En Chile eligen las mejores películas

El diario “El Mercurio” reunió a directores de cine, críticos, docentes, actores, productores, dramaturgos y guionistas quienes eligieron los diez mejores films en la historia del cine en el mundo. Estos son:


















1. Ciudadano Kane (1941)
Dirigida por Orson Welles.
Con: Orson Welles, Joseph Cotten y Dorothy Comingore.

2. El padrino (1972)
Dirigida por Francis Ford Coppola
Con: Marlon Brando, Al Pacino y James Caan

3. El ladrón de bicicletas (1948)
Dirigida por Vittorio de Sica
Con: Lamberto Maggiorani y Enzo Staiola

4. Taxi Driver (1976)
Dirigida por Martin Scorsese
Con: Robert De Niro, Jodie Foster y Cibill Shepherd

5. 2001: Odisea del espacio (1968)
Dirigida por Stanley Kubrick
Con Keir Dullea y Gary Lockwood

6. 8 ½ (1963)
Dirigida por Federico Fellini
Con: Marcello Mastroiani y Claudia Cardinale

7. Blade Runner (1982)
Dirigida por Ridley Scott
Con: Harrison Ford, Rutger Hauer y Sean Young

8. Toro salvaje (1980)
Dirigida por Martin Scorsese
Con: Robert De Niro, Joe Pesci y Cathy Moriarty

9. Vértigo (1958)
Dirigida por Alfred Hitchcock
Con James Stewart y Kim Novak

10. Fresas salvajes (1957)
Dirigida por Ingmar Bergman
Con: Victor Sjostrom, Bibi Andersson e Ingrid Thulin

Una escena de 8 1/2 de Fellini

Las mejores comedias del cine

Los lectores del diario inglés The Observer opinaron sobre sus preferencias en el género del cine del humor. Con eso datos los periodistas especializados hicieron una selección con las cincuenta mejores comedias de la historia del cine. Aquí les entregamos las diez primeras:

1. La vida de Brian (1979)
2. ¿Y donde está el piloto? (1980)
3. This is a Spinal Tap (1984)
4. Una Eva y dos Adanes (1959)
5. Withnail and I (1986)
6. Locuras en el Oeste (1974)
7. El gran Lebowski (1998)
8. Los caballeros de la mesa cuadrada (1975)
9. Sopa de ganso (1933)
10. El hijo de Frankestein (1974)



Una escena de la Vida de Bryan, clásico de la filmografía de los comediantes Monty Phyton que narra la vida de un joven judío que, en tiempos de Jesús, es confundido con el Mesías

Ingmar Bergman: murió el maestro del cine

“Volvía fantasmas a sus personajes y personajes a sus fantasmas”

Para entender el cine del legendario director sueco Ingmar Bergman, definitivamente, hay que saber de la estética del cine. Sus filmes no son para la mayoría del público. Se debe conocer el lenguaje del cine y desde allí leer los contenidos denotativos y connotativos de un mensaje fílmico que casi siempre se refiere a la incomunicación, la soledad, la muerte y la pobreza de la condición humana. Su cine sólo puede llegar al corazón y a las emociones de las personas a través del intelecto. La técnica de sus películas era precisa y exacta en los conceptos que intentaba transmitir, plasmando en imágenes desoladoras la irrealidad que surge de la subjetividad de la mente y el cerebro.

Bernardo Bertolucci aseguró: “se dirigió hacia una zona inexplorada que hasta entonces era coto privado de la literatura. Se trataba del lado más profundo del alma humana, con un blanco y negro que volvía fantasmas a sus personajes y personajes a sus fantasmas”

En su cine Bergman transmitía magistralmente sus traumas, angustias personales y su miedo a la muerte como resultado de la estricta educación religiosa que recibió de su padre, un pastor protestante puritano, lo que marcó su vida.

Se definió a si mismo como “un hombre cuyas películas ofrecieron una visión despiadada de un universo sin Dios”.

Sus filmes más destacados son: “El séptimo sello” (1956), “Fresas salvajes”(1957), “La fuente de la doncella”(1959), “Persona”(1966), “Gritos y susurros”(1972), “Escenas de la vida conyugal”(1974), “El huevo de la serpiente”(1977), “Sonata de otoño”(1978), “Fanny y Alexander”(1982) y “Saraband” (2003), su última película.

Una escena de "Persona", realizada en 1966, con Liv Ullman y Bibi Andersson.


El director, licenciado en Letras e Historia del Arte en la Universidad de Estocolmo, realizó 60 películas, 126 montajes teatrales y 39 obras para radio. En 1946 dirigió “Crisis” su primera película y en 1986 publicó sus memorias “Linterna mágica”.

En 1961 obtuvo el premio Oscar a la mejor película extranjera por “La fuente de la doncella”. En 1962, otra vez el Oscar por “Como en un espejo” y en 1984, por “Fanny y Alexander”, logra las estatuillas por mejor película extranjera, mejor fotografía y dirección de arte y vestuario. También fue nominado a los Globos de Oro como mejor director por el mismo filme.

Bergman fue el mejor artista cinematográfico y el más significativo de toda la historia del cine.

El creador de un lenguaje cinematográfico único e irrepetible, murió a los 89 años en su casa en la remota isla de Färo, en la costa de Suecia, donde vivía desde el 2002, acompañado por su propia película: el silencio y la soledad.

Alain Delon ¿En qué está?

El legendario galán francés regresó en gloria y majestad a la última edición del Festival de Cannes. En el 2003 participó como ex policía en la miniserie de tres capítulos “Frank Riva”, rodada en Portugal y que fue un gran éxito lo que motivó a los productores a realizar una segunda temporada el 2004.

