánica, El exorcista, Superman, Relaciones peligrosas, etc.
Es actualmente una filial del conglomerado Time Warner con sede en Burbank, California, Estados Unidos.
El nombre corporativo se debe a los cuatro fundadores, los hermanos Warner: Harry, Albert, Sam y Jack, quiénes comenzaron en el negocio de la exhibición en 1903 con un proyector con el cual mostraban filmes en los pueblos mineros de Pennsylvania y Ohio.Unos años más tarde, continuaron con la distribución de películas a través de cuatro estados. Durante la Primera Guerra Mundial, comenzaron a producir películas, y en 1918 los hermanos abrieron lo que serían los estudios Warner Bros.
Sam y Jack Warner producían las películas, mientras que Harry y Albert manejaban las finanzas y la distribución. El 4 de Abril de 1923 compraron los terrenos del número 5842 de la avenida Subset Boulevard, por 25 mil dólares, y se establecieron formalmente como Warner Bros. Pictures, Inc.
Ese mismo año se construye el famoso letrero “Hollywood” que decía “Hollywoodland”, para una promoción habitacional.
En 1924 La Warner Bros absorbe a la Vitagraph y la First Nacional y su primera estrella fue el perro Rintintín.
En Nueva York, el 6 de Octubre de 1927, la Warner estrena “El cantor del Jazz”, el primer film sonoro, con el actor Al Johnson. Dirigida por Alan Crossland. La partitura musical la crea Louis Silvers.
Al estudio comienzan a llegar actores como Bette Davis, James Cagney, Humphrey Bogart, Errol Flynn, James Dean, etc. Cerca de 7.000 títulos forman parte de su patrimonio fílmico, entre los que se cuentan Hampa dorada, El capitán Blood, El halcón maltés, Casablanca, Rebelde sin causa, Mi bella dama, La naranja mecánica, El exorcista, Superman, Relaciones peligrosas, etc.
Es actualmente una filial del conglomerado Time Warner con sede en Burbank, California, Estados Unidos.
febrero 28, 2008
Los ganadores del Oscar
Sin lugar para los débiles (No Country For Old Men - No es país para viejos)
Basada en la novela de Cormac McCarthy. Dirección. Joel & Ethan Coen
Intérpretes: Tommy Lee Jones (Ed Tom Bell), Javier Bardem (Anton Chigurh), Josh Brolin (Llewelyn Moss), Woody Harrelson (Carson Wells), Kelly Macdonald (Carla Jean Moss), Garret Dillahunt (Wendell), Tess Harper (Loretta Bell)
Es una película poco convencional, pesada y sorpresiva que muestra dos mundos paralelos, uno de violencia y otro de desesperanza y fatalidad. Una historia dura, de sombras, luces y sangre.
¿Quiénes son los ganadores del Oscar?
Son hijos de un profesor de económicas en la Universidad de Minnesota y de una historiadora de arte. Tras terminar sus estudios secundarios y acudir ambos al Simon’s Rock College, en Massachussets, Joel estudió cinematografía en el Instituto de Cine y Televisión de Nueva York y Ethan Filosofía en la Universidad de Princeton..
¿Qué han filmado?
Sangre fácil (1984) con John Getz, Frances McDormand, Dan Hedaya
Arizona Baby (1987) con Nicolas Cage, Holly Hunter, John Goodman
Muerte entre las flores (1990) con Gabriel Byrne, John Turturro, Marcia Gay Harden
Barton Fink (1991) con John Turturro, John Goodman, Judy Davis
El gran salto (1994) con Paul Newman, Tim Robbins, Jennifer Jason Leigh
Fargo (1996) con Frances McDormand, William H. Macy, Steve Buscemi
El Gran Lebowski (1998) con Jeff Bridges, John Goodman, Steve Buscemi
O Brother (2000) con George Clooney, John Turturro, Tim Blake Nelson
El hombre que nunca estuvi allí (2001) con Billy Bob Thornton, Frances McDormand, Michael Badalucco
Crueldad intolerable (2003) con George Clooney, Catherine Zeta-Jones, Edward Herrmann
The Ladykillers (2004) con Tom Hanks, Irma P. Hall, Marlon Wayans
Paris, je t¨aime (2006) (episodio) con Steve Buscemi, Julie Bataille, Axel Kiener
En etapa de producción para el 2009 están “Hail Caesar”, “Suburbicon” y “Gambit”
Experiencia y méritos tiene bastante los ganadores del Oscar.
Basada en la novela de Cormac McCarthy. Dirección. Joel & Ethan Coen
Intérpretes: Tommy Lee Jones (Ed Tom Bell), Javier Bardem (Anton Chigurh), Josh Brolin (Llewelyn Moss), Woody Harrelson (Carson Wells), Kelly Macdonald (Carla Jean Moss), Garret Dillahunt (Wendell), Tess Harper (Loretta Bell)
Es una película poco convencional, pesada y sorpresiva que muestra dos mundos paralelos, uno de violencia y otro de desesperanza y fatalidad. Una historia dura, de sombras, luces y sangre.
¿Quiénes son los ganadores del Oscar?
Son hijos de un profesor de económicas en la Universidad de Minnesota y de una historiadora de arte. Tras terminar sus estudios secundarios y acudir ambos al Simon’s Rock College, en Massachussets, Joel estudió cinematografía en el Instituto de Cine y Televisión de Nueva York y Ethan Filosofía en la Universidad de Princeton..
¿Qué han filmado?
