Grandes directores y recuerdos fílmicos
Es una gran oportunidad para ver lo mejor del cine a quiénes tienen la posibilidad de asistir a este gran evento.
En la Competencia Oficial del Festival de Cannes 2009 estará Tarantino con su film bélico y comedia violenta, “Bastardos sin gloria” (Inglourious basterds), con Brad Pitt como el líder de un escuadrón de embrutecidos soldados preparados para liquidar nazis.
Con “Los abrazos rotos”, un drama sobre un hombre obsesionado con su pasado y su viejo amor, es dirigida por Almodóvar y con la actuación estelar de Penélope Cruz, También en la lista de figuras está el controvertido danés Lars von Trier, con su cinta de horror “Anticristo”, donde una pareja se refugia en un bosque, tras la muerte de su hijo y descubre la existencia del demonio.
El inglés Ken Loach, (ganador de Cannes el año 2006), presenta la comedia “Looking for Eric” y desde Estados Unidos llega “Taking Woodstock”, film de Ang Lee sobre los creadores del Festival de Woodstock.
Francia, con Alain Resnais, sobreviviente de la Nueva Ola, (86 años) presenta la comedia “Les herbes folles”. Por su parte, la neozelandesa Jane Campion, que ganó Cannes con “La lección de piano”, compite con “Bright star”, biografía del poeta John Keats.
Curiosamente, la última película de Francis Ford Coppola “Tetro” se exhibirá en la Quincena de Realizadores, dedicada al cine de la periferia, quién prefirió estar ahí con su cinta. Fuera de competencia se exhibe la película “The imaginarium of doctor Parnassus”. Se trata de lo nuevo de Terry Gilliam (“Brazil”, “Doce monos”), con la actuación final de Heath Ledger, quien murió durante el rodaje.
Martin Scorsese se encargará de presentar clásicos restaurados, maravillosas películas como “La aventura” de Michelangelo Antonioni, “Los zapatos rojos”, de Michael Powell y Emeric Pressburger, “Pierrot le fou”, de Jean-Luc Godard, “Senso”, de Luchino Visconti, y “Erase una vez la revolución”, de Sergio Leone. También se incluyen a directores como Visconti, Jacques Tati y Joseph Losey.
Mucho que ver y de lo bueno en Cannes 2009.
mayo 12, 2009
mayo 07, 2009
Cine en su casa
El cine está más cerca de las personas, en su propia casa, a través de un DVD o el computador. Los hábitos cinematográficos están cambiando. Ya no es necesario ir a una sala de cine para ver los films que uno quiere. Por ejemplo, la Warner (www.warnerarchive.com), previo pago de una pequeña suma, pondrá a disposición de los cinéfilos su colección de clásicos y las opciones que ofrece son el envío de un DVD o la descarga en el computador. En Chile, el escritor y cineasta Alberto Fuguet pondrá su propia sala digital. A fines de mes lanzará el sitio www.cinepata.com desde donde se podrán bajar gratis producciones latinoamericanas de calidad comprobada para ver en el computador, el autor comenzará con sus trabajos personales hasta ir ampliando su oferta fílmica.
Para los que nos gusta el cine, poder ver las películas antiguas o nuevas, que queramos, en el PC es una gran oportunidad. Le recomiendo comenzar por el cine clásico, especialmente la producción europea y lo mejor del cine norteamericano.
abril 17, 2009
El tiempo pasa para todos
El cine es fantasía, sueños y nostágicas imágenes que quedan en la retina del espectador. Sus actores, llamados antiguamente “el jovencito de la película”, representan una imagen idealizada para muchos, pero son seres humanos como cualquier persona. En la vida real dejan de ser leyenda porque...el tiempo pasa para todos.
abril 16, 2009
Eric Rohmer
Sesenta años de cine
Me gusta el cine francés. Películas que fluyen con naturalidad y casi al ritmo de la vida misma. Prefiero una película bien contada, un relato clásico, sutil y según la gramática visual de los directores fundadores del cine. Un ejemplo de esta forma de hacer cine es Eric Rohmer, un gran director francés, de 89 años de edad. Es uno de los fundadores y sobreviviente del movimiento la Nueva Ola Francesa. Sus historias fílmicas tratan sobre dilemas morales, del comportamiento de las personas en sus relaciones afectivas, con puestas en escena relacionadas a referencias pictóricas y de diseño cromático. Sin efectos especiales ni música. Porque la vida es así, refleja en su cine un arte de la realidad.
Dice el director: “el cuento moral es una historia que no trata tanto de lo que hacen las personas como de lo que sucede en sus mentes cuando lo hacen. Un cine de pensamiento más que de acción”
Si le interesa ver alguno de sus films, puedo mencionar los siguientes títulos: “Mi noche con Maud”, “La rodilla de Clara”, “La buena boda”, “Paulina en la playa”, “El amigo de mi amiga”, Tres romances en París”, “Seis cuentos morales”, “Comedias y proverbios” y “Cuentos de las cuatro estaciones”, entre otras de su extensa filmografía.
También a realizado cortometrajes como:” Charlotte et son steak”, “La panadera de Monceau”, “La carrera de Suzanne” y “Nadja en París” y documentales: “Eric Rohmer, prueba en mano”, “La fábrica del cuento de verano”
Un maestro del relato cinematográfico clásico.
Escenas de “Mi noche con Maud” (1969)
abril 13, 2009
Clint Eastwood
En la galería de los grandes DIRECTORES, además de ser un gran ACTOR.
Del destacado actor y director he visto casi todos sus films. Ahora me tocó ver a sus dos últimas películas: “El sustituto” y “Gran Torino”. Ambas de gran factura. Para muchos Clint Eastwood es conocido principalmente como actor, pero su labor como director es muy vasta y de gran calidad. Tiene oficio y talento como realizador y gran capacidad interpretativa. Por otra parte, es músico, pianista, desde su juventud y compone música para sus films.
Casi todos los famosos actores que han trabajado con él han destacado sus grandes capacidades para desarrollar un trabajo armónico y de excelentes relaciones con ellos, además de un gran dominio del set, de la realización misma y sobre todo de la forma como va elaborando las historias fílmicas con ellos. Lo admiran.
Entre sus primeras películas, figuran títulos como "Francis in the navy" (1955), "Lady Godiva" (1955), "Tarántula" (1955) y "The first traveling saleslady" (1956). Arthur Lubin, es el director con el que más trabajó en estas primeras y cortas apariciones en el cine de Hollywood.