En su último film interpreta a Julio César en el film “Asterix y los juegos olímpicos”, una coproducción entre Alemania, España y Francia, que se rodó en Alicante.

Para la gente joven que no lo ubica diré que Alain Delon es una de las leyendas del cine francés que hizo su debut en el cine con “Quand la femme s'en melle” (1957). En 1961 se da a conocer internacionalmente con su papel en “Rocco y sus hermanos” de Luchino Visconti. También apareció en “El eclipse” (1962) y el año siguiente figuró en “El Gatopardo” y en “Gran jugada en la Costa Azul”.

Su rol en “El silencio de un hombre” (1967) de Jean-Pierre Mélville, le permitió mostrar su madurez artística. También trabajo junto a Jean-Paul Belmondo, otra gloria del cine francés, en “Borsalino” (1970), Apareció, en 1975, en “El Zorro”. Fue dirigido por Joseph Losey en “El otro Sr. Klein”, en 1977 y también estuvo en “Por la piel de un policía” (1981), que produjo, escribió y dirigió. En 1984 participó en “El amor de Swann”. Son algunos de sus films en su extensa filmografía.

Aquí lo vemos en "El samurai"

Escenas más románticas del cine

Los periodistas cinematográficos de Timesonline eligieron las películas con los momentos más románticos en la historia del cine.


En Love Story (1970),la moribunda Ali MacGraw es abrazada por Ryan O´Neal. Vea algunas escenas del film con la música original.

Otras son:

Lo que el viento de llevó (1939), cuando Clark Gable va a besar a Vivien Leigh.

Casablanca (1942), Humphrey Bogart despide a Ingrid Bergman en un lluvioso aeropuerto.

La extraña pasajera (1942), Bette Davis y la petición de matrimonio.

Entre copas (2004), cuando Virginia Madsen pone su mano Paul Glamatty cuando conversan.

Breve encuentro (1945), Celia Jonnson y Trevor Howard ponen a su relación extramarital.

El rey yo (1956), Yul Bryner y Deborah Kerr tiene contacto físico bailando.

Problemas de alcoba (1959), cuando Doris Day y Rock Hudson conversan por teléfono mientras toman un baño de tina.

Amor sin barreras (1961), Natalie Wood y Richard Beymer se declaran su amor.

Nuestros años felices (1972), cuando Barbra Streisand divisa a Robert Redford en la calle.

Con ánimo de amar (2000), Maggie Cheung y Tony Leung se tocan por primera vez.

Reto al destino (1982), Richard Gere cruza hacia donde trabaja Debra Winger para llevársela.

Cuatro bodas y un funeral (1994), Andie MacDowell se le declara bajo la lluvia a Hugh Grant.

Escenas que han sido inolvidables para miles de espectadores.

El Ciudadano Kane, la película número uno

El "Ciudadano Kane" lidera ranking de los 100 mejores films



La American Film Institute (AFI) elaboró un ranking con las 100 mejores películas del cine norteamericano. En el listado participaron 1.500 personas, entre directores, actores, críticos de cine, expertos en cine, historiadores del cine y productores, que hicieron su elección de un total de 400 títulos propuestos hasta el 2006. Las 10 primeras son las siguientes:

Orson Welles lidera la lista con "Citizen Kane" (El ciudadano Kane,1941). En segundo lugar se ubicó "El Padrino" (1972), de Francis Ford Coppola, y en el tercero, "Casablanca" (1942).

Los otros siete títulos son: "Toro Salvaje" (1980), de Martin Scorsese, "Cantando bajo la lluvia" (1952), de Stanley Donen y Gene Kelly, "Lo que el viento se llevó" (1939), de Victor Fleming, "Lawrence de Arabia" (1962), de David Lean, "La lista de Schindler" (1993), de Steven Spielberg, "Vértigo" (1958), de Alfred Hitchcock, y "El mago de Oz" (1939), de Victor Fleming, en orden de ubicación.

Es importante destacar que de los films realizados en los últimos 10 años sólo destacaron: “El señor de los anillos", 2001 (Nº 50)”, “Rescatando al soldado Ryan", 1998 (Nº 71)”, “Titanic”, 1997 (Nº 83) y “Sexto sentido", 1999 (Nº 89).

Cannes: “4 meses, 3 semanas y 2 días”

Cristian Mungiu obtuvo la Palma de Oro en Cannes 2007



La sobria y cruda cinta de Cristian Mungiu, primer director rumano que compite en la Sección Oficial de Cannes, inicia una serie titulada “Cuentos de la edad de oro”, inspirada en sus vivencias juveniles. El filme, ambientado en la Rumanía comunista de los años 87, cuenta con la presencia de Anamaria Marinca, Laura Vasiliu, Vlad Ivanov y Alex Potocean.

La película rumana, que se llevó también el Premio FIPRESCI de la Crítica Internacional, es una historia sórdida y realista que narra sobre las consecuencias sutiles y frecuentemente invisibles del adoctrinamiento. Habla de la amistad, de la responsabilidad y del amor. Pero es sobre todo una historia sobre el aborto en una época en que esto estaba considerado como un acto de libertad y de protesta contra el régimen comunista que prohibía abortar a las mujeres para aumentar una mano de obra disciplinada.

Su director, Cristian Mungiu, es un diplomado en literatura inglesa de 39 años que realiza su segundo largometraje. Cristian Mungiu ha dirigido, además de “4 luni, 3 saptamini si 2 zile”, los films “Lost and Found” (2005) (episode "Turkey Girl"), “Occident” (2002), “Corul pompierilor” (2000), “Nici o întâmplare” (2000) y “Zapping” (2000).

