Recordando a los viejos héroes del cine con Westcoast Motion Pictures

La pantalla grande es una eterna alfombra mágica que transporta al espectador por los distintos géneros y estilos cinematográficos dejando la mente impregnada de imagenes que no se olvidan.

Para los amantes del séptimo arte existe lugar donde se puede volver al esplendor del viejo cine introduciéndonos a los recuerdos de las primeras películas que vimos antaño. Esas de aventuras, de romance, suspenso o drama que se experimentaban visualmente como un cuento lleno de fantasía.


Ubicado en el centro de Santiago de Chile, en la calle Mac-Iver 780 está Westcoast, donde el publicista Mario del Villar luce su colección de películas antiguas.Aquí se pueden encontrar todos los films clásicos del cine para disfrutarlos, paladearlos, conversarlos y recordar también los viejos tiempos. Un verdadero santuario del séptimo arte.

De esos recuerdos aquí van algunas imágenes inolvidables de héroes del cine (le decíamos "el jovencito") y que nos hicieron soñar con ser protagonistas de alguna historia que se llevó el tiempo y la tecnología.







Las maravillas del cine son tanto su presente y su pasado como su desarrollo a través del mundo.

Una “Misión Imposible” muy posible

Misión Imposible 3 tiene toda la acción y los efectos especiales que se esperan de este tipo de películas: una mezcla de acción y dramatismo en situaciones extremas con acrobacias y efectos especiales increíbles mezclados con una dramática historia íntima. La historia de un hombre que trabaja de espía lo que le crea un conflicto al intentar combinar su vida personal con los peligros del trabajo secreto que realiza.

Un largometraje directo y muy entretenido cuyo ritmo no decae en ningún momento y cuya acción combina bien el suspenso con los conflictos personales que vive el protagonista. En ese contexto la puesta en escena es enérgica y captura la atención del espectador con rápidos planos montados a buen ritmo, con demasiada información visual a veces ininteligible y donde lo único importante es reconocer siempre a los buenos y saber quiénes son los malhechores.

El peso de la película radica en su ritmo narrativo y en su lograda puesta en escena, sin descuidar la caracterización de los personajes muy bien interpretados por Tom Cruise (el héroe) y principalmente por Philip Seymour Hoffman (el antihéroe), con un tratamiento humano e interior, algunas emociones y sentimientos, pero sin evolución dramática, optándose siempre por poner el énfasis en la acción.

Mención aparte para la interpretación del malo llamado Davian, interpretado por Philip Seymour Hoffman, capaz de todo en un rol de hombre despiadado y terrible. Las palabras de venganza que salen de su boca tienen una carga dramática muy superior a las escenas de acción. Se pone magistralmente en la piel de un temible villano logrando algunos diálogos brillantes y convincentes.

La banda sonora es discreta pero eficaz al guiar la intriga del film, pero su música se pierde en las secuencias de acción y no cumple su función estética/dramática en algunas escenas.

Reitero, de indudable maestría son los efectos especiales, la tecnología mostrada y el rodaje de escenas de espectacularidad pero ya no es la Misión Imposible original de la televisión, donde realmente la misión “era imposible” y había que inventar una nueva realidad para ejecutarla. Ahora no, sólo es una muy entretenida película de acción. Como muchas del género.

Ficha Técnica

Dirección: J.J. Abrams ("Lost", "Alias")
País: USA - Año: 2006
Duración: 125 min.- Género: Acción
Intérpretes: Tom Cruise, Philip Seymour Hoffman, Ving Rhames ,Billy Crudup, Michelle Monaghan, Jonathan Rhys Meyers, Keri Russell, Maggie Q, Laurence Fishburne.
Guión: Alex Kurtzman, Roberto Orci y J.J. Abrams
Producción: Tom Cruise y Paula Wagner
Música: Michael Giacchino
Fotografía: Dan Mindel
Montaje: Maryann Brandon y Mary Jo Markey
Diseño de producción: Scott Chambliss
Vestuario: Colleen Atwood

Alida Valli, icono del cine italiano

La actriz Alida Valli (Alida Maria Altenbunger), nacida en 1921, fue considerada uno de los iconos del cine italiano y uno de los rostros más significativos e intensos de la pantalla grande.

Valli desarrolló su carrera cinematográfica durante más de 60 años y trabajó con los más destacados directores de cine. Algunos de sus mejores trabajos, en obras maestras de nuestra cinematografía, están relacionados con su extraordinario talento interpretativo y con su facilidad para pasar de la comedia al drama.