En 1959 alcanzaría popularidad con el personaje de Rowdy Yates, protagonista de "Rawhide", una serie de televisión del oeste que permanecería durante siete años en pantalla.
Logró fama definitiva como actor en los años 60 gracias a su trabajo con el director italiano Sergio Leone en los conocidos “spaghetti western”: "Por un puñado de dólares" (1964), "La muerte tenía un precio" (1965) y "El bueno, el feo y el malo" (1966), tres excelentes películas que lo convirtieron en uno de los actores más populares.
A finales de los años 60 filmó "La jungla humana" (1968), "Dos mulas y una mujer" (1969), "La leyenda de la ciudad sin nombre" (1969), "Los violentos de Kelly" (1970). Siguió con "Harry el sucio" (1971), "El seductor" (1971), "Joe Kidd" (1972), "Harry el fuerte" (1973), “Un botín de 500.000 dólares" (1974), "Harry el ejecutor" (1976), “Duro de pelar" (1978), "Fuga de Alcatraz" (1979), "La gran pelea" (1980) "Ciudad muy caliente" (1984) "En la cuerda floja" (1984) y "La lista negra" (1988).
En 1971, Clint Eastwood pasaría a la dirección, debutando con la "Escalofrío en la noche" (1971), a la que siguieron en los años 70 con "Infierno de cobardes" (1972), "El fuera de la ley" (1976) y "Ruta suicida" (1977), Se agregan "Bronco Billy" (1980), "El aventurero de medianoche" (1982), "Firefox, el arma definitiva" (1982),"Impacto súbito" (1983), "El jinete pálido" (1985), "El sargento de hierro" (1986),
Su destacada filmografía como director se vio acrecentada con "Cazador blanco, corazón negro" (1990), "Bird" (1988) y "Sin perdón" (1992). Algunos de sus más importantes estrenos en los noventa, ya sea como actor o director, han sido "En la linea de fuego" (1993), "Un mundo perfecto" (1993), "Los puentes de Madison" (1995), "Medianoche en el jardín del bien y del mal" (1997), "Space cowboys" (2000), "Mystic River" (2003) y "Million Dollar Baby" (2004). También dirigió "Banderas de nuestros padres" (2006) y "Cartas desde Iwo Jima" (2006),
Por "Mystic River" recibió una nominación al Oscar como mejor director mientras que por “Unforgiven” y por "Million Dollar Baby" fue galardonado con el Oscar como mejor director y mejor película y el Globo de Oro como mejor director.
Para diciembre de este año tiene previsto estrenar “The Human Factor”, basada en la vida de Nelson Mandela. A sus 79 años (nació el 31 de mayo de 1930) Clint Eastwood no se detiene. Un ejemplo en todo sentido.
marzo 24, 2009
Slumdog Millionaire: Perro callejero millonario
¿Quién quiere ser millonario?
Vi este film con dudas y con curiosidad y para saber porque razón había ganado tantos premios. El argumento de la película, filmada en la India, y bajo la dirección de Danny Boyle es simple, narra la historia de un niño pobre de los barrios bajos que participa y llega al final del conocido concurso televisivo “¿Quién quiere ser millonario?, lo que provoca su detención por sospecha de estar haciendo trampas.
El film ganó premio en el Festival Internacional de Cine de Toronto, y fue galardoneada por la Asociación de Críticos Norteamericanos como mejor película del año. Fue la más premiada en la 66.ª entrega de los Globos de Oro y en la entrega de los Óscar consiguió ocho estatuillas de las diez a las que estaba nominada incluyendo los dos premios más importantes: a la mejor película, y al mejor director.
Es una película de contrastes. Lo más interesante es su propuesta visual, la manera de estructurar el guión para contar una historia que podría haber sido un relato lineal pero no lo fue. Ese es su principal mérito. La mezcla alternadamente del concurso con las historias que vivió el protagonista y que le hacen recordar las respuestas permiten al propio espectador ir armando la narración en base a las secuencias propuestas por el director en base a emociones. El tratamiento cerrado de los planos configura una estética emocional intensa e interna que apoyada por iluminación y color de contrastes, crea la atmósfera necesaria para incentivar las percepciones visuales.
Después de verla igual me quedó la duda si el film es tan espectacular como para ganarse tantos premios, reconociendo, firmemente, que la idea central es excelente. Creo que después de recibir tantos impactos a la mente, se necesita un instante de reflexión para precisar sus merecimientos técnicos. Dejar de lado escenas brutales e impactantes presentadas en un delirante montaje y un torrente interminable de color, sonido, música y movimiento y buscar si realmente tiene los merecimientos que le acreditan.
Mientras tanto, creo que no. Es una película bien ejecutada en base a un buen guión de una mejor idea.
Vi este film con dudas y con curiosidad y para saber porque razón había ganado tantos premios. El argumento de la película, filmada en la India, y bajo la dirección de Danny Boyle es simple, narra la historia de un niño pobre de los barrios bajos que participa y llega al final del conocido concurso televisivo “¿Quién quiere ser millonario?, lo que provoca su detención por sospecha de estar haciendo trampas.
El film ganó premio en el Festival Internacional de Cine de Toronto, y fue galardoneada por la Asociación de Críticos Norteamericanos como mejor película del año. Fue la más premiada en la 66.ª entrega de los Globos de Oro y en la entrega de los Óscar consiguió ocho estatuillas de las diez a las que estaba nominada incluyendo los dos premios más importantes: a la mejor película, y al mejor director.
Es una película de contrastes. Lo más interesante es su propuesta visual, la manera de estructurar el guión para contar una historia que podría haber sido un relato lineal pero no lo fue. Ese es su principal mérito. La mezcla alternadamente del concurso con las historias que vivió el protagonista y que le hacen recordar las respuestas permiten al propio espectador ir armando la narración en base a las secuencias propuestas por el director en base a emociones. El tratamiento cerrado de los planos configura una estética emocional intensa e interna que apoyada por iluminación y color de contrastes, crea la atmósfera necesaria para incentivar las percepciones visuales.
Después de verla igual me quedó la duda si el film es tan espectacular como para ganarse tantos premios, reconociendo, firmemente, que la idea central es excelente. Creo que después de recibir tantos impactos a la mente, se necesita un instante de reflexión para precisar sus merecimientos técnicos. Dejar de lado escenas brutales e impactantes presentadas en un delirante montaje y un torrente interminable de color, sonido, música y movimiento y buscar si realmente tiene los merecimientos que le acreditan.