Según el director: "Una ley prohibió el aborto en Rumanía en 1966 y el efecto fue inmediato, el número de niños en las clases pasó de 28 a 36, las clases en las escuelas aumentaron de dos a diez, las mujeres empezaron a recurrir a los abortos ilegales y las estadísticas señalan medio millón de muertas. En este contexto, el aborto perdió toda connotación moral y se percibía como un acto de rebelión y resistencia contra el régimen comunista".

Ha dicho: “el premio es un aliciente para pequeños cineastas de pequeños países, que no necesitan ni grandes presupuestos ni grandes estrellas para hacer una historia que todo el mundo escuche".

Drácula

Desde los orígenes del cine existen muchas versiones de Drácula. Entre ellas, podemos destacar:

Nosferatu, un clásico del cine expresionista alemán, dirigido por F.W. Murnau (1922). .

La producción mexicana de los años 20 El Ataúd del Vampiro con Germán Robles como protagonista.

La versión de Drácula (1931), dirigida por Tod Browning y protagonizada por el húngaro Bela Lugosi.



La versión hispana de Drácula (1931), dirigida por George Melford, protagonizada por Carlos Villarías en el papel de Drácula y por Lupe Tovar en el papel de Mina.

En continuaciones de la saga por parte de la productora Universal Pictures el papel de Drácula fue interpretado por John Carradine, con títulos como La Casa de Frankestein (1944), La casa de Drácula (1945).

La versión Drácula (1958) de la Hammer Productions, dirigida por Terence Fisher y protagonizada por Christopher Lee.

La versión Drácula, príncipe de las tinieblas (1966), segunda parte de la anterior de 1958 con la misma producción, dirección y protagonista.

En 1966, John Carradine vuelve a interpretar al conde Drácula en una ínfima película llamada Billy el niño contra el Conde Drácula, volvería a ser Drácula en la película “Las vampiras", en 1969.

El Conde Drácula dirigido por Jesús Franco y protagonizada una vez más por Christopher Lee.

Una versión televisiva con Jack Palance en el papel de Drácula.
Sangre para Drácula de Paul Morrisey, con Udo Kier como Drácula.

El gran amor del conde Drácula, dirigida por Javier Aguirre, con Paul Naschy como Drácula.

Drácula, dirigida por John Badham, en 1979, con Frank Langella en el rol principal.

La película Nosferatu, fantasma de la noche, de Werner Herzog (1979), homenaje a la de su compatriota Murnau. Con Klaus Kinski en el papel principal.

La película Drácula de Bram Stoker, realizada por el cineasta estadounidense Francis Ford Coppola, en 1992

La más reciente versión cinematográfica de la historia de Stoker fue Drácula 2000, de Wes Craven.

En el 2002 versión televisiva de Drácula, dirigida por Roger Young y con Patrick Bergin en el papel del aristócrata vampiro.

En 2004, New Line Cinema produce la película Blade: Trinity, escrita y dirigida por David S. Goyer e interpretada por Wesley Snipes (Blade), Jessica Biel (Abigaíl Whistler) y Ryan Reynolds (Aníbal King).

En 2004, Universal Pictures lanza la película Van Helsing, dirigida por Stephen Summers, y protagonizada por Hugh Jackman.

En 2006 la televisión colombiana lanza el programa El Castillo Drácula, una parodia del oscuro personaje.

John Wayne: ¿actor, cowboy o leyenda?

(26 de mayo de 1907 - 11 de junio de 1979)

Para quienes crecimos viendo historietas y películas de vaqueros, John Wayne es el prototipo único del cowboy. Aunque realizó otro tipo de filmes nunca logró la perfección que lo hizo un personaje especial en el salvaje oeste. El hombre rudo con el sombrero sucio de tierra, el pañuelo húmedo al cuello, su caballo y sus rápidas pistolas. Ese que con su típica manera de caminar desafiaba a los “malos” y a los indios. El que defendía la justicia.

Su nombre era Marion Robert Morrison y comenzó de extra en películas de la mano de John Ford y Raoul Walsh, quién le dio el nombre de John Wayne. Hasta que el mismo Ford, en 1939, lo invitó a protagonizar “La diligencia”, el origen de los western modernos, que lo llevarían más adelante, en sus 157 filmes realizados, a convertirse en ejemplo de masculinidad, valor y patriotismo.

La Liga del Cuerpo de Marines de los Estados Unidos calificaba a John Wayne como "el hombre que ha puesto de manifiesto del modo más eficaz el significado de la palabra americano".

Recordemos a “Río Rojo” (1948), “Fort Apache” (1948), “Más corazón que odio” (1956), “Río Bravo” (1959), “El álamo” (1960),"Los comancheros" (1961), “La conquista del oeste” (1962),“El hombre que mató a Liberty Valance” (1962), “Los cuatro hijos de Katie Elder” (1965) “El pistolero” (1976).

Actuó bajo la dirección de los realizadores más prestigiosos de Hollywood como: William a. Wellman, Raoul Walsh, Michael Curtiz, pero su carrera estuvo marcada por los veinte largometrajes que rodó con John Ford, los seis con Henry Hathaway, y los cinco con Howard Hawks.

John Wayne dirigió dos películas: "El Alamo", en 1960 y " Boinas Verdes" además, trabajó en 17 como productor o coproductor.