Sangre fácil (1984) con John Getz, Frances McDormand, Dan Hedaya
Arizona Baby (1987) con Nicolas Cage, Holly Hunter, John Goodman
Muerte entre las flores (1990) con Gabriel Byrne, John Turturro, Marcia Gay Harden
Barton Fink (1991) con John Turturro, John Goodman, Judy Davis
El gran salto (1994) con Paul Newman, Tim Robbins, Jennifer Jason Leigh
Fargo (1996) con Frances McDormand, William H. Macy, Steve Buscemi
El Gran Lebowski (1998) con Jeff Bridges, John Goodman, Steve Buscemi
O Brother (2000) con George Clooney, John Turturro, Tim Blake Nelson
El hombre que nunca estuvi allí (2001) con Billy Bob Thornton, Frances McDormand, Michael Badalucco
Crueldad intolerable (2003) con George Clooney, Catherine Zeta-Jones, Edward Herrmann
The Ladykillers (2004) con Tom Hanks, Irma P. Hall, Marlon Wayans
Paris, je t¨aime (2006) (episodio) con Steve Buscemi, Julie Bataille, Axel Kiener
En etapa de producción para el 2009 están “Hail Caesar”, “Suburbicon” y “Gambit”
Experiencia y méritos tiene bastante los ganadores del Oscar.
febrero 19, 2008
Concurso de Cine 2008: CORFO inicia X Versión
Pueden postular a este concurso personas naturales y jurídicas, sean empresas audiovisuales o grupos de empresas audiovisuales del sector privado nacional, dedicadas a la producción de cine y/o televisión de todo el país. También podrán postular proyectos que contemplen la realización de una Coproducción Internacional.
Las bases y formularios de la Décima Versión del Concurso de Cine, se inicia el 17 de marzo, finalizando el 4 de abril para las postulaciones on line y el 7 de abril (hasta las 17hrs) para la entrega de proyectos en soporte papel, ambas postulaciones complementarias.
Para los interesados en participar se realizará un taller informativo, el día Jueves 6 de marzo a las 11 horas, en el salón auditorio de la institución, Moneda 921, Santiago de Chile, con video conferencia a todas las regiones.
Los documentos ya están disponibles en la web www.corfo.cl y puede ser retirados en las oficinas de Corfo en todo el país. A través de esta convocatoria para proyectos de cine, se apoya el desarrollo de proyectos de largometraje, cortometraje y otras producciones audiovisuales.
Ver detalles en:http://www.corfo.cl/index.asp?seccion=1&id=958
febrero 01, 2008
Cine 2008
Los ESTRENOS que vienen...
Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull, de Steven Spielberg
Be Kind Rewind, de Michel Gondry
Righteous Kill, de Jon Avnet
Iron man, de Jon Favreau
Speed racer (Meteoro), de Andy y Larry Wachowsky
Las crónicas de Narnia. El príncipe Caspian, de Andrew Adamson
Sex and the city, la película, de Michael Patrick King
The Happening, de M. Night Shyamalan
The incredible Hulk, de Luois Leterrier
Wall-E, de Andrew Stanton
Batman: the dark night, de Christopher Nolan.
Mamma Mia, De Phyllida Lloyd
Australia, de Baz Luhrmann
Valkyrie, de Bryan Singer
Body of lies, de Ridley Scott
Quantum of solace, de Marc Forster
The changeling, de Clint Eastwood
Harry Potter y el príncipe mestizo, de David Yates
The curious case of Benjamin Button, de David Fincher
Star Trek, de J.J. Abrams
Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull, de Steven Spielberg
Be Kind Rewind, de Michel Gondry
Righteous Kill, de Jon Avnet
Iron man, de Jon Favreau
Speed racer (Meteoro), de Andy y Larry Wachowsky
Las crónicas de Narnia. El príncipe Caspian, de Andrew Adamson
Sex and the city, la película, de Michael Patrick King
The Happening, de M. Night Shyamalan
The incredible Hulk, de Luois Leterrier
Wall-E, de Andrew Stanton
Batman: the dark night, de Christopher Nolan.
Mamma Mia, De Phyllida Lloyd
Australia, de Baz Luhrmann
Valkyrie, de Bryan Singer
Body of lies, de Ridley Scott
Quantum of solace, de Marc Forster
The changeling, de Clint Eastwood
Harry Potter y el príncipe mestizo, de David Yates
The curious case of Benjamin Button, de David Fincher
Star Trek, de J.J. Abrams
enero 18, 2008
Las elipisis
Muchas veces los especialistas en cine o los críticos se refieren a la elipsis cinematográfica, término que para el público común no es entendible. ¿A qué se están refiriendo? A la supresión del tiempo innecesario en la narración de una historia. Las imágenes que vemos en una película no están en tiempo real sino que son fragmentos que muestran lo más importante. La unión de esos fragmentos faltantes lo pone la imaginación del espectador. Elimina los tiempos débiles o inútiles de la acción. Las elipsis no son específicas del cine, sino que también existen en la literatura o en el teatro.
Existen las elipsis condicionadas porque el cine es arte y presuponen elección y orden donde el director selecciona de la realidad los fragmentos que estima conveniente por su significado y los une en un orden determinado para dar sentido a su continuidad narrativa. También las tienen su explicación por la estructura del relato y sus razones dramáticas. Permite crea atmósferas mediante los planos utilizados y el montaje.
Jacques Feyder (1888-1948 director de cine francés) dijo: “en el cine, la norma básica es sugerir”
Vea una parte del film “Ladrón de bicicletas”, film del neorrealismo italiano, dirigida por Vittorio de Sica en 1948 y reconozca las elipsis.
Existen las elipsis condicionadas porque el cine es arte y presuponen elección y orden donde el director selecciona de la realidad los fragmentos que estima conveniente por su significado y los une en un orden determinado para dar sentido a su continuidad narrativa. También las tienen su explicación por la estructura del relato y sus razones dramáticas. Permite crea atmósferas mediante los planos utilizados y el montaje.