Mientras tanto, creo que no. Es una película bien ejecutada en base a un buen guión de una mejor idea.
marzo 09, 2009
Tullio Pinelli: la “plumilla de oro”
Era el decano de los GUIONISTAS del cine italiano
Entrevista año 2006
Después de más de 40 años de profesión, a los 100 años falleció el talentoso y creativo guionista Tullio Pinelli, co-escritor de los films más famosos de Federico Fellini como “La Strada”, “La dolce vita”, “Ocho y medio”, “Las noches de Cabiria”, “Julieta de los espíritus”, “Ginger y Fred”, entre otras. Su talento, maestro del realismo poético, lo convirtió en uno de los guionistas más talentosos y agudos del cine posterior a la Segunda Guerra Mundial por la forma que tenía de retratar la idiosincracia italiana. Pinelli creó imágenes de una sociedad en plena evolución con sus guiones acerca del fascismo, la guerra, las esperanzas de los años sesenta o las miserias de la vulgaridad televisiva.
Además de guiones cinematográficos, Pinelli escribió obras teatrales, programas radiales y la novela “La casa de Robespiere”.
Con Fellini se conocieron en los famosos estudios cinematográficos Cinecittà de Roma, en los que ambos comenzaron a trabajar a mediados de los cuarenta. Con el loco talento de ambos elaboraron un curioso método de trabajo, mientras el director evocaba imágenes y dictaba en voz alta, Pinelli anotaba y daba forma y orden a esas visiones.
Si bien era parte del equipo de Fellini, estuvo involucrado con prácticamente todos los directores importantes de Italia como Pietro Germi, Alberto Lattuada, Roberto Rossellini, Michelangelo Antonioni, Vittorio de Sica, Mario Monicelli, etc.
Ha muerto la “plumilla de oro”, uno de los últimos protagonistas de la época de oro del cine italiano.
Entrevista año 2006
Después de más de 40 años de profesión, a los 100 años falleció el talentoso y creativo guionista Tullio Pinelli, co-escritor de los films más famosos de Federico Fellini como “La Strada”, “La dolce vita”, “Ocho y medio”, “Las noches de Cabiria”, “Julieta de los espíritus”, “Ginger y Fred”, entre otras. Su talento, maestro del realismo poético, lo convirtió en uno de los guionistas más talentosos y agudos del cine posterior a la Segunda Guerra Mundial por la forma que tenía de retratar la idiosincracia italiana. Pinelli creó imágenes de una sociedad en plena evolución con sus guiones acerca del fascismo, la guerra, las esperanzas de los años sesenta o las miserias de la vulgaridad televisiva.
Además de guiones cinematográficos, Pinelli escribió obras teatrales, programas radiales y la novela “La casa de Robespiere”.
Con Fellini se conocieron en los famosos estudios cinematográficos Cinecittà de Roma, en los que ambos comenzaron a trabajar a mediados de los cuarenta. Con el loco talento de ambos elaboraron un curioso método de trabajo, mientras el director evocaba imágenes y dictaba en voz alta, Pinelli anotaba y daba forma y orden a esas visiones.
Si bien era parte del equipo de Fellini, estuvo involucrado con prácticamente todos los directores importantes de Italia como Pietro Germi, Alberto Lattuada, Roberto Rossellini, Michelangelo Antonioni, Vittorio de Sica, Mario Monicelli, etc.
Ha muerto la “plumilla de oro”, uno de los últimos protagonistas de la época de oro del cine italiano.
enero 16, 2009
Dos valiosas pérdidas
Muere el actor RICARDO MONTALBÁN y ETTORE SCOLA se retira del cine
Ricardo Montalbán fue de los primeros en abrir espacios para los latinos en el cine de Hollywood. Desde México, en 1946, siendo un reconocido y famoso actor en su país, se fue a la ciudad del cine decidido a convertirse en estrella. Y lo logró con creces.
Es recordado como “el señor Roarke” por su participación en la serie de televisión “La isla de la fantasía”, que estuvo en pantalla entre 1978 y 1984, pero el actor también trabajó en muchos filmes con destacadas figuras del cine norteamericano: “Fiesta” (1947), “On an island with you” (1948), “La hija de Neptuno” (1949), “Across the white Missouri” (1951), “Sayonara” (1957), “Madame X” (1966), “Star trek” (1982). “Spy Kids 3-D” (2003) fue su última aparición en el cine. Ya estaba en silla de ruedas.
En 1978 ganó un Emmy por su actuación en “Como se ganó el Oeste”. En 1994 recibió un premio del Sindicato de Actores por su carrera como actor de cine y televisión.
Falleció a los 88 años de edad.
Ettore Scola, el legendario director italiano de 77 años, que desde 1964 realizó 39 películas, no tiene intenciones de seguir filmando. Dice al diario italiano La Reppublica: “Me di cuenta de que en la situación actual hacer una película común con un principio, un desarrollo y un final no tiene sentido. Prefiero gozarme la vejez”. Entre sus obras destacadas están “Un día muy particular” (1977) y “Nos habíamos amado tanto” (1974), “El demonio de los celos” (1969), “Una mujer y tres hombres” (1974). “Brutos, sucios y malos” (1976), “La terraza” (1980), “La familia” (1986). Trabajó con los mejores actores italianos.
Su último filme, que dirigió y escribió es “Gente de Roma” en el 2003.
Ricardo Montalbán fue de los primeros en abrir espacios para los latinos en el cine de Hollywood. Desde México, en 1946, siendo un reconocido y famoso actor en su país, se fue a la ciudad del cine decidido a convertirse en estrella. Y lo logró con creces.
Es recordado como “el señor Roarke” por su participación en la serie de televisión “La isla de la fantasía”, que estuvo en pantalla entre 1978 y 1984, pero el actor también trabajó en muchos filmes con destacadas figuras del cine norteamericano: “Fiesta” (1947), “On an island with you” (1948), “La hija de Neptuno” (1949), “Across the white Missouri” (1951), “Sayonara” (1957), “Madame X” (1966), “Star trek” (1982). “Spy Kids 3-D” (2003) fue su última aparición en el cine. Ya estaba en silla de ruedas.
En 1978 ganó un Emmy por su actuación en “Como se ganó el Oeste”. En 1994 recibió un premio del Sindicato de Actores por su carrera como actor de cine y televisión.
Falleció a los 88 años de edad.