En 1979 el cáncer había ya invadido el estómago de John Wayne. Era el principio del fin. Así el actor acude a la entrega de los Oscar de dicho año, recibiendo una gran ovación. Fué su última aparición en público, a pesar de sus palabras: " Los Oscar y yo tenemos algo en común. Ambos llegamos a Hollywood en 1928. Los dos estamos algo zarandeados por la vida, pero seguimos aquí y pensamos hacerlo durante bastante tiempo".

John Wayne ha sido hasta el momento el actor más taquillero de toda la historia del cine, superando a Clint Eastwood, que es el segundo colocado en este ranking. Wayne, fue durante dos décadas, años 50 y 60, el número uno, ocupando además el séptimo puesto en la década de los 70. A aparecido en la lista anual de los diez actores más taquilleros de Hollywood en 24 ocasiones.

Cien años de leyenda.

Letra y música...

La comedia romántica-musical "Letra y música" protagonizado por Hugh Grant (Alex Fletcher), Drew Barrymore (Sophie Fisher)y cuya musicalización estuvo a cargo de Adam Schlesinger nos muestra el proceso de creación de una canción. Su título es: "Way back into love"

La versión demo, cuando la están creando, es esta:



Y la versión final interpretada por Haley Bennett, como la cantante Cora Corman, es la siguiente:

“Escuchando el cine”: la música de las películas

Programa de televisión recrea las bandas sonoras

Un excelente programa sobre cine emite Canal 13 Cable los días lunes a las 20 horas. Se trata de “Escuchando el cine”, una producción Duoc, conducido por Roberto Aschieri. En el programa, los creadores de la música de los films explican como realizaron sus creaciones y los directores analizan la importancia de la banda sonora en el resultado de sus películas. Muestran instantes de la grabación con las explicaciones correspondientes a momentos de la escena y su justificación estética. Des mismo modo es posible ver algunos story que justifican el pensamiento artístico en la relación imagen-sonido.

Su conductor cumple una precisa participación, documentada y breve.

Para los amantes del cine es un buen momento para aprender y disfrutar de las maravillas del cine. Se lo recomendamos.

En relación a lo anterior es importante destacar que la música en el cine es una apreciación subjetiva de la objetividad de los sucesos que ocurren en la pantalla. En la música cinematográfica aparecen dos concepciones: la música ambiente y la música paráfrasis. Desde un punto de vista simplista, frecuentemente, cumple una de las tres funciones siguientes: sustitución de un ruido real, sublimación de un ruido o grito y subrayar un movimiento o un ritmo visual sonoro. Debe participar discretamente en la creación de la tonalidad general, estética y dramática de la obra. Su acción será más eficaz si se hace oír pero no escuchar. Profundiza la impresión visual añadiéndole una resonancia de naturaleza específicamente distinta.

La música produce una impresión global sin comentar la imagen a través de su tonalidad, su ritmo y su melodía, creando una especie de medio ambiente efectivo que capacita sutilmente al espectador para una mejor receptividad del valor profundo de las imágenes o del film como unidad significativa.

Cartas desde Iwo Jima

Los efectos de la guerra sobre los seres humanos



El relato del filme trata de un grupo de soldados japoneses que enfrentan la muerte segura en una batalla que desde el principio saben que están destinados a perder, en una isla que debe ser defendida hasta el último hombre para que el enemigo sufra las mayores bajas. El eje de la historia está centrada en los efectos de la guerra sobre los seres humanos presentes en las cuevas, el seguro cementerio para sus protagonistas.

En su mensaje destaca el afán por comprender al pueblo japonés en su comportamiento, donde la tradición oriental y militar colocan a la patria por encima de todo y donde el honor y la dignidad se convierten en valores fundamentales.

Un filme donde destacan un tratamiento en el estilo del cine clásico japonés en cuanto a utilización de planos y angulaciones dramáticas y en una dirección de fotografía parduzca y sepia, en tonalidades oscurecidas que trasmiten una estética de desesperanza. Un tono general de dureza y desazón interior de los protagosnistas con violentas escenas de guerra en una atmósfera íntima que explora dramáticamente lo humano de esa guerra.

En el filme se destacan los mecanismos del cine de los grandes maestros para construir un relato épico y una valiosa preocupación por la estética y una detallada elaboración del relato, en una excelente composición de planos, tonos, colores y fotografía que acompañan con grandiosidad el recorrido de las imágenes. El guión, bien investigado y mejor desarrollado, y una actuación destacadísima y creíble, son pilares importantes de la película.

El cine de Eastwood es una escritura en lenguaje de imágenes, con flexiones, elipsis, convenciones y una gramática especial. Un instrumento para comunicarse. Sus imágenes imponen a nuestros ojos y oídos un fragmento estético de la realidad. Su obra cinematográfica es inicialmente “ser” para después “significar” en el espectador. Excelente film.Una obra maestra.

Ficha técnica:

Dirección: Clint Eastwood. Género: Drama bélico
País: Estados Unidos. Año: 2006. Duración: 140 min.
Intérpretes: Ken Watanabe (general Tadamichi Kuribayashi), Kazunari Ninomiya (Saigo), Tsuyoshi Ihara (barón Nishi), Ryo Kase (Shimizu), Shidou Nakamura (teniente Ito), Nae (Hanako), Hiroshi Watanabe (teniente Fujita), Takumi Bando (capitán Tanida), Yuki Matsuzaki (Nozaki).
Guión: Iris Yamashita y Paul Hagáis, basado en el libro "Picture letters from commander in chief" de Tadamichi Kuribayashi.
Producción: Clint Eastwood, Steven Spielberg y Robert Lorenz.
Diseño de producción: Henry Bumstead y James J. Murakami.
Música: Kyle Eastwood y Michael Stevens. Fotografía: Tom Stern.
Montaje: Joel Cox y Gary D. Roach. Vestuario: Deborah Hopper.