Jacques Feyder (1888-1948 director de cine francés) dijo: “en el cine, la norma básica es sugerir”
Vea una parte del film “Ladrón de bicicletas”, film del neorrealismo italiano, dirigida por Vittorio de Sica en 1948 y reconozca las elipsis.
diciembre 27, 2007
Música y Cine
Vuelva a recordar películas y CANCIONES famosas
"El hombre que sabía demasiado", dónde Doris Day interpreta la canción "Que será, será"
El género musical son todas aquellas producciones cinematográficas que incluyen canciones, comedias musicales o temas bailables en una parte de su desarrollo dramático.
El cine musical surgió con el cine sonoro. Warner Bros produjo la película El cantor de jazz (The Jazz Singer, 1927), de Alan Crosland, el primer filme sonoro y primer musical de la historia, que incluía canciones de autores famosos en aquel tiempo como Irving Berling y Jimmy Monaco.
Una de las variables del cine musical son las películas con canciones. El canal de cable TCM ha programado un ciclo de filmes que fueron famosos por sus canciones. El especial se inicia el 7 de Enero 2008 y será emitido los lunes y viernes, en presentación doble, durante todo el mes.
Se han programado los siguientes títulos (entre paréntesis el nombre de la canción)
Castillos de hielo (Through the eyes of love)
Nuestros años felices (The way we were)
¿Qué pasa Pussycat? (What`s new Pussycat?)
El hombre que sabía demasiado (Whatever will be, will be)
Castillos de arena (The shadow of your smile?
Dirty Dancing (I`ve had the time of my life)
El affaire de Thomas Crown (The windmills of your mind)
El graduado (Mrs. Robinson)
Rocky (Gonna fly now)
Semilla de maldad (Rock around the clock
Pat Garret y Billy The Kid (Knockin`on heaven`s door)
Busco mi destino (Born to be wild)
Grandes bolas de fuego (Great balls of fire)
Shaft (Shaft)
Si quiere recordar, ya sabe donde ver esas conocidas películas y sus famosas canciones.
"El hombre que sabía demasiado", dónde Doris Day interpreta la canción "Que será, será"
El género musical son todas aquellas producciones cinematográficas que incluyen canciones, comedias musicales o temas bailables en una parte de su desarrollo dramático.
El cine musical surgió con el cine sonoro. Warner Bros produjo la película El cantor de jazz (The Jazz Singer, 1927), de Alan Crosland, el primer filme sonoro y primer musical de la historia, que incluía canciones de autores famosos en aquel tiempo como Irving Berling y Jimmy Monaco.
Una de las variables del cine musical son las películas con canciones. El canal de cable TCM ha programado un ciclo de filmes que fueron famosos por sus canciones. El especial se inicia el 7 de Enero 2008 y será emitido los lunes y viernes, en presentación doble, durante todo el mes.
Se han programado los siguientes títulos (entre paréntesis el nombre de la canción)
Castillos de hielo (Through the eyes of love)
Nuestros años felices (The way we were)
¿Qué pasa Pussycat? (What`s new Pussycat?)
El hombre que sabía demasiado (Whatever will be, will be)
Castillos de arena (The shadow of your smile?
Dirty Dancing (I`ve had the time of my life)
El affaire de Thomas Crown (The windmills of your mind)
El graduado (Mrs. Robinson)
Rocky (Gonna fly now)
Semilla de maldad (Rock around the clock
Pat Garret y Billy The Kid (Knockin`on heaven`s door)
Busco mi destino (Born to be wild)
Grandes bolas de fuego (Great balls of fire)
Shaft (Shaft)
Si quiere recordar, ya sabe donde ver esas conocidas películas y sus famosas canciones.
noviembre 27, 2007
David Lynch
Inland Empire
la historia de una mujer en problemas
El cine lo hace a su estilo, con un especial énfasis en el ritmo y el relato de la acción, con un desarrollo de personajes profundizando las oscuridades de la naturaleza humana. Films extraños y atractivos. Es un director que logra despertar pasiones y odios de igual intensidad. Sus imágenes transmiten terror e inquietud como pocos lo pueden lograr. Son únicas, con finales abiertos, sin continuidad narrativa reconocible y una lógica onírica. Un cine sorprendente, inclasificable, que deja confundido al espectador.
Sus realizaciones más destacados son: “Eraserhead” (1977), “El hombre elefante” (1980), “Terciopelo azul” (1986), “Corazón salvaje” (1990), “Twin Peaks”. (serie de TV en 1990-91), “Carretera perdida” (1996), “Mulholland Drive” (2001).
El director de 61 años ahora tiene en cartelera “Inland Empire” su última película en varios años, la historia de una mujer en problemas, como la define. Son tres horas de imágenes de iluminación claustrofóbica. Realizada con una Sony PD-150. Tres años tardó en completar la filmación. Participaron Laura Dern (en la foto con el director), Jeremy Irons, Justin Theroux, Harry Dean Stanton, Jan Hencz, Ian Abercrombie, Julia Ormond, Scott Coffey, Grace Zabriskie y Bellina Logan.