Se inició muy joven en el cine, en el año 1934, con el film "Il cappello a tre punte" y después continuó, en 1936, con "I due sergenti".

Gracias al personaje de Luisa en la película 'Piccolo mondo antico' (1941), la actriz obtiene gran popularidad y se convierte en una de las actrices más amada por el público. En 1942 filma Adiós Kira.

En Hollywood, en 1947, trabajó en "El caso Paradine", de Alfred Hitchcock. En 1948, continúa con El Milagro De Las Campanas y enseguida con "El tercer hombre", de Carol Reed, en 1949, donde comienza a convertirse en una auténtica estrella de cine.

En Italia interpreta el papel más importante de su larga carrera y con el cual obtiene un lugar de honor en la historia del cine italiano, la condesa Livia Serpieri, apasionada y atormentada protagonista de 'Senso' (1954) de Luchino Visconti.

En 1957 filma Los Amantes Del Claro De Luna, El Prisionero Del Mar y El Grito.

En Francia, a las órdenes Georges Franju rodó “Los ojos sin rostro” (1959).”Una larga ausencia” de Henri Colpi, 1961, es otro de los hitos de la filmografía francesa de Alida Valli.

En su madurez, dio comienzo a una prolongada colaboración con Bernardo Bertolucci en el film 'La estrategia de la araña'(1970).

En España la actriz se puso a las órdenes de José María Forqué en “No es nada mamá, sólo es un juego” (1974).

Siguió con roles destacados en "Novecento" de Bernardo Bertolucci, en 1977, y "Edipo Rey", de Pier Paolo Pasolini, en 1967, grandes directores italianos.

En 1982 recibió el premio David de Donatello, como mejor actriz por "La caduta degli angeli ribelli", y en 1991 el mismo galardón en reconocimiento a toda su carrera. En 1997 obtiene el León de Oro por su contribución al éxito del cine italiano.

Su última aparición en la gran pantalla tuvo lugar en 2002, cuando se puso a las órdenes de Pepe Danquart para interpretar "Semana Santa", rodada en Sevilla.

Una gran actriz, una estrella y un icono del cine ha muerto a los 85 años.

Las estrellas del cine oriental

Son las principales figuras del cine de oriente. Conózcalas en un breve resumen.


Ziyi Zhang

Aunque sus inicios iban encaminados al mundo de la gimnasia rítmica y la danza, comenzó haciendo publicidad como modelo y después como actriz. Su primera película fue "La casa del camino" del director Zhang-Yi Mou. Es una actriz china que está revolucionando el mundo del cine. Se ha convertido en la actriz de moda. Ha protagonizado el Tigre y Dragón, La Casa de las Casas Voladoras y sobre todo, Memorias de una Geisha.



Gong Li

En 1987 debutó con la primera película dirigida por Zhang Yimou "Sorgo Rojo", film que la convirtió en una estrella para los cinéfilos de todo el mundo. Gracias a ese film se convirtió en una estrella internacional. Sin duda alguna, es la actriz china más admirada en todo el mundo. Su carrera ha estado jalonada por éxitos tales como: Adiós a mi concubina, Sorgo rojo, Vivir, La linterna roja. Ju dou.



Maggie Cheung

Una actriz china sensible y sensual, mezcla lo clásico y lo moderno en una misma persona. Talento de impacto inmediato. Inició su carrera como modelo que fue su puerta de ingreso al cine, primero en Hong Kong y más tarde en Europa y Estados Unidos. Entre sus films están: As tears goes by, Chinese Box, Con ánimo de amar, Los secretos del amor



Qi Shu

De origen taiwanés inició su carrera en películas eróticas. Su crecimiento como actriz pasó por diferentes etapas siendo capaz de adoptar cualquier tipo de carácter tanto dramático como cómico, sus principales cualidades. Su tiempo lo reparte entre el cine y la publicidad. Sus films mas conocidos son: El transportador, The eye, Millenium Mambo, Visible Secret.



Lee Young-ae

Estudió Lengua y literatura alemana y tiene un postgrado en periodismo. Entre sus films están: Sympathy for Lady Vengeance, El regalo, Un hermoso día de verano. También realizó miniseries: Hermanos médicos, Romance, Dae-jung Keum, Fuego ardiente.Ha obtenido premios como la actriz más popular y la mejor actriz.