Ettore Scola, el legendario director italiano de 77 años, que desde 1964 realizó 39 películas, no tiene intenciones de seguir filmando. Dice al diario italiano La Reppublica: “Me di cuenta de que en la situación actual hacer una película común con un principio, un desarrollo y un final no tiene sentido. Prefiero gozarme la vejez”. Entre sus obras destacadas están “Un día muy particular” (1977) y “Nos habíamos amado tanto” (1974), “El demonio de los celos” (1969), “Una mujer y tres hombres” (1974). “Brutos, sucios y malos” (1976), “La terraza” (1980), “La familia” (1986). Trabajó con los mejores actores italianos.
Su último filme, que dirigió y escribió es “Gente de Roma” en el 2003.
diciembre 19, 2008
Una mujer partida en dos (La fille coupée en deux)
Claude Chabrol: su nuevo filme
Se estrena un nuevo trabajo fílmico: “Una mujer partida en dos”. Su temática trata de una joven que trabaja leyendo el tiempo en un canal de televisión. Una mujer simpática y muy introspectiva. A su vida llega el amor de dos hombres que la pretenden. Uno es un escritor ya mayor, casado; el otro es un joven millonario que se ha encaprichado con ella.
Ficha
Director: Claude Chabrol
País: Francia /Alemania (2007)
Elenco: Ludivine Sagnier (Gabrielle Deneige), Benoit Magimel (Paul Claude Gaudens), Francois Berléand (Charles Denis), Mathilda May (Capucine Jamet), Caroline Sihol (Genevieve Gaudens), Marie Bunel (Marie Deneige).
Pero lo importante no es la historia del filme, sino que el realizador del filme: Claude Chabrol un destacado director, actor, productor y guionista.
Este director parisino es uno de los precursores del movimiento francés Nouvelle vague (La nueva ola). Su larga carrera fílmica oficial empezó a fines de los 50 y hoy, con sus 78 años, aún continúa creando. Su primer acercamiento al mundo del cine fue a través de la revista Les Cahiers du cinéma, en la que participó como colaborador y crítico.
Para quiénes no conocen este movimiento, la Nouvelle vague (Nueva ola) es la denominación que se utilizó para designar a un nuevo grupo de cineastas franceses surgido a finales de la década de 1950. Estos realizadores reaccionaron contra las estructuras que el cine francés tenía en ese momento y postulaban como máxima aspiración la libertad de expresión artística y también libertad técnica en el campo de la producción fílmica.
El nombre surge cuando muchos de los críticos y escritores de la revista especializada "Cahiers du Cinéma" (Cuadernos de Cine) (fundada en 1951 por André Bazin) deciden incursionar en la dirección de filmes. Esos guionistas eran François Truffaut, Jean-Luc Godard, Jacques Rivette, Eric Rohmer o Claude Chabrol, y sobre todos ellos su precursor Jean Pierre Melville
Claude Chabrol ha puesto la casi totalidad de su producción entre las películas más negras de la historia del cine e impuesto el resurgir de un género basado en la dramaturgia. De retratar, autorretratándose, a la burguesfa, clase social a la que pertenece y con la que mantiene una relación de amor-odio. Chabrol es un poeta fílmico empeñado en plasmar su visión tremendista de la burguesía.
Entre sus filmes mas destacados están: Doctor Casanova (1942), El bello Sergio (1957), Una doble vida (1958), Los primos (1959), La mujer infiel (1968), Asunto de mujeres (1988), La ceremonia (1995), La flor del mal (2002), La dama de honor (2006), entre muchas otras.
Chabrol es un clásico del cine francés y mundial.
Se estrena un nuevo trabajo fílmico: “Una mujer partida en dos”. Su temática trata de una joven que trabaja leyendo el tiempo en un canal de televisión. Una mujer simpática y muy introspectiva. A su vida llega el amor de dos hombres que la pretenden. Uno es un escritor ya mayor, casado; el otro es un joven millonario que se ha encaprichado con ella.
Ficha
Director: Claude Chabrol
País: Francia /Alemania (2007)
Elenco: Ludivine Sagnier (Gabrielle Deneige), Benoit Magimel (Paul Claude Gaudens), Francois Berléand (Charles Denis), Mathilda May (Capucine Jamet), Caroline Sihol (Genevieve Gaudens), Marie Bunel (Marie Deneige).
Pero lo importante no es la historia del filme, sino que el realizador del filme: Claude Chabrol un destacado director, actor, productor y guionista.
Este director parisino es uno de los precursores del movimiento francés Nouvelle vague (La nueva ola). Su larga carrera fílmica oficial empezó a fines de los 50 y hoy, con sus 78 años, aún continúa creando. Su primer acercamiento al mundo del cine fue a través de la revista Les Cahiers du cinéma, en la que participó como colaborador y crítico.
Para quiénes no conocen este movimiento, la Nouvelle vague (Nueva ola) es la denominación que se utilizó para designar a un nuevo grupo de cineastas franceses surgido a finales de la década de 1950. Estos realizadores reaccionaron contra las estructuras que el cine francés tenía en ese momento y postulaban como máxima aspiración la libertad de expresión artística y también libertad técnica en el campo de la producción fílmica.
El nombre surge cuando muchos de los críticos y escritores de la revista especializada "Cahiers du Cinéma" (Cuadernos de Cine) (fundada en 1951 por André Bazin) deciden incursionar en la dirección de filmes. Esos guionistas eran François Truffaut, Jean-Luc Godard, Jacques Rivette, Eric Rohmer o Claude Chabrol, y sobre todos ellos su precursor Jean Pierre Melville
Claude Chabrol ha puesto la casi totalidad de su producción entre las películas más negras de la historia del cine e impuesto el resurgir de un género basado en la dramaturgia. De retratar, autorretratándose, a la burguesfa, clase social a la que pertenece y con la que mantiene una relación de amor-odio. Chabrol es un poeta fílmico empeñado en plasmar su visión tremendista de la burguesía.
Entre sus filmes mas destacados están: Doctor Casanova (1942), El bello Sergio (1957), Una doble vida (1958), Los primos (1959), La mujer infiel (1968), Asunto de mujeres (1988), La ceremonia (1995), La flor del mal (2002), La dama de honor (2006), entre muchas otras.
Chabrol es un clásico del cine francés y mundial.
octubre 24, 2008
Cine chileno: estrenos que nadie ve
Muchas filmaciones...poca calidad
Este año 2008 serán 24 las películas chilenas que se estrenarán, La cantidad total de espectadores llega 700.000 personas. Muy poco para tanta producción. Por ejemplo: el film “199 recetas para ser feliz”, del director Andrés Waissbluth, duró una semana en cartelera al igual que “Desierto Sur”, de Shawn Garry.