No sólo escribió y dirigió el filme, sino que también lo produjo, se encargó de la iluminación, hizo cámara, lo editó, diseñó el sonido, compuso cuatro canciones y cantó tres. Un personaje
Sus opiniones publicadas en algunos medios impresos:
“Una película es una película y las palabras son diferentes para cada persona”
“La cosa es experimentar en el mundo del cine”
“Nada de improvisar, Improvisar sólo es aflojar”
“Las ideas vienen, y entonces uno las pone por escrito y entonces, de ahí, la idea dicta todo y uno trabaja para serle fiel a la idea”
“Jamás podría regresar al rollo de cine después de esta experiencia digital”
“Todos vemos el mismo mundo, pero tenemos ideas diferentes de lo que está sucediendo. Lo mismo ocurre en las películas”
“La película siempre es la misma, pero los espectadores son diferentes, así que va a evocar más cosas diferentes mientras más abstracta sea”
“Si uno empieza a tratar de complacer a un público desconocido, está perdido. Uno tiene que vivir con lo que hace, y no sabe qué va a pasar. Pero tiene que vivir con eso y ser fiel a las ideas.”
Asi es David Lynch y su manera de ver la vida que transmite en sus interesantes películas.
Roma de Fellini
El alucinante DESFILE DE MODA de la Iglesia.
He visto todas las películas de Federico Fellini por su extraordinaria habilidad de contar historias fílmicas desde una óptica diferente. El director tuvo la gran capacidad de desarrollar un cine arraigado en la crítica social, la estética del circo y la imaginación surrealista.
Recuerdo haber visto, en su estreno, la película “Roma”,1972, interpretada por Federico Fellini, Norma Giacchero, Anna Magnani, Marcelo Mastroianni y Alberto Sordi y no me olvido de la secuencia de un desfile eclesiástico insuperable, quizás lo mejor de todos sus films, por su imaginación crítica para recrear una situación onírica, un retrato con visos de realidad. La música es de Nino Rota.
Recordemos ahora ese lúcido y loco ejercicio de representación simbólica en un desfile muy original: la moda de la iglesia, ignorando todas las convenciones.
Alguna vez Fellini dijo: “el negocio del cine es macabro, grotesco: es una mezcla de partido de fútbol y de burdel”. Para entender su pensamiento fílmico.
He visto todas las películas de Federico Fellini por su extraordinaria habilidad de contar historias fílmicas desde una óptica diferente. El director tuvo la gran capacidad de desarrollar un cine arraigado en la crítica social, la estética del circo y la imaginación surrealista.
Recuerdo haber visto, en su estreno, la película “Roma”,1972, interpretada por Federico Fellini, Norma Giacchero, Anna Magnani, Marcelo Mastroianni y Alberto Sordi y no me olvido de la secuencia de un desfile eclesiástico insuperable, quizás lo mejor de todos sus films, por su imaginación crítica para recrear una situación onírica, un retrato con visos de realidad. La música es de Nino Rota.
Recordemos ahora ese lúcido y loco ejercicio de representación simbólica en un desfile muy original: la moda de la iglesia, ignorando todas las convenciones.
Alguna vez Fellini dijo: “el negocio del cine es macabro, grotesco: es una mezcla de partido de fútbol y de burdel”. Para entender su pensamiento fílmico.
noviembre 14, 2007
Actrices chilenas destacadas
Malú Gatica
Leonor Varela (“El hombre de la máscara de hierro”, “El sastre de Panamá”, “Texas rangers”, “Voces inocentes”, “Blade II”, “Cleopatra”), Valentina Vargas (“Bloody Mallory”, “Juegos sucios”, “El gran azul”, “Calle sin retorno”,“El nombre de la rosa) y Cote de Pablo (en las series de televisión “La Educación de Max Bickford”, “El Jurado”, “Control” y “NCIS”), son actrices chilenas actuales que participan del cine o la televisión internacional.
Pero hubo otras actrices nacionales que destacaron en el cine internacional hace algunos años y que quizás las nuevas generaciones quizás nunca escucharon nombrar:
Chela Bon, en Chile protagonizó “Romance de medio siglo” (1944), “La casa está vacía” y “Amarga verdad” (1945), “Sueña mi amor”, “El padre Pitillo” y “El diamante del Maharajá” (1946), “Si mis campos hablaran” (1947) y “Yo vendo unos ojos negros”, (1948), “El paso maldito” (1949). Vive desde los años 50 en Hollywood donde estudio actuación e instaló una productora (Bon Films) que realizó las cintas “The Best Revenge” y “Southern Cross”. Malú Gatica, cantante y actriz realizó nueve películas en México. Gloria Lynch, protagonizó “La mujer de todos” con Maria Félix. Rosita Serrano, fue estrella de primera magnitud em Alemania, en los años 40.
Hilda Sour, fue “sex simbol” de los años 40, realizo más de 15 películas en México y Argentina. Emperatriz Carvajal, que triunfó en México y Argentina. Ester Soré, realizó los filmes “El amor que pasa” y “Casamiento por poder”, Alicia Barrie, realizó treinta y dos films. Elsa del Campillo, debutó en el cine argentino con “Un señor mucamo”.También destacaron Maria Teresa Squella, Alma Montiel y Carmen Barros en el cine.
octubre 30, 2007
Filmes independientes en sitio especializado
Para los fanáticos del cine arte y las creaciones independientes.
El portal www.jaman.com ofrece descargas y arriendos de films independientes, previo registro. Tiene un catálogo de más de 2.000 películas disponibles para los cinéfilos. Son los propios realizadores quiénes suben sus creaciones audiovisuales.
El sitio permite arrendar películas a US$ 1.99 o comprarlas a US$ 4.99.
Este portal, que está en inglés, permite acceder a su contenido en todas partes, ya que detecta automáticamente la zona desde donde se conecta el interesado, desplegando el material disponible para el país en que vive.
Una buena oportunidad para ver películas de India, Europa o Latinoamérica y que no llegan al circuito comercial.