Martin Scorsese…infiltrado

Se supone que el film “Los infiltrados” (The departed”), basada en el filme oriental ¨Infernal affairs¨, es una carta fuerte para el Oscar 2007. Pero sólo es una buena película de acción. Tiene muchos errores de continuidad actoral y malas soluciones a complejos problemas de relaciones y acción, solucionados mediante balazos. Una muy larga cinta que decepciona a medida que progresa, en una trama mal hilvanada y en la que parece que sobran determinadas secuencias. El factor romántico es protagonizado por una siquiatra que no justifica su rol que es forzado e intrascendente. El filme sólo se sustenta en la calidad de sus actores principales: Leonardo DiCaprio, Matt Damon y Jack Nicholson. Nada más.



Su director Martin Scorsese (64 años), que ha sido nominado nueve veces al Oscar y nunca ha ganado, es uno de los grandes del cine contemporáneo, con una filmografía de más de 40 años, con obras como "Taxi driver" (1976), "Toro salvaje" (1980), "Uno de los nuestros" (1990), "Malas calles" (1973), "El rey de la comedia" (1983), "Jo, ¡qué noche!" (1985) y "Al límite" (1999), "Gángsters de Nueva York" y "El aviador", entre otras.

El problema es que en la ejecución de su último filme no refleja su gran calidad y oficio como director, a pesar de su elenco y de la ingeniosa historia. No está dando la medida para un Oscar.

Claude Chabrol: “L´Ivresse du pouvoir”

Un maestro del cine francés



Chabrol tiene 76 años y sigue filmando. Es un genuino representante de la Nueva Ola francesa, un grupo de nuevos cineastas franceses surgidos a finales de los años 50, que reaccionan contra las estructuras del cine francés existentes en ese momento y que tiene como máxima aspiración la libertad de expresión y también la libertad técnica.

El estreno de “La comedia del poder” lo trae a las pantallas chilenas. Este compañero de generación de Resnais, Rohmer, Rivette, Godard, Straub y Huillet sigue filmando una película por año.

Chabrol para expresarse en sus films se atiene a una estructura, a un sistema semejante a la de las novelas policiales. Organiza toda una realidad en base a esa fórmula, lo que le da un método para equilibrar los elementos y darse a entender en las películas que realiza.

El factor visual es determinante en la elaboración de sus obras cinematográficas. Su cine se reconoce por los colores. Busca obtener visualmente una especie de expresionismo que permita al espectador comprender por asociación de colores o rupturas brutales aquello que no está dicho en los diálogos. La idea es que éstos no sean explicativos y que sea la imagen la que explique lo que dicen los personajes.



Dice sobre “La comedia del poder:” Me interesó la noción misma de poder”…”Trata sobre personas que son transformadas por el poder, al igual que el resto de su existencia”…”Esas personas están destruidas, sumergidas en un tremendo egoísmo, en una incapacidad total de comprender y compartir el sufrimiento y los problemas de los demás”.

Entre sus films podemos mencionar: El bello Sergio (1969), Los primos (1969), Una doble vida (1959), Ofelia (1962), Las ciervas (1968), Mujer infiel (1968), El carnicero (1969), Relaciones sangrientas (1973), Locuras de un matrimonio burgués (1976), Un asunto de mujeres (1988), Madame Bovary (1991), La ceremonia (1995), En el corazón de la mentira (1999), Gracias por el chocolate (2000), La dama de honor (2004).
Un maestro.

Documental “I´m your man”: un especial tributo cinematográfico

El homenaje es para el canadiense Leonard Cohen, el poeta-músico de la tristeza gastada

El documental “I´m your man”, dirigido por Lian Lunson y producido por Mel Gibson, es una entrevista y el registro de las versiones de sus canciones que realizó un grupo de destacados cantantes.

El film que se estrenó en Junio en Estados Unidos surgió de shows al aire libre organizados por el Consulado de Canadá en Nueva York, en el año 2004. El primero se realizó en Brooklyn con el nombre “Came so far for beauty: an evening with Leonard Cohen”. Después el proyecto se realizó en Inglaterra y Australia. Cada uno de los artistas convocados (Rufus Wainwright, Nick Cave, Beth Orton, Bono, The Edge, entre otros) realizaron versiones especiales de la música de Cohen.

El afamado director Win Wenders dijo: “es uno de los mejores filmes musicales que se ha hecho”

Para quiénes que no ubican a Cohen, (nacido en Québec en 1934) lo reconocerán por la música que se escucha al comienzo y final de la película “Natural Born Killers”. Allí Cohen canta una de sus canciones: “Waiting for the miracle”; con su voz áspera, ronca, vieja y desgastada.

Cohen, cantante y músico de 71 años, en sus creaciones explora los límites del sentimiento humano dirigiéndose hacia el lado existencial, humanista y romántico de la vida. La depresión y angustia del autor logran trasladarse al público, entra al subconsciente y crea tristes efectos. Las notas de cada canción están diseñadas como lamentos para acompañar su timbre de voz, reflejando sentimientos tristes y opacos.

Su debut en 1956 fue con un libro de poemas llamado “Comparemos mitología”. En 1961 editó “La caja de especias de la Tierra. De su música hay dos títulos importantes: “The songs of Leonard Cohen” (1968) y “Songs of love and hate” (1971). Escribió “El libro de los anhelos”, una colección de más de 40 poemas y narraciones con ilustraciones y autorretratos, recién aparecido en nuestro país.