Al público chileno no le interesa ver realizaciones nacionales. A mi tampoco. Pero si estoy dispuesto a ir al cine a ver películas de calidad. Yo creo que la falta de motivación del público la están creando los mismos directores con la calidad de sus trabajos. Historias sin interés. Guiones malos. Dirección regular. Demasiados localistas, por no decir pueblerinas, para un mundo globalizado.
Pude ver una película chilena en el cable, lo que significa compararla con otras producciones internacionales, y se notaba demasiado el nivel regular y eso que había sido unas de las mejores en el país. Por lo demás, los comentaristas de cine realizan su análisis de un estreno chileno desde una perspectiva patriótica: “digamos cosas buenas porque es un esfuerzo nacional”. Yo lo vi y escuché en la televisión. Así como. Ni crítica ni auto crítica.
Obviamente que los directores le echan la culpa a cualquier cosa menos al producto que están entregando a los aficionados al cine: a la distribución, que va menos gente al cine, que el cine es un poco anticuado, que las producciones extranjeras tienen mucho marketing, que no se le ha dado mucha difusión al cine chileno o que los costos son muy altos. Pero, de la calidad de lo que hacen, dicen nada.
Aunque como dijo alguien: “estamos haciendo grandes películas que no están llegando a la gente, porque no tenemos un lugar donde protegerlas y que tengan su justo espacio. No tenemos porque sucumbir ante las leyes comerciales” (Cristina Littin. Revista Glamorama).
En mi opinión, una buena película siempre llega a la gente y tiene su espacio asegurado. Y si a alguien no le gusta el marketing o promociona mal su film, difícilmente alcanzará a las audiencias.
No sólo con entusiasmo se alcanza el éxito.
Este año 2008 serán 24 las películas chilenas que se estrenarán, La cantidad total de espectadores llega 700.000 personas. Muy poco para tanta producción. Por ejemplo: el film “199 recetas para ser feliz”, del director Andrés Waissbluth, duró una semana en cartelera al igual que “Desierto Sur”, de Shawn Garry.
Al público chileno no le interesa ver realizaciones nacionales. A mi tampoco. Pero si estoy dispuesto a ir al cine a ver películas de calidad. Yo creo que la falta de motivación del público la están creando los mismos directores con la calidad de sus trabajos. Historias sin interés. Guiones malos. Dirección regular. Demasiados localistas, por no decir pueblerinas, para un mundo globalizado.
Pude ver una película chilena en el cable, lo que significa compararla con otras producciones internacionales, y se notaba demasiado el nivel regular y eso que había sido unas de las mejores en el país. Por lo demás, los comentaristas de cine realizan su análisis de un estreno chileno desde una perspectiva patriótica: “digamos cosas buenas porque es un esfuerzo nacional”. Yo lo vi y escuché en la televisión. Así como. Ni crítica ni auto crítica.
Obviamente que los directores le echan la culpa a cualquier cosa menos al producto que están entregando a los aficionados al cine: a la distribución, que va menos gente al cine, que el cine es un poco anticuado, que las producciones extranjeras tienen mucho marketing, que no se le ha dado mucha difusión al cine chileno o que los costos son muy altos. Pero, de la calidad de lo que hacen, dicen nada.
Aunque como dijo alguien: “estamos haciendo grandes películas que no están llegando a la gente, porque no tenemos un lugar donde protegerlas y que tengan su justo espacio. No tenemos porque sucumbir ante las leyes comerciales” (Cristina Littin. Revista Glamorama).
En mi opinión, una buena película siempre llega a la gente y tiene su espacio asegurado. Y si a alguien no le gusta el marketing o promociona mal su film, difícilmente alcanzará a las audiencias.
No sólo con entusiasmo se alcanza el éxito.
septiembre 29, 2008
Osamu Tezuca
El gran creador de ANIMÉ
Se celebran los 80 años del nacimiento del dibujante japonés Osamu Tezuca que falleció a los 60 años (1928-1989), después de crear más de 60 películas y 700 comics.
Su legado artístico es celebrado en todo el mundo. En el Festival Internacional de Cine de Tokio (18 al 26 de Octubre 2008) se realizará una muestra que contempla la exhibición de algunos de los trabajos más conocidos y sus otras creaciones experimentales del artista. El Museo de Manga Osamu Tezuca, que está ubicado en Takarazuca, en Japón realizará exhibiciones especiales. También se lanzará una revista con su nombre y con material inédito.
Tezuca es el creador, entre muchas otras, de Astroboy y el film Marine Express (1979), la Princesa caballero (la primera serie animé para niñas) y Kimba, el león blanco. También realizó Cuentos de la esquina de la calle, en 1962 y Película rota (1985) que satiriza las antiguas películas mudas norteamericanas.
Se celebran los 80 años del nacimiento del dibujante japonés Osamu Tezuca que falleció a los 60 años (1928-1989), después de crear más de 60 películas y 700 comics.
Su legado artístico es celebrado en todo el mundo. En el Festival Internacional de Cine de Tokio (18 al 26 de Octubre 2008) se realizará una muestra que contempla la exhibición de algunos de los trabajos más conocidos y sus otras creaciones experimentales del artista. El Museo de Manga Osamu Tezuca, que está ubicado en Takarazuca, en Japón realizará exhibiciones especiales. También se lanzará una revista con su nombre y con material inédito.
Tezuca es el creador, entre muchas otras, de Astroboy y el film Marine Express (1979), la Princesa caballero (la primera serie animé para niñas) y Kimba, el león blanco. También realizó Cuentos de la esquina de la calle, en 1962 y Película rota (1985) que satiriza las antiguas películas mudas norteamericanas.
Paul Newman: un recuerdo
En las PALABRAS de sus colegas y conocidos
Robert Redford, actor: “Hay un punto en el que los sentimientos van más allá de las palabras. He perdido a un verdadero amigo. Su presencia mejoró mi vida y a este país”.
George Clooney, actor: “Dejó un estándar increíblemente alto para todos nosotros. No sólo para los actores, sino para todos. Ha dejado un gran vacío”.
Arnold Schwarzenegger, actor: “Fue el último gran tipo al que todos los hombres querían parecerse y las mujeres lo adoraban. Fue un ícono estadounidense, un brillante actor, un hombre renacentista y un generoso pero modesto filántropo”.