En la señal de cable de TCM Classic Hollywood
Cine negro
Veinticuatro películas se exhibirán por TCM todos los miércoles y sábados de noviembre en programa doble y horario Prime (22 hrs. de Chile). La revisión de los títulos más destacados comienza el sábado 3 de ese mes en un ciclo llamado “El lado oscuro de la pantalla”.
El primer film en exhibirse será “La mujer de mi pasado” (1947) del director Jacques Tourner con Robert Mitchum y Kirk Douglas. Continuará con “Huracán de pasiones” (1948) de John Huston con Humphrey Bogart. Posteriormente seguirán “El cartero llama dos veces” (1946) de Tay Garnet, “La sombra de una duda” (1943) de Alfred Hitchcock y “La dama de Shangai” (1948) dirigida y actuada por Orson Welles junto a Everett Sloane y Rita Hayworth.
También se incluirá “El Halcón Maltés” de 1941.
El cine negro es un estilo cinematográfico que surge en Estado Unidos después de la Gran Depresión y que durante la época del 40 al 50 agrupó a una serie de películas sobre crímenes que tenían énfasis en la ambigüedad moral y las motivaciones sexuales.
No se pierda este ciclo que le permitirá conocer algunos films clásicos del cine norteamericano.
Veinticuatro películas se exhibirán por TCM todos los miércoles y sábados de noviembre en programa doble y horario Prime (22 hrs. de Chile). La revisión de los títulos más destacados comienza el sábado 3 de ese mes en un ciclo llamado “El lado oscuro de la pantalla”.
El primer film en exhibirse será “La mujer de mi pasado” (1947) del director Jacques Tourner con Robert Mitchum y Kirk Douglas. Continuará con “Huracán de pasiones” (1948) de John Huston con Humphrey Bogart. Posteriormente seguirán “El cartero llama dos veces” (1946) de Tay Garnet, “La sombra de una duda” (1943) de Alfred Hitchcock y “La dama de Shangai” (1948) dirigida y actuada por Orson Welles junto a Everett Sloane y Rita Hayworth.
También se incluirá “El Halcón Maltés” de 1941.
El cine negro es un estilo cinematográfico que surge en Estado Unidos después de la Gran Depresión y que durante la época del 40 al 50 agrupó a una serie de películas sobre crímenes que tenían énfasis en la ambigüedad moral y las motivaciones sexuales.
No se pierda este ciclo que le permitirá conocer algunos films clásicos del cine norteamericano.
octubre 26, 2007
Algo sobre los planos…
Creo conveniente definir con claridad los conceptos de toma, plano, cuadro y encuadre debido a los distintos sentidos con que se les emplea habitualmente.
Toma: es el fragmento de película impresionada desde que se pone en marcha la cámara hasta que se detiene.
Plano: es la forma en que la toma es contenida definitivamente.
Cuadro: son los elementos diegéticos que han de ser tomados. Coincide con el concepto de campo, aunque puede distinguirse la relación de continente y contenido.
Encuadre: es la forma de organizar la toma, que comprende la composición del cuadro y el ángulo de toma.
La elección de cada plano está condicionada por la claridad necesaria de la narración, existiendo una adecuación entre el tamaño del plano, su contenido material y su contenido dramático.
La mayor parte de los tipos de planos tienen como objetivo la percepción y la claridad de la narración. Cada plano utilizado en un film tiene su razón de ser. Solamente el primer plano y el plano general tienen un significado psicológico preciso y no sólo un carácter descriptivo.
Un ejemplo con el film El conformista de Bernardo Bertolucci
Toma: es el fragmento de película impresionada desde que se pone en marcha la cámara hasta que se detiene.
Plano: es la forma en que la toma es contenida definitivamente.
Cuadro: son los elementos diegéticos que han de ser tomados. Coincide con el concepto de campo, aunque puede distinguirse la relación de continente y contenido.
Encuadre: es la forma de organizar la toma, que comprende la composición del cuadro y el ángulo de toma.
La elección de cada plano está condicionada por la claridad necesaria de la narración, existiendo una adecuación entre el tamaño del plano, su contenido material y su contenido dramático.
La mayor parte de los tipos de planos tienen como objetivo la percepción y la claridad de la narración. Cada plano utilizado en un film tiene su razón de ser. Solamente el primer plano y el plano general tienen un significado psicológico preciso y no sólo un carácter descriptivo.
Un ejemplo con el film El conformista de Bernardo Bertolucci
octubre 11, 2007
La imagen en el cine
"Llegada de un tren a la estación" de los hermanos Lumiere
La imagen constituye el material fundamental del lenguaje cinematográfico. El cine es el arte de las imágenes en movimiento. Es una realidad en movimiento.
El cine es el conjunto de técnicas reunidas para obtener, por proyección luminosa, la restitución de movimientos registrados fotográficamente.
Al cine se llegó a través de 3 caminos:
1) La estrobocopía (persistencia retiniana o de la visión. Es un fenómeno fisiológico natural que consiste en que si le llega al ojo una imagen luminosa, éste conserva y retiene la impresión hasta una décima de segundo después de que la observación ha cesado y desaparecer aquella.
2) La fotografía. La cámara oscura que proyecta exteriores iluminados por el sol en una habitación oscurecida, se desarrolló en el siglo XVI.
3) La proyección. La cámara oscura permitió crear la “linterna mágica”, aparato que proyectaba imágenes luminosas, que eran simples cuadros, en la oscuridad.
Jean Epstein escribía lo siguiente: “el movimiento constituye justamente la primera calidad estética de las imágenes en la pantalla”
Toda imagen extraída de un film carece de sentido, pues no es más que un fragmento estático e inerte de una continuidad que adquiere todo su significado en su desarrollo temporal.