“Crash“: colisión con el “Oscar”

La mayoría de las películas que fueron seleccionadas para postular a la versión Nª 78 del premio Oscar marcan una tendencia referida a temas sociales o personajes que preocupan principalmente a los norteamericanos. Por eso no es de extrañar que “Crash” obtuviera el máximo galardón. Aunque no es una obra de arte está técnicamente bien realizada

Este film se sustenta en dos pilares fundamentales: el montaje, que mantiene al espectador tratando de armar el puzzle que se le está planteando y el guión que lleva la historia contada como frases visuales, formando parte de un todo. En ambos aspectos también obtuvo el codiciado premio.

El film es el relato de varias historias paralelas que se entrelazan durante día y medio en la ciudad de Los Ángeles, donde el azar pone en contacto el destino de sus personajes, en una narrativa que utiliza la exageración para desarrollar una historia bastante artificiosa.

Su estructura narrativa pone el énfasis en el ritmo y la intensidad de ese relato, tomando al racismo y la discriminación como generadores que entrecruzan de manera continua historias y personajes, conectados con un accidente de auto (“Colisión”) iniciador de una trama que va y vuelve sobre las emociones de cada uno de los protagonistas.

"Crash" es una película sobre la gente, sobre los estados anímicos, la psicología de los personajes, sus miedos, su sufrimiento, la incomunicación, el distanciamiento, la violencia discriminatoria y el racismo. Todos unidos por el silencio, la sensación de soledad y el agobio de sentirse desconectados del mundo.

Según avanza la trama se muestra que la existencia de cada persona está marcada solamente por acontecimientos cambiantes en la moralidad y donde no existen ni buenos ni malos, sólo momentos de odio o tolerancia.

Es una película socialmente valiosa porque lleva a la reflexión sobre la vida y los hechos cotidianos, está bien producida y es muy entretenida. Pero no es una obra de arte.

Ficha técnica

Direcctor: Paul Haggis - Año: 2004 - Duración: 100 min.
Género: Drama.
Intérpretes: Sandra Bullock, Don Cheadle, Matt Dillon, Jennifer Esposito, William Fichtner, Brendan Fraser, Terrence Dashon Howard, Thandie Newton, Chris Bridges, Ryan Phillippe, Larenz Tate.
Guión: Paul Haggis y Bobby Moresco
Producción: Cathy Schulman, Don Cheadle, Bob Yari, Mark R. Harris, Bobby Moresco y Paul Haggis.
Música: Mark Isham.
Fotografía: James Muro
Montaje: Hughes Winborne.
Diseño de producción: Laurence Bennett.
Dirección de arte: Brandee Dell' Aringa.
Vestuario: Linda M. Bass.

El jardinero fiel (The constant gardener)

“Vivió y murió porque le importaba la vida”


El desarrollo del filme cuenta que Justin Quayle (Ralph Fiennes) un tranquilo diplomático británico en Kenia y Tessa (Rachel Weisz) una fuerte activista, forman una inusual pareja. Ella está decidida a descubrir y revelar las injusticias que ocurren con la industria farmaceútica en Africa. Un día ella aparece asesinada en una solitaria carretera junto a un médico amigo suyo. Justin, pensando en una infidelidad, comienza a investigar las causas de su muerte, hasta que descubre una conspiración por parte de compañías internacionales. En eso se resume la historia.

La trama se desarrolla en forma fragmentada y no lineal y lleva una intensa narrativa de tal forma que el espectador va descubriendo junto al protagonista los secretos de la mujer. Tras la intriga y suspenso, curiosamente, hay una sólida historia de amor que constituye el alma de la película.

Por un lado, es un thriller político acerca de los escándalos corporativos, sus intentos delictivos y sus manipulaciones y por otra parte, una historia de amor, de pasión y ternura que nutren la relación entre Justin y Tessa.

Para Justin es un viaje de descubrimiento en el que alcanza un nivel de conocimiento de sí mismo, del amor verdadero y, a la vez, se encuentra con un enorme escándalo político.

La dirección de Meirelles es semi documental en muchas secuencias, que aportan intensidad, realismo y la ambigüedad necesaria para mantener el misterio. Con habilidad mezcla aventura, problemas sociales y emociones.

Las imágenes imponen representativamente fragmentos de la realidad y a este nivel el fondo y la forma son prácticamente indisolubles. No se puede hablar de la calidad estética sin considerar su contenido, es decir lo que representa y ese es el mérito del film. Sus características de unicidad representativa de los planos, captan los aspectos precisos determinados por la naturaleza de las cosas, en el contexto cinematográfico y mental del espectador.