Meryl Streep, actriz: “Tuvo una vida de la que puede estar orgulloso, por su familia, por su compromiso benéfico. Lo echaré de menos, le echaremos de menos todos, no había nadie como él”.
Pauline Kaen, crítica de cine: “Newman es una estrella en el modo que Bogart fue. Su rango no es enorme…no puede hacer los clásicos. Pero cuando un rol es el correcto para él, no tiene paralelo”.
Roger Ebert, crítico de cine: “No se encerró ni se autoprotegió como muchas de otras estrellas, no parecía muy impresionado consigo mismo. El tipo de sentido de accesibilidad a la que responde el público”.
Sally Field, actriz: “Fue una bendición haberlo conocido. El mundo es mejor gracias a él”
Bill y Hillary Clinton, políticos: “Paul fue un ícono estadounidense, un filántropo y un campeón para los niños. Extrañaremos a nuestro querido amigo cuyo constante apoyo significó el mundo para nosotros”.
Julia Roberts, actriz: “Él era mi héroe”.
Daniel Craig, actor: “Fue uno de los más grandes actores del cine de todos los tiempos y un hombre bello. Creo que acabó una era”.
Martin Scorsese, director de cine: “Deja un gran vacío. Es impensable una historia del cine sin Paul Newman”.
Y para los amantes del cine quedan sus películas más destacadas para recordarlo: El estigma del arroyo (1956), Una gata sobre el tejado caliente (1958), Exodo (1960), El audaz (1961), Hud, el indomable (1963), Cortina rasgada (1966), La leyenda del indomable (1967), Butch Cassidy y The Sundance Kid (1969), Ases del volante (1969). El golpe (1973), Quinteto (1979), Ausencia de malicia (1981), El veredicto (1982), El color del dinero (1986), Sr y Sra Bridge (1990) El gran salto (1994), Las cosas de la vida (1994), Camino a la perdición (2002), Empire falls (2005) y su última cinta: Cars (2006).
Robert Redford, actor: “Hay un punto en el que los sentimientos van más allá de las palabras. He perdido a un verdadero amigo. Su presencia mejoró mi vida y a este país”.
George Clooney, actor: “Dejó un estándar increíblemente alto para todos nosotros. No sólo para los actores, sino para todos. Ha dejado un gran vacío”.
Arnold Schwarzenegger, actor: “Fue el último gran tipo al que todos los hombres querían parecerse y las mujeres lo adoraban. Fue un ícono estadounidense, un brillante actor, un hombre renacentista y un generoso pero modesto filántropo”.
Meryl Streep, actriz: “Tuvo una vida de la que puede estar orgulloso, por su familia, por su compromiso benéfico. Lo echaré de menos, le echaremos de menos todos, no había nadie como él”.
Pauline Kaen, crítica de cine: “Newman es una estrella en el modo que Bogart fue. Su rango no es enorme…no puede hacer los clásicos. Pero cuando un rol es el correcto para él, no tiene paralelo”.
Roger Ebert, crítico de cine: “No se encerró ni se autoprotegió como muchas de otras estrellas, no parecía muy impresionado consigo mismo. El tipo de sentido de accesibilidad a la que responde el público”.
Sally Field, actriz: “Fue una bendición haberlo conocido. El mundo es mejor gracias a él”
Bill y Hillary Clinton, políticos: “Paul fue un ícono estadounidense, un filántropo y un campeón para los niños. Extrañaremos a nuestro querido amigo cuyo constante apoyo significó el mundo para nosotros”.
Julia Roberts, actriz: “Él era mi héroe”.
Daniel Craig, actor: “Fue uno de los más grandes actores del cine de todos los tiempos y un hombre bello. Creo que acabó una era”.
Martin Scorsese, director de cine: “Deja un gran vacío. Es impensable una historia del cine sin Paul Newman”.
Y para los amantes del cine quedan sus películas más destacadas para recordarlo: El estigma del arroyo (1956), Una gata sobre el tejado caliente (1958), Exodo (1960), El audaz (1961), Hud, el indomable (1963), Cortina rasgada (1966), La leyenda del indomable (1967), Butch Cassidy y The Sundance Kid (1969), Ases del volante (1969). El golpe (1973), Quinteto (1979), Ausencia de malicia (1981), El veredicto (1982), El color del dinero (1986), Sr y Sra Bridge (1990) El gran salto (1994), Las cosas de la vida (1994), Camino a la perdición (2002), Empire falls (2005) y su última cinta: Cars (2006).
septiembre 03, 2008
La iluminación en el cine
Pintando con LUZ
Para lograr una buena película existen ciertos recursos técnico-artísticos que son esenciales, aparte del talento del director y de trabajar con actores de gran calidad interpretativa. Es necesario contar con un guionista talentoso y creativo, un editor de alto nivel, porque la película se arma en la sala de compaginación y un excelente director de fotografía para crear los ambientes.
El cine es fotografía en movimiento, por lo tanto, una buena iluminación de las escenas es fundamental para lograr la ambientación expresiva y estética que se necesita. Es la luz la que crea la atmósfera, los climas como, por ejemplo, los momentos de terror o emoción que vemos en la pantalla. Las luces constituyen después de la cámara, el segundo elemento creador de la expresividad de la imagen. En los primeros años del cine la iluminación era el único efecto especial que transformaba escenarios, vestuario y actores en la expresión que deseaba el director.
Saber iluminar es un arte. Pintar con luz es como imaginar un cuadro. Dos ejemplos del gran director Ingmar Bergman donde se conjugan magistralmente todos los elementos mencionado. Los films son Gritos y susurros y el Séptimo sello.
Para lograr una buena película existen ciertos recursos técnico-artísticos que son esenciales, aparte del talento del director y de trabajar con actores de gran calidad interpretativa. Es necesario contar con un guionista talentoso y creativo, un editor de alto nivel, porque la película se arma en la sala de compaginación y un excelente director de fotografía para crear los ambientes.
El cine es fotografía en movimiento, por lo tanto, una buena iluminación de las escenas es fundamental para lograr la ambientación expresiva y estética que se necesita. Es la luz la que crea la atmósfera, los climas como, por ejemplo, los momentos de terror o emoción que vemos en la pantalla. Las luces constituyen después de la cámara, el segundo elemento creador de la expresividad de la imagen. En los primeros años del cine la iluminación era el único efecto especial que transformaba escenarios, vestuario y actores en la expresión que deseaba el director.