La imagen tiene, en primer lugar, un contexto cinematográfico integrado a una continuidad temporal y eso determina su significado. En segundo lugar, posee un contexto mental del espectador quién dará su propia interpretación a lo que ve en pantalla.
La confrontación entre imágenes contiguas es lo que da el sentido querido por el realizador.
Fragmento del "Acorazado Potemkin"
septiembre 29, 2007
De historias a guiones
El critico francés Louis Delluc escribía en 1918:
"Mirad a vuestro alrededor, notad la calle, los autobuses, las tiendas, los autos, la gente, están llenos de mil dramas, de mil comedias originales que desafían vuestro talento. ¡Oh gente de talento!. La realidad contemporánea es efectivamente, una fuente inagotable".
Para un film los temas son universales: puede ser una obra ya existente, como una novela, una obra teatral, un cuento o bien una obra expresamente creada para convertirla en film publicitario: se han hecho films publicitarios tomando como punto de partida un suceso periodístico, un acontecimiento histórico, una poesía, una canción, una biografía, e incluso se han inspirado en un fragmento musical.
Lo que cuenta es la elaboración cinematográfica del tema argumental.
1. Contar con una historia: plantear una idea y elaborar un argumento. Se podrá hablar de argumento solamente cuando se disponga de una idea suficientemente elaborada; una verdadera narración con personajes, acciones, desenlace, etc.
Los personajes que participan en un film se pueden clasificar en:
Personajes principales: En ellos recae la acción principal. Son los protagonistas.
Personajes secundarios: Solo tienen importancia como parte del argumento. Ayudan a la continuidad de la acción.
Personajes episódicos: No están al servicio de la acción principal. Son ambientales y caracterizan situaciones culturales, sociales o históricas.
2. Realizar la estructura narrativa: sinopsis, es decir, descomponer el argumento en unidades simples. La sinopsis (palabra derivada de la expresión griega synoptikon: que abarca todo de una sola mirada), es un resumen del tema argumental. Condensa la acción teniendo en cuenta las imágenes y sonidos que servirán para expresarlo en lenguaje cinematográfico. Una sinopsis, debe pues, intentar la reducción del tema a la cantidad de tiempo que debe durar el film.
3 Desarrollar las secuencias: (división espacio–temporal de la estructura: guión literario. Se indica una primera y esquelética subdivisión de la materia según sus escenas.
Las ideas son abstractas y no se pueden fotografiar, por lo que, si una idea se ha de convertir en un film, ha de expresarse antes en términos concretos. Este es sencillamente un relato claro del argumento que permite al que lo lee no solamente comprenderlo, sino hasta "verlo" mentalmente, es decir, escribir en imágenes.
Por consiguiente hay que expresarlo visualmente. Todo lo esencial tiene que estar en pantalla. Hay que tener en cuenta la palabra ha de contribuir a la acción importante y nunca debe reemplazarla.
En el guión literario todos los personajes y todas las acciones deben quedar suficientemente fijados y delineados. La acción se desarrolla bajo nuestros ojos, los personajes no nos son descritos y analizados por sus intenciones, sino que actúan según lo que son: es decir, ya han sido halladas las escenas, las acciones que deben dar la impresión al espectador.
El guión literario, dice todo lo que ha de pasar en las escenas de un film, incluyendo gestos, actitudes, poses, etc., es decir, relata el film tal cual lo veremos en la pantalla, escrito por secuencias.
En el guión literario se resuelven tres problemas:
1) Todo aquello que han de saber los espectadores a través de las imágenes.
2) Todo aquello que han de saber los espectadores a través del diálogo.
3) Todo aquello que han de saber los personajes a través de lo que ellos ven y escuchan.
4. Planos: (parcelación espacial de la secuencia: guión técnico.
El guión técnico es la descripción de imagen toma por toma, de sonido, iluminación y de observaciones técnicas especiales desglosado al máximo y por el cual el director realiza su película. El guionista debe ser un consumado relator de imágenes.
El diálogo debe ser complemento de la imagen, porque la imagen expresa todo. Es un relato icónico. Todas las escenas y tomas superfluas que no se pueden justificar deben suprimirse, al igual que el diálogo, el cual debe ser preciso.
Así es, en pocas palabras, como se arma una historia y se convierte en guión para una película.
septiembre 10, 2007
Lev Kulechov y el montaje cinematográfico
El cine soviético, de las primeras décadas del siglo XX, está marcado por una preocupación principal por el montaje y el problema espacio-temporal de una película.
Sergei Einsestein decía: "El montaje es el arte de expresar o de significar por la relación de dos planos yuxtapuestos, de tal suerte que esta yuxtaposición haga nacer una idea o exprese alguna cosa que no este contenida en ninguno de los dos planos tomados por separado. El conjunto es superior a la suma de las partes...".
Lev Kulechov (1899-1970) fue un teórico y director de cine soviético que introdujo el montaje y teorizó sobre decorados, luz e imagen. Entre sus películas más destacadas están: “El proyecto del ingeniero Prite” (1918), “Por ley” (1926), “El canario alegre” (1929) y “El gran consolador” (1933). Sus libros más importantes son “El arte del cine” (1929) y “Los fundamentos de la realización fílmica” (1941).
Está considerado el padre de la cinematografía soviética por sus investigaciones sobre el montaje desde un punto de vista lingüístico y de la percepción.
De la experiencia que desarrollaron cineastas como Kulechov y Pudovkin se deduce el poder de asociación que se establece al relacionar dos planos entre si. Un mismo plano puede provocar asociaciones diferentes.