El elenco realiza un excelente trabajo, entregando actuaciones detalladas y realistas. No se ven estrellas de cine, sino auténticos personajes, vivos, intensos y palpitantes. (Rachel Weisz obtuvo el galardón a la mejor actriz secundaria entregado por el Sindicato de Artistas de Hollywood)

El montaje está en un ritmo preciso y ajustado a la narrativa, con planos de duración exacta que entregan la información que debe saber el espectador y flash back en el momento exacto, para seguir la historia utilizando ángulos de toma y encuadres que potencian el mensaje visual.

La fotografía y la iluminación son utilizadas como recurso expresivo y aportan como elemento creador expresivo de acuerdo a las escenas, para dar con el tono de color que necesita el momento fílmico, a veces, romántico y otras fuerte como es la vida en Africa.

La banda musical recrea el momento con variedad de recursos sonoros que envuelven y adecuan la historia en una especie de leitmotiv plástico bajo al forma de un contrapunto en el drama de las imágenes que expresan la grandeza y permanencia del drama humano.

Una excelente película donde destacan la sutileza de las metáforas visuales y auditivas complementadas por su estética y dirección, la actuación de alto nivel, locaciones realistas y efectivas y un válido mensaje de conciencia social y amor más allá de la vida misma.

El personaje, Tessa Quayle, está basado en una persona real. John le Carré dedicó “El jardinero fiel” a una activista apasionada e incansable llamada Yvette Pierpaoli. En la dedicatoria de los títulos finales se lee: “que vivió y murió porque le importaba la vida”.

Ficha Técnica

Dirección: Fernando Meirelles.
País: Reino Unido. Año: 2005.
Duración: 130 minutos. Género: Drama, thriller.
Actores: Ralph Fiennes, Rachel Weisz, Danny Huston, Bill Night, Pete Postlethwaite, Bernard Otieno
Guión: Jeffrey Caine (basado en la novela de John Le Carré)
Producción: Simon Channing Williams.
Música: Alberto Iglesias.
Fotografía: César Charlone.
Montaje: Claire Simpson.
Diseño de producción: Mark Tildesley.

El Cine: siempre hay una primera vez

Después de la creación del cine ocurrieron muchos hechos que aportaron con una primera vez para lograr lo que la cinematografía es hoy día. Recordemos algunos.

1895: Primera exhibición de cine
Auguste (1862/1954) y Louis (1864/1948) Lumière registran la patente Nª 245-032 (13-2) del cinematógrafo y el 28 de diciembre realizan la primera representación pública y pagada de cine, en el Salón Indio del Gran Café, 14, Boulevar de los Capuchinos. Un folleto anunciaba la exhibición de "La Salida de los obreros de la fábrica en Lyon", (de 1 minuto de duración y 17metros de largo), "La Acrobacia" y "La Pesca de los pescados rojos", proyectadas con un aparato que permitía pasar más de 18 imágenes/segundo, que arrastraban en movimientos intermitentes.Unos días más tarde se agregaría “La llegada del tren a la estación”.

Fueron aproximadamente 15 films de 20 metros cada uno, a 16 cuadros por segundo: “Le debarquement du congres de photographie a Lyon”, “Les forgerons”, “Le repas”, “Le saut a la couverture”, “La place de cordeliers a Lyon”, etc.

Ese mismo año, 1895, Alfred Clark, realizando “The execution of Mary, Queen of Scots”, para los estudios Edison, crea el primer efecto especial: la detención de la filmación para cambiar persona por muñeco y reiniciar, dando un efecto de degollamiento.

1896
La primera proyección del Vitascopio fue con el fim "Annabel the Dancer", el 23 de Abril, de Armat y Edison, en el Koster and Bial's Music Hall, de Nueva York.

Albert Promio, en Francia, inventa la panorámica y el traveling.

Georges Méliès, en Francia, crea los primeros efectos especiales en sus films: la sobreimpresión, el fundido y el fundido encadenado.

Se filma el primer beso cinematográfico: de Mary Irvin y John C. Rice, para la película “El Beso”, dirigida por Gammon y Raff, para los Vitacoscopios de Edison.

En el mismo año, Eugene Pirou, en el film “Le coucher de la mariée”, de 3 minutos de duración, muestra las primeras escenas eróticas, con los actores Louise Willy y Mille Willy.

1899
El primer travelling se utiliza en el film “El gran canal de Venecia”, con una cámara arriba de un bote.

Las primeras técnicas narrativas se utilizan en Inglaterra, en la Escuela de Brighton,

1901
George Melies estrena el primer film de fantasía: “Viaje a la luna”, basado en una obra de Julio Verne.

En EEUU, Edwin S. Porter realiza el primer western con argumento: “Asalto y robo de un tren”, un filme de 23 metros, para la productora de Edison.