Saber iluminar es un arte. Pintar con luz es como imaginar un cuadro. Dos ejemplos del gran director Ingmar Bergman donde se conjugan magistralmente todos los elementos mencionado. Los films son Gritos y susurros y el Séptimo sello.
Tres actores: tres voces
Tres actores que destacaron por la calidad de sus voces: Anthony Quinn, Jean Gabin y Telly Savalas.
agosto 11, 2008
Paul Newman
El color de la VIDA…
El legendario actor, protagonista de films clásicos como “Butch Cassidy & Sundance Kid, “El golpe” y “El color del dinero” (ganó el Oscar en 1987), está muy enfermo. Tiene 83 años y como los tratamientos para combatir un cáncer no han tenido resultados, la estrella de cine ha abandonado el hospital ya que desea pasar el tiempo en su casa.
Los que lo conocen, han dicho que Newman es un hombre solitario. De una vida muy privada. Sólo tiene un grupo muy selecto de amigos con los que se relaciona y que son muy protectores con él. Para mantener su privacidad el actor se oculta del acoso de los seguidores en la calle usando gorras, grandes lentes oscuros e incluso barbas postizas.
Dentro de sus otras actividades están las carreras autos, incluso hasta hace muy poco aún participaba en competencias, sus negocios de aliños y salsas preparadas y los campamentos para niños. Hace 50 años que está casado con la actriz Joanne Woodward con quién tiene cinco hijas.
Un gran actor y legendaria figura del cine norteamericano lucha por su vida.
Juegos Olímpicos de Beijing y Zhang Yimou
El director de cine y fotógrafo chino Zhang Yimou, que ha sido nominado a cuatro premios Oscar, es el responsable de la espectacular ceremonia inaugural de los Juegos Olímpicos de Bejing 2008. Resulta obvio que la puesta en escena que produjo haya sido tan visual e impactante. El oficio en la dirección de películas y su capacidad para “pensar y ver en imágenes” dieron como resultado el magno espectáculo que todo el mundo pudo apreciar por televisión.
Zhang Yimou, se hizo conocido en 1987, al debutar con “Sorgo rojo”, en el cual aparecía su actriz fetiche Gong Li, con la cual Yimou dio inicio a una fructífera relación profesional, además de convertirse en su pareja sentimental. La película ganaría el Oso de Oro en el Festival de Berlín.
Ha dirigido más de una docena de films, algunos de la calidad de “Héroe” (que postuló a un Oscar), también “La casa de las dagas voladoras”, “La linterna roja”, “Esposas y concubinas” (León de Oro de Venecia), “La maldición de la flor dorada”. Con “Vivir”, realizada en 1994, ganó en Cannes.
Su trabajo visual en el cine y en el espectáculo olímpico son una maravilla de talento.
Zhang Yimou, se hizo conocido en 1987, al debutar con “Sorgo rojo”, en el cual aparecía su actriz fetiche Gong Li, con la cual Yimou dio inicio a una fructífera relación profesional, además de convertirse en su pareja sentimental. La película ganaría el Oso de Oro en el Festival de Berlín.
Ha dirigido más de una docena de films, algunos de la calidad de “Héroe” (que postuló a un Oscar), también “La casa de las dagas voladoras”, “La linterna roja”, “Esposas y concubinas” (León de Oro de Venecia), “La maldición de la flor dorada”. Con “Vivir”, realizada en 1994, ganó en Cannes.
Su trabajo visual en el cine y en el espectáculo olímpico son una maravilla de talento.
agosto 07, 2008
“Los debutantes” y el cine on line para todos
El film chileno “Los debutantes”, del director Andrés Waissbluth, está disponible para ser visto en forma gratuita en la siguiente dirección: www.losdebutantes.cl.
El trailer
Por otra parte, a quiénes les interese ver más cine chileno por la red, puede entrar al portal www.arcoiris.tv donde encontrará otras cintas nacionales. Es una asociación entre el Consejo Nacional de la Cultura y la compañía italiana TV Arcoiris. Este portal cuenta con más de 12.000 videos en línea. (Está en italiano)
El portal www.archive.org también cuenta con material cinematográfico clásico gratuito, en formato digital. (Esta en inglés)
Para todos los seguidores del cine es una buena oportunidad para volver a ver el buen cine.
El trailer
Por otra parte, a quiénes les interese ver más cine chileno por la red, puede entrar al portal www.arcoiris.tv donde encontrará otras cintas nacionales. Es una asociación entre el Consejo Nacional de la Cultura y la compañía italiana TV Arcoiris. Este portal cuenta con más de 12.000 videos en línea. (Está en italiano)
El portal www.archive.org también cuenta con material cinematográfico clásico gratuito, en formato digital. (Esta en inglés)
Para todos los seguidores del cine es una buena oportunidad para volver a ver el buen cine.
julio 15, 2008
Georges Melies
Hace 70 años murió el MAGO e ILUSIONISTA del cine
El cine es magia, fantasía e ilusión y su gran maestro fue el francés Georges Melies, un multifacético personajes que nació el 8 de diciembre de 1861 y murió el 21 de enero de 1938. Entre los años 1896 y 1913 realizó más de 170 cortos y mediometrajes. Sus films mas destacados y conocidos son: “Viaje a la luna” (1902), que inaugura el género de la ciencia ficción y que legó a la historia del cine el rostro de la Luna con un cohete estrellado en uno de sus ojos y que se ve en la presentación de este blog; “A la conquista del Polo” (1912), “Viaje a través de lo imposible” (1904), “Las cartas vivientes” (1904).
Melies, director del Teatro Houdini, fue autor, actor, decorador, realizador, mimo, titiritero, mago, presentador. Un hombre familiarizado con los espectáculos de feria, las pantomimas, el circo y el music hall. Mezcló sus conocimientos del espectáculo con la cinematografía transformándola en una fantástica fantasía visual.
Su curiosidad le llevó a comprar un proyector en Londres y en poco tiempo ya exhibía películas y posteriormente comenzó a hacerlas él mismo. En marzo de 1897 construyó el primer estudio de cine: Film Star
Aunque sus primeros cortos eran realistas o de actualidad en el lugar de los hechos, fue el pionero de los trucos cinematográficos en la pantalla: explosiones, doble impresiones, desaparecimientos, fundidos, impresiones múltiples en una misma cinta, cambios de tamaño de los personajes, fondos móviles, caminatas en las paredes…todo lo que su imaginación le indicaba Melies lo llevaba a la pantalla. También utilizó los recursos del teatro: guión, vestuario, maquillaje, escenografía, tramoya, división en escenas y actos, recursos aún vigentes en el cine actual.