El efecto Kulechov se dirigía a probar el sentido del montaje y consistía básicamente en lo siguiente:
Un plano del actor ruso Iván Mosjovkin en expresión neutra, antepuesto o pospuesto a otros planos (un ataúd, una niña feliz, un plato de comida) conseguían por asociación, ideas muy distintas en cada caso.
En las distintas proyecciones que se hicieron a un público no avisado, al preguntarles sobre la expresión del actor (siempre la misma toma inexpresiva) se observó que, dependiendo de los planos anteriores o sucesivos, los espectadores contestaban mayoritariamente que veían lo siguiente:
a) Unido al plano del ataúd: gran tristeza y amargura
b) Unido al plano de la niña: ternura y alegría
c) Unido al plato de comida: sensación de hambre y apetito.
El espectador se convencía de que el rostro reflejaba en cada caso una emocionalidad diferente aunque el rostro del personaje era siempre el mismo.
En consecuencia, lo importante no es el contenido de los planos, sino la manera de combinarlos.
La asociación se produce siempre en el espectador, y por lo tanto había que preverla y contar con ella desde el principio. En otras palabras, el mensaje fílmico lo hace la persona que recibe la comunicación audiovisual.
En la narración cinematográfica dentro de una película cada plano hay que entenderlo como un signo, como una letra y que en cohesión narrativa forman las palabras, las frases, los párrafos y los capítulos de la obra fílmica.
Sergei Einsestein decía: "El montaje es el arte de expresar o de significar por la relación de dos planos yuxtapuestos, de tal suerte que esta yuxtaposición haga nacer una idea o exprese alguna cosa que no este contenida en ninguno de los dos planos tomados por separado. El conjunto es superior a la suma de las partes...".
Lev Kulechov (1899-1970) fue un teórico y director de cine soviético que introdujo el montaje y teorizó sobre decorados, luz e imagen. Entre sus películas más destacadas están: “El proyecto del ingeniero Prite” (1918), “Por ley” (1926), “El canario alegre” (1929) y “El gran consolador” (1933). Sus libros más importantes son “El arte del cine” (1929) y “Los fundamentos de la realización fílmica” (1941).
Está considerado el padre de la cinematografía soviética por sus investigaciones sobre el montaje desde un punto de vista lingüístico y de la percepción.
De la experiencia que desarrollaron cineastas como Kulechov y Pudovkin se deduce el poder de asociación que se establece al relacionar dos planos entre si. Un mismo plano puede provocar asociaciones diferentes.
El efecto Kulechov se dirigía a probar el sentido del montaje y consistía básicamente en lo siguiente:
Un plano del actor ruso Iván Mosjovkin en expresión neutra, antepuesto o pospuesto a otros planos (un ataúd, una niña feliz, un plato de comida) conseguían por asociación, ideas muy distintas en cada caso.
En las distintas proyecciones que se hicieron a un público no avisado, al preguntarles sobre la expresión del actor (siempre la misma toma inexpresiva) se observó que, dependiendo de los planos anteriores o sucesivos, los espectadores contestaban mayoritariamente que veían lo siguiente:
a) Unido al plano del ataúd: gran tristeza y amargura
b) Unido al plano de la niña: ternura y alegría
c) Unido al plato de comida: sensación de hambre y apetito.
El espectador se convencía de que el rostro reflejaba en cada caso una emocionalidad diferente aunque el rostro del personaje era siempre el mismo.
En consecuencia, lo importante no es el contenido de los planos, sino la manera de combinarlos.
La asociación se produce siempre en el espectador, y por lo tanto había que preverla y contar con ella desde el principio. En otras palabras, el mensaje fílmico lo hace la persona que recibe la comunicación audiovisual.
En la narración cinematográfica dentro de una película cada plano hay que entenderlo como un signo, como una letra y que en cohesión narrativa forman las palabras, las frases, los párrafos y los capítulos de la obra fílmica.
agosto 30, 2007
En Chile eligen las mejores películas
El diario “El Mercurio” reunió a directores de cine, críticos, docentes, actores, productores, dramaturgos y guionistas quienes eligieron los diez mejores films en la historia del cine en el mundo. Estos son:
1. Ciudadano Kane (1941)
Dirigida por Orson Welles.
Con: Orson Welles, Joseph Cotten y Dorothy Comingore.
2. El padrino (1972)
Dirigida por Francis Ford Coppola
Con: Marlon Brando, Al Pacino y James Caan
3. El ladrón de bicicletas (1948)
Dirigida por Vittorio de Sica
Con: Lamberto Maggiorani y Enzo Staiola
4. Taxi Driver (1976)
Dirigida por Martin Scorsese
Con: Robert De Niro, Jodie Foster y Cibill Shepherd
5. 2001: Odisea del espacio (1968)
Dirigida por Stanley Kubrick
Con Keir Dullea y Gary Lockwood
6. 8 ½ (1963)
Dirigida por Federico Fellini
Con: Marcello Mastroiani y Claudia Cardinale
7. Blade Runner (1982)
Dirigida por Ridley Scott
Con: Harrison Ford, Rutger Hauer y Sean Young
8. Toro salvaje (1980)
Dirigida por Martin Scorsese
Con: Robert De Niro, Joe Pesci y Cathy Moriarty
9. Vértigo (1958)
Dirigida por Alfred Hitchcock
Con James Stewart y Kim Novak
10. Fresas salvajes (1957)
Dirigida por Ingmar Bergman
Con: Victor Sjostrom, Bibi Andersson e Ingrid Thulin
Una escena de 8 1/2 de Fellini
1. Ciudadano Kane (1941)
Dirigida por Orson Welles.
Con: Orson Welles, Joseph Cotten y Dorothy Comingore.