"Dance me to the end of love", un antiguo video para conocer su creatividad.




“Waiting for the miracle” (Esperando el milagro)


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"Esperando el milagro" (versión en español)

Muchacha, he estado esperando,
he estado esperando noche y día.
No vi el momento,
he esperado media vida ida
Hubo muchas invitaciones
y yo sé que tu enviaste algunas,
pero yo estaba esperando
a que el milagro llegara.

Yo sé que realmente me amabas
pero, mira, mis manos estaban atadas.
Yo sé que debe haberte herido,
debe haber herido tu orgullo
permanecer bajo mi ventana
con tu corneta y tu tambor
mientras yo estaba esperando
a que el milagro llegara.

No me creo que te gustará
No te gustaría aquí
No hay entretenimiento
y los juicios son severos
El Maestro dice que es Mozart
pero suena como chicle
cuando estás esperando
a que el milagro llegue

Esperando el milagro
No queda nada que hacer
No he estado así de feliz
desde el final de la segunda guerra mundial
Nada queda que hacer
cuando sabes que has sido arrebatado
Nada queda que hacer
cuando mendigas por una migaja
Nada queda que hacer
cuando sabes que tienes que continuar esperando
a que el milagro llegue.

Soñé contigo, muchacha
Fue justo la otra noche.
La mayor parte de ti estaba desnuda
pero algo de ti era luz.
Las arenas del tiempo caían
de tus dedos y pulgares
y tu estabas esperando
a que el milagro llegara.

Muchacha, casémonos,
hemos estado solos demasiado tiempo.
Estemos solos juntos.
Veamos si somos así de fuertes.
Hagamos algo loco,
algo absolutamente equivocado
mientras estamos esperando
a que el milagro llegue.

Esperando el milagro
No queda nada que hacer
No he estado así de feliz
desde el final de la segunda guerra mundial
Nada queda que hacer
cuando sabes que has sido arrebatado
Nada queda que hacer
cuando mendigas por una migaja
Nada queda que hacer
cuando sabes que tienes que continuar esperando
a que el milagro llegue.

Cuando has caído en la autopista
y yaces bajo la lluvia
y ellos te preguntas como te sientes
desde luego tu contestas que no te puedes quejar
Si te estrujan por información
es cuando tienes que actuar mudo:
sólo di que estabas allí fuera esperando
a que el milagro llegara.

Día nacional del cine

Hoy se celebra en Chile el Día Nacional del Cine. En esta fecha vale la pena recordar algunos conceptos: "El cine es el conjunto de técnicas reunidas para obtener, por proyección luminosa, la restitución de movimientos registrados fotográficamente".

Al cine se llegó a través de 3 caminos:

1) La estrobocopía (persistencia retiniana o de la visión)
Es un fenómeno fisiológico natural que consiste en que si le llega al ojo una imagen luminosa, éste conserva y retiene la impresión hasta una décima de segundo después de que la observación ha cesado y desaparecer aquella.

2) La fotografía
La cámara oscura que proyecta exteriores iluminados por el sol en una habitación oscurecida se desarrolló en el siglo XVI.

3) La proyecciónLa cámara oscura permitió crear la “linterna mágica”, aparato que proyectaba imágenes luminosas, que eran simples cuadros, en la oscuridad.

Todo comenzó con las sombras chinescas y las primeras experimentaciones de algunos visionarios como: Aristóteles, Roger Bacon, Gian Batista Della Porta, Leonardo Da Vinci, Athanasius Kircher, el Abate Furetiere, Seraphin, Etienne Robertson, Thomas Wedgwood y Humprey Davy, Wollaston, Nicéphore Niepce y Louis Daguerre, Peter Mark Roget, Fitton y el Dr. John Ayrton Paris, Joseph Antoine Plateau, Michael Faraday, J. Antoine Plateau, Simo Stampfer, William George Horner, William Henry Fox Talbot,John William Herschel, Henry Langdon Childe, Abel Niépce de Saint - Victor, Jules Duboscq, F. Scott Archer, Franz von Uchatius, Alexander William Parkes, Desvignes, Coleman Sellers, Ducosq de Auron, J.W. Haytt e Isaias Haytt, Henry R. Heyl, Edward Muybridge, Jules Janssen, Emile Reynaud,Edison, Le Prince y J. Etienne Marey, William Dickson, Georges Demeny y Francis C. Jenkins.

Tras estos precursores surgieron los cineastas: Augusto y Louis Lumière, Alfred Clark, George Meliès, los hermanos Pathé, Gammon y Raff, Félix Mesguich, Eugéne Pirou, Leon Gaumont , J. Stuart Blackton, James Williamson y Alfred Collins, Raoul Grimoin, Edwin S. Porter, y el cine ya estaba en camino.

A comienzos del 1900, en Chile se iniciaban en la aventura visual: Carlos Ansaldo, Arturo Larraín Lecaros, Adolfo Urzúa Rojas, Salvador Giambastiani, Arturo Mario, José Bohr,Pedro Sienna, Carlos Cariola.

Algunos nombres para recordar.