En 1928 fue descubierto por el director de Ciné-Journal, vendiendo golosinas y juguetes en un puesto de la estación de Montparnasse. Su fallecimiento ocurrió en el hospital Leopol-Bellan de Paris. A su entierro solo acudieron dos cineastas conocidos: René Clair y Alberto Cavalcanti.
"Viaje a la luna"
El cine es magia, fantasía e ilusión y su gran maestro fue el francés Georges Melies, un multifacético personajes que nació el 8 de diciembre de 1861 y murió el 21 de enero de 1938. Entre los años 1896 y 1913 realizó más de 170 cortos y mediometrajes. Sus films mas destacados y conocidos son: “Viaje a la luna” (1902), que inaugura el género de la ciencia ficción y que legó a la historia del cine el rostro de la Luna con un cohete estrellado en uno de sus ojos y que se ve en la presentación de este blog; “A la conquista del Polo” (1912), “Viaje a través de lo imposible” (1904), “Las cartas vivientes” (1904).
Melies, director del Teatro Houdini, fue autor, actor, decorador, realizador, mimo, titiritero, mago, presentador. Un hombre familiarizado con los espectáculos de feria, las pantomimas, el circo y el music hall. Mezcló sus conocimientos del espectáculo con la cinematografía transformándola en una fantástica fantasía visual.
Su curiosidad le llevó a comprar un proyector en Londres y en poco tiempo ya exhibía películas y posteriormente comenzó a hacerlas él mismo. En marzo de 1897 construyó el primer estudio de cine: Film Star
Aunque sus primeros cortos eran realistas o de actualidad en el lugar de los hechos, fue el pionero de los trucos cinematográficos en la pantalla: explosiones, doble impresiones, desaparecimientos, fundidos, impresiones múltiples en una misma cinta, cambios de tamaño de los personajes, fondos móviles, caminatas en las paredes…todo lo que su imaginación le indicaba Melies lo llevaba a la pantalla. También utilizó los recursos del teatro: guión, vestuario, maquillaje, escenografía, tramoya, división en escenas y actos, recursos aún vigentes en el cine actual.
En 1928 fue descubierto por el director de Ciné-Journal, vendiendo golosinas y juguetes en un puesto de la estación de Montparnasse. Su fallecimiento ocurrió en el hospital Leopol-Bellan de Paris. A su entierro solo acudieron dos cineastas conocidos: René Clair y Alberto Cavalcanti.
"Viaje a la luna"
junio 25, 2008
CHILE: locaciones para el cine
Chile se está convirtiendo en un excelente lugar para filmar spots publicitarios y películas. Es un negocio emergente para nuestro país. En Mayo ya estuvieron filmando en el norte para la última película de James Bond. Junto al desierto destacan, como locaciones, los glaciares del sur, la nieve, la ciudad de Valparaíso y el centro de Santiago.
Además de un entorno propicio en los variados paisajes, parecidos a los europeos, los productores extranjeros eligen Chile porque se hace un trabajo de calidad, al mejor nivel profesional y los costos de casting y arriendo de equipos son bastante más baratos.
Chile ya está mostrando sus locaciones en ferias internacionales y pronto se integrará a la Association of Film Comissioners Internacional.
Además de un entorno propicio en los variados paisajes, parecidos a los europeos, los productores extranjeros eligen Chile porque se hace un trabajo de calidad, al mejor nivel profesional y los costos de casting y arriendo de equipos son bastante más baratos.
Chile ya está mostrando sus locaciones en ferias internacionales y pronto se integrará a la Association of Film Comissioners Internacional.
junio 10, 2008
Dino Risi
El MAESTRO de la comedia italiana
Los grandes directores nos están dejando, pero su legado queda con su obra fílmica. Nombrar a Dino Risi es mencionar a un clásico italiano de 1962 “Il sorpasso” (La escapada). El maestro de la comedia italiana, que estuvo nominado al Oscar, combinaba el humor y lo trágico con su ironía a los defectos de la gente. Profesional de la sátira por excelencia.
Estudio psiquiatría y ejerció su profesión médica hasta su primer contacto con el mundo del cine a comienzos de los años 40. Recibió un curso de cine del director Jacques Feyder. Abandonó la medicina y comenzó a filmar cortos y películas documentales durante toda la segunda mitad de la década de los 40. Al mismo tiempo escribía artículos cinematográficos.
Trabajó con los mejores actores italianos y llegó a realizar cincuenta películas. Debutó en el cine en 1952 con “Vacanze col gangster” (Bud Spencer y Terence Hill)Realizó, siguió con “El signo de Venus” (1955), con Sophia Loren, Vittorio de Sica, Franca Valeri y Raf Vallone, “Pan, amor y…” (1955), “Poveri ma belli” (1956), con Maria Allasio y Renato Salvatori, “Bella ma povere” (1957), “Sabela” (1957), con Tina Pica y Sylva Koscina, “Venecia, la luna y tú” (1958), con Alberto Sordi y Maria Allasio, “Pobre y millonario” (1959), con Renato Salvatori, “Il Vedovo” (1959), con Alberto Sordi y Franca Valeri.
Algunas escenas de “Il sorpasso” (La escapada)
En 1960 realiza “El estafador” (1960), “La escapada” (1962), destacado film con Vittorio Gassman, Jean-Louis Trintignant y Alberto Sordi, “Un tigre en la red” (1967), con Ann-Margret y Eleanor Parker, “El profeta” (1968), con Vittorio Gassman y Ann-Margret, “En nombre del pueblo italiano” (1971), con Ugo Tognazzi, “Perfume de mujer” (1974), co-protagonizado por Agostina Belli y Alessandro Momo, que fue nominada al Oscar como mejor película extranjera, al mismo tiempo que recibía una nominación como mejor guión adaptado, de una novela de Giovanni Arpino.
Marcello Mastroianni hizo pareja con Sophia Loren en “La mujer del cura” (1971), Oliver Reed y Carole Andre en “Sábado inesperado” (1973) y Romy Schneider en “Fantasma de amor” (1981).
Sus últimas películas fueron “Dagobertus” (1984), con Coluche, Ugo Tognazzi, Carole Bouquet y Michel Serrault como protagonistas principales, y “No molestes más” (1990), con Dominique Sanda.
La canción más recordada del film: “Guarda come dondolo” con Edoardo Vianello
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