2. El padrino (1972)
Dirigida por Francis Ford Coppola
Con: Marlon Brando, Al Pacino y James Caan
3. El ladrón de bicicletas (1948)
Dirigida por Vittorio de Sica
Con: Lamberto Maggiorani y Enzo Staiola
4. Taxi Driver (1976)
Dirigida por Martin Scorsese
Con: Robert De Niro, Jodie Foster y Cibill Shepherd
5. 2001: Odisea del espacio (1968)
Dirigida por Stanley Kubrick
Con Keir Dullea y Gary Lockwood
6. 8 ½ (1963)
Dirigida por Federico Fellini
Con: Marcello Mastroiani y Claudia Cardinale
7. Blade Runner (1982)
Dirigida por Ridley Scott
Con: Harrison Ford, Rutger Hauer y Sean Young
8. Toro salvaje (1980)
Dirigida por Martin Scorsese
Con: Robert De Niro, Joe Pesci y Cathy Moriarty
9. Vértigo (1958)
Dirigida por Alfred Hitchcock
Con James Stewart y Kim Novak
10. Fresas salvajes (1957)
Dirigida por Ingmar Bergman
Con: Victor Sjostrom, Bibi Andersson e Ingrid Thulin
Una escena de 8 1/2 de Fellini
agosto 18, 2007
Las mejores comedias del cine
Los lectores del diario inglés The Observer opinaron sobre sus preferencias en el género del cine del humor. Con eso datos los periodistas especializados hicieron una selección con las cincuenta mejores comedias de la historia del cine. Aquí les entregamos las diez primeras:
1. La vida de Brian (1979)
2. ¿Y donde está el piloto? (1980)
3. This is a Spinal Tap (1984)
4. Una Eva y dos Adanes (1959)
5. Withnail and I (1986)
6. Locuras en el Oeste (1974)
7. El gran Lebowski (1998)
8. Los caballeros de la mesa cuadrada (1975)
9. Sopa de ganso (1933)
10. El hijo de Frankestein (1974)
Una escena de la Vida de Bryan, clásico de la filmografía de los comediantes Monty Phyton que narra la vida de un joven judío que, en tiempos de Jesús, es confundido con el Mesías
1. La vida de Brian (1979)
2. ¿Y donde está el piloto? (1980)
3. This is a Spinal Tap (1984)
4. Una Eva y dos Adanes (1959)
5. Withnail and I (1986)
6. Locuras en el Oeste (1974)
7. El gran Lebowski (1998)
8. Los caballeros de la mesa cuadrada (1975)
9. Sopa de ganso (1933)
10. El hijo de Frankestein (1974)
Una escena de la Vida de Bryan, clásico de la filmografía de los comediantes Monty Phyton que narra la vida de un joven judío que, en tiempos de Jesús, es confundido con el Mesías
julio 31, 2007
Ingmar Bergman: murió el maestro del cine
“Volvía fantasmas a sus personajes y personajes a sus fantasmas”
Para entender el cine del legendario director sueco Ingmar Bergman, definitivamente, hay que saber de la estética del cine. Sus filmes no son para la mayoría del público. Se debe conocer el lenguaje del cine y desde allí leer los contenidos denotativos y connotativos de un mensaje fílmico que casi siempre se refiere a la incomunicación, la soledad, la muerte y la pobreza de la condición humana. Su cine sólo puede llegar al corazón y a las emociones de las personas a través del intelecto. La técnica de sus películas era precisa y exacta en los conceptos que intentaba transmitir, plasmando en imágenes desoladoras la irrealidad que surge de la subjetividad de la mente y el cerebro.
Bernardo Bertolucci aseguró: “se dirigió hacia una zona inexplorada que hasta entonces era coto privado de la literatura. Se trataba del lado más profundo del alma humana, con un blanco y negro que volvía fantasmas a sus personajes y personajes a sus fantasmas”
En su cine Bergman transmitía magistralmente sus traumas, angustias personales y su miedo a la muerte como resultado de la estricta educación religiosa que recibió de su padre, un pastor protestante puritano, lo que marcó su vida.
Se definió a si mismo como “un hombre cuyas películas ofrecieron una visión despiadada de un universo sin Dios”.
Sus filmes más destacados son: “El séptimo sello” (1956), “Fresas salvajes”(1957), “La fuente de la doncella”(1959), “Persona”(1966), “Gritos y susurros”(1972), “Escenas de la vida conyugal”(1974), “El huevo de la serpiente”(1977), “Sonata de otoño”(1978), “Fanny y Alexander”(1982) y “Saraband” (2003), su última película.
Una escena de "Persona", realizada en 1966, con Liv Ullman y Bibi Andersson.
El director, licenciado en Letras e Historia del Arte en la Universidad de Estocolmo, realizó 60 películas, 126 montajes teatrales y 39 obras para radio. En 1946 dirigió “Crisis” su primera película y en 1986 publicó sus memorias “Linterna mágica”.
En 1961 obtuvo el premio Oscar a la mejor película extranjera por “La fuente de la doncella”. En 1962, otra vez el Oscar por “Como en un espejo” y en 1984, por “Fanny y Alexander”, logra las estatuillas por mejor película extranjera, mejor fotografía y dirección de arte y vestuario. También fue nominado a los Globos de Oro como mejor director por el mismo filme.
Bergman fue el mejor artista cinematográfico y el más significativo de toda la historia del cine.
El creador de un lenguaje cinematográfico único e irrepetible, murió a los 89 años en su casa en la remota isla de Färo, en la costa de Suecia, donde vivía desde el 2002, acompañado por su propia película: el silencio y la soledad.
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