Los mejores filmes musicales de la historia del cine

“Cantando bajo la lluvia” es la mejor de todas

El American Film Institute (AFI) eligió las 25 mejores películas musicales de la historia del cine. El jurado compuesto por actores, directores, artistas, compositores, músicos, críticos e historiadores del cine realizaron la siguiente selección:

1. Cantando bajo la lluvia (1952) dirigida por Stanley Donen, con Gene Kelly

2. Amor sin barreras (1961) dirigida por Robert Wise, con Natalie Word y George Chakiris con que ganó 10 Oscar

3. El mago de Oz (1939) dirigida por Victor Fleming con Judy Garland

4. La novicia rebelde (1965) dirigida por Robert Wise, con Julie Andrews

5. Cabaret (1972) dirigida por Bob Fosse, con Liza Minelli

6. Mary Poppins (1964) dirigida por Robert Stevenson, con Julie Andrews

7. Nace una estrella (1954) dirigida por George Cukor, con Judy Garland

8. Mi bella dama ((1954) dirigida por George Cukor, con Audrey Hepburn

9. Un americano en París (1951) dirigida por Vincent Minelli con Gene Kelly

10. Meet in St Louis (1944) dirigida por Vincent Minelli, con Judy Garland

11. El rey yo (1956) dirigida por Walter Lang, con Deborah Kerr y Yul Brynnner

12. Chicago (2002) dirigida por Rob Marshall, con Renée Zellweger, Catherine Zeta-Jones y Richard Gere,

13. La calle 42 (1933) dirigida por Lloyd Bacon, con Dick Powell

14. All that jazz (1979) dirigida por Bob Fosse, con Roy Scheider, Jessica Lange

15. Sombrero de Copa (1935) dirigida por Mark Sandrich, con Fred Astaire y Ginger Rogers.

16. Funny Girl (1968) dirigida por William Wyler, con Barbra Streisand y Omar Shariff

17. The band wagon (1953) dirigida por Vincent Minelli, con Fred Astaire y Cyd Charisse.

18. Yankee Doodle Dandy (1942) dirigida por Michael Curtiz, con James Cagney y Joan Leslie.

19. Leven anclas (1949) dirigida por George Sydney, con Kathryn Grayson, Gene Kelly y Frank Sinatra

20. Grease (1978) dirigida por Randal Kleiser, con Olivia Newton John y John Travolta

21. Siete novias para siete hermanos (1954) dirigida por Stanley Donen, con Howard Keel y Jane Powell.

22. La bella y la bestia (1991) realizada por Gary Trousdale y Kirk Wise

23. Chicos y Chicas (1955) dirigida por Joseph L. Mankiewics, con Marlon Brando, Jean Simmons y Frank Sinatra

24. Showboat (1936) dirigida por James Whale, con Irene Dunne y Allan Jones

25. Moulin Rouge (2001) dirigida por Baz Luhrmann, con Nicole Kidman.

Si le gustan las películas musicales aquí tiene donde elegir y disfrutarlas.

Glenn Ford: el pistolero invencible

En sus filmes fue policía, marino, gangster y galán. Realizó más de 80 filmes en toda su carrera.

En un post anterior recuerdo que mencioné que en las matineé de los domingos había visto casi todos los films del oeste, pasando del blanco y negro al color. Uno de los filmes que nunca olvidé fue “El pistolero invencible”. Su protagonista: Glenn Ford.

El destacado actor ha muerto en su casa de Beverly Hills, a los 90 años. Nació, el 1º de mayo de1916 en Québec, Canadá, con el nombre de Gwyllyn Samuel Newton Ford y era hijo de un directivo de ferrocarriles. A los 8 años llegó a Estados Unidos, a Santa Mónica, California y estuvo casado tres veces.

“El pistolero invencible”, (demoraba en realidad 0,4 segundos en desenfundar su revólver), fue una de sus películas, dirigida por Russel Rouser, en 1956. El film también se conoció con el nombre de “Llega un pistolero”.

En su adolescencia formó parte de la compañía itinerante West Coast y en una de sus actuaciones Tom Moore, le propuso realizar una prueba para incorporarse a la Columbia. Así comenzó su carrera cinematográfica que duró entre 1939 hasta 1991, donde realizó 85 filmes.

Su primer papel, en 1939, fue en la película "Heaven with a barbed wire fence", dirigida por Ricardo Cortez. Después realizó “So ends our night" (1941) de John Cromwell, "Texas" (1941) de George Marshall, "El barco de la muerte" (1942) de Sidney Salkow. Protagonizó “Gilda” con Rita Hayworth realizada por Charles Vidor, "The Lady in question" (1940), "Los amores de Carmen" (1948), "La dama de Trinidad" (1952) de Vincent Sherman y "La trampa del dinero" (1966), con la dirección de Burt Kennedy.

Protagonizaría también "Una vida robada" (1946), con Bette Davis y "El hombre del Colorado" (1948) de Henry Levin.

En los años 50 realizaría "El desertor del Álamo" (1953) de Budd Boetticher, "Los sobornados" (1953) de Fritz Lang, "Deseos humanos" (1954) de Fritz Lang, "La melodía interrumpida" (1955) de Curtis Bernhardt, "Semilla de Maldad" (1955) de Richard Brooks, "La furia de los justos" (1955) de Mark Robson, "Llega un pistolero" (1956) de Russel Rouse, "La casa de té de la luna de agosto" (1956) de Daniel Mann, "Jubal" (1956) de Delmer Daves, "El tren de las 3:10" (1957) de nuevo con Daves, al igual que "Cowboy" (1958), "Furia en el valle" (1958) de George Marshall o "Un muerto recalcitrante" (1959) de Marshall.

Posteriormente filmaría"Cimarron" (1960) de Anthony Mann, "Un gángster para un milagro" (1961) de Frank Capra, "El noviazgo del padre de Eddie" (1963) de Vincente Minnelli, "Chantaje para una mujer" (1962) de Blake Edwards, "Los cuatro jinetes del apocalipsis" (1963) de Minnelli, "La furia de los cobardes" (1964) de George Marshall o "Smith" (1969) de Michael O'Herlihy. En 1978 participó en “Superman”, un film de Richard Donner.

Un recuerdo, una película inolvidable y un destacado actor que ya no está. Sólo quedan sus filmes para revivir su talento.

Cine chileno: ni tanto ni tan poco…

Hace unos días en un canal de cable exhibieron el film chileno “Machuca”. Por curiosidad dediqué un tiempo a ver “como se veía” en la televisión en un contexto diferente de percepción a una sala de cine. Y los defectos del film saltaron a la vista. Personalmente nunca le encontré la calidad que tanto pregonaban los comentaristas especializados. Y en ese contexto, la película comparada con los otros filmes que se exhiben en la televisión pagada se veía muy desmerecida.

Mi posición fue verla de manera neutra como si fuera un teleespectador de cualquier país. La dicción de los actores muy deficiente y a veces ininteligible, muchos modismos localistas, la música incidental sólo como acompañamiento y no como un recurso expresivo, un montaje lento y falto de ritmo visual, algunos temáticas entendibles solo para quiénes son chilenos, etc. Mucha pretensión de obra de arte.

En general, casi no veo cine chileno porque considero que está más cerca de una “fotonovela” en movimiento que de una película de factura internacional. Muchos errores de dirección y continuidad, guiones deficientes (les cuesta mucho contar en imágenes), actores sobreactuados y muchos contenidos políticos, religiosos y costumbristas. Es un cine que no se ubica en ningún estilo de los varios que existen ni tampoco en una obra de autor.

Hacer un film en los tiempos actuales no es una tarea tan titánica como antes. La tecnología soluciona muchos problemas, pero no es lo más importante. El talento es lo principal. Tomo como ejemplo el neorrealismo italiano que sin grandes recursos económicos y técnicos hicieron obras cinematográficas que quedaron en la historia por su valor artístico, lo mismo el cine francés que han realizado excelentes y sencillos filmes de gran calidad.

Lamentablemente los “comentaristas o críticos de cine” solo se limitan a opinar sobre el contenido o historia de una película sin profundizar en un análisis de la estética de la expresión cinematográfica lo que lleva a los espectadores a tener un bajo umbral de análisis de lo que están viendo en pantalla, conformarse, y creer que cada película chilena es digna de un Oscar. Y eso no ayuda a hacerlo mejor.

Mención aparte para Silvio Caiozzi, Miguel Littin y Raúl Ruiz quiénes dominan al más alto nivel la realización de una película y lo demuestran cada vez que acometen un trabajo cinematográfico. Como los viejos cineastas chilenos, que si sabían, no están haciendo cine, al resto de los jóvenes “directores de cine” les queda el consuelo de saber que todavía les falta mucho por hacer en este arte y no creerse el cuento de “soy cineasta”. Lo malo es que el público se conforma con poco y eso los deja felices.

Federico Fellini

El gran maestro de un cine diferente

En el post anterior me refería a mi primer nexo con el cine de Fellini.

En la actualidad,pasando en auto por una calle de la ciudad de Viña del Mar, veo un restaurant cuyo nombre es “Fellini”, y me pregunté que motivación tendría su dueño para ponerle ese nombre ¿Sería un admirador? ¿Lo tendría decorado con motivos de su filmografía? Algún día lo sabré.

Y recordé la escena más loca y que más me impactó. Fue en la película “Roma”, estrenada en 1972. Un desfile de moda de curas y monjas en una pasarela. Avanzaban en patines con un vestuario estrafalario y lleno de luces. Esa escena representa para mí la forma en que Fellini captaba el mundo. Como un gran circo grotesco.

Para entenderlo no basta mencionar a las gordas de sus films. Sino conocer su visión del mundo que refleja en sus películas.

Con una gran filmografía, que no mencionaré, fundamentada en la crítica social, la estética del circo, la imaginación absurda y surrealista, Fellini es un creador original representando siempre las fronteras entre fantasía y realidad.

Su cine esta plagado de personajes grotescos e imágenes oníricas, ignorando todas las convenciones. Una autoridad visual perversa sometido a su condicionamiento infantil. Mezcla de lo fantasioso con una realidad subjetiva muy cercana al surrealismo.

En sus películas retrata la decadente vida llena de excesos de la burguesía, próxima al espectáculo de variedades, por eso utiliza principalmente gente y no actores.

Dice Fellini: “Los preliminares del espectáculo siempre me emocionaron, como el circo. Para mí, el cine es una sala hirviente de voces y sudores, las castañas asadas, el pipí de los niños: ese aire de fin de mundo, de desastre de redada. El desbarajuste que precede al espectáculo de variedades, los directores que llegan a la orquesta, los acordes, la voz del cómico y los pasos de las chicas detrás del telón. O la gente que en el invierno sale por las puertas de emergencia, alguien que canturrea el motivo de una película, risotadas, alguien que mea”.

El mundo de Fellini son imágenes caricaturescas, monigotes inagotables, anatomías femeninas hipersexuadas, obsesivas, caras decrépitas, curas, llamas de cirios, tetas y traseros, enredos, textos delirantes, toda la pacotilla desbordante e inagotable, digno de un psiquiatra. Todo es confusión en el exagerado mundo de Fellini.

Finaliza Fellini: “En el rodaje, las primeras dos semanas son un viaje contradictorio para mí. A partir de ahí siento que ya no soy yo quien dirige la película, sino que la película me dirige a mí.”

Curiosamente Fellini fue dibujante… en el cine fue caricaturista de la realidad.

Mientras lee, escuche parte de la música incidental característica de uno de sus films.


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