Pathé y Gaumont realizan el primer film histórico religioso: “La pasión de Cristo”.

Primeros largometrajes de ficción: "The Story of the Kelly Gang" (Australia) y "Pasión", de Alice Guy (600 m).

1907
Primer largometraje comercial realizado en Europa: "El Hijo pródigo", de Michel Carré.

Primera ópera llevada íntegramente a la pantalla: "Faust de Gounod", de Arthur Gilbert.

1908
Charles Le Bargy y André Calmettes, en Francia, realizan la primera película de arte: “El Asesinato del duque de Guisa”, de Henri Lavedan, música original de Camille Saint-Saëns, de 18 minutos.

Primer flash-back de Sigmund Lubin (EEUU), en el film "A Yiddisher Boy".

Primera película pornográfica: "Al Ecu de oro" o "El Buen Albergue" (Francia), en formato 35 mm.

Emil Cohl produce el primer largometraje de dibujos animados: “Fantasmagorías”.

1909
Riccioto Canudo redacta el primer texto sobre cine llamado “El manifiesto de las siete artes”.

Primera película hecha en Hollywood: "Old California", de David Griffith.

Se filma el primer documental de largometraje: “La expedición Antártica de Scout”, de Herbert Ponting.

1912
Se filma la primera serie para el cine: “Adventures of Kathleen”, de F.J. Grandón

En el mismo año se filma “Quo Vadis”, del realizador Enrico Guasón, el primer filme de reconstitución histórica.

1913
Primera película de vaqueros de largometraje: "Arizona", de Lawrence B. McGill (EEUU).

1914
Primer largometraje en colores: "The World, the Flesh and the Devil".

Primera escena de desnudo fue realizada por la actriz australiana Annette Kellerman, nadadora profesional.

1915
En EEUU aparece el primer galán y héroe del cine: Douglas Fairbanks, en la película “El Cordero”.

En el mismo año, Audrey Munson se convierte en la primera mujer en aparecer totalmente desnuda en la película “Inspiration”.

1916
Se realiza el primer clásico del cine: “Intolerancia”, de David Griffith, con la actuación de Lilian Gish.

1918
En EEUU, se realiza la primera película animada en colores: “El coronel menudo embustero”, de John R. Bray.

1919
Primer largometraje de ciencia ficción: "A Trip to Mars" (Dinamarca).

1920
Louis Delluc funda el primer Cine Club de la historia del cine.

1921
Primer largometraje en colores naturales: "El Vagabundo del desierto", de Irwing C. Willat (EEUU)

Se filma “Nanuk el esquimal”, de Robert Flaherty, el primer largometraje de no ficción.

Abel Gance realiza “La Rueda”, donde utiliza por primera vez los planos subjetivos en el cine

1924
En Alemania, se realiza “El último de los hombres”, de Friedrich W. Murnau, donde se efectúa el primer travelling circular.

1927
En EEUU, Nueva York , el 6 de Octubre, se estrena el primer film sonoro. "Todavía no han visto nada". Cuando Al Jolson pronunció estas palabras en la película "El Cantor de Jazz" (The Jazz Singer), la audiencia nunca antes había visto hablar en una película. La película fue dirigida por Alan Crosland y producida por Warner Bros, con el disco sincronizado Vitaphone.

El 11 de mayo se crea la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood, para entregar los premios Oscar.

William A. Wellman realiza “Alas”, un film de guerra, que gana el primer Oscar de la historia del cine.

1928
Primera película totalmente hablada: “Luces of Nueva York”, de Bryan Foy (Warner Bros).

Nace Mortimer, “Mickey Mouse”, el primer dibujo animado sonoro y hablado.

1929
Se presenta en París, en enero “Napoleón”, de Abel Gance (Francia., 1889-1981), sobre triple pantalla (magirama) y utilizando tres proyectores, adelantándose 25 años a la invención del cinerama. Fue también la primera película con sonido estéreo.

1932
Se realiza el primer zoom: "Love me Tonight", de Victor Milner.

1934
En Gran Bretaña, Len Lye, realiza el primer filme dibujado sobre película: Colour Box.

1935
El cine en color llega por primera vez con la película "La feria de las vanidades", de Rouben Mamoulian, aunque artísticamente su plenitud se consigue en el filme de Victor Fleming, "Lo que el viento se llevó" (1939).

1936
Primera película sonora en 3 dimensiones: "Nozze Vagabundo", de Guido Brignone (Italia, 1887-1959). Distribuido por la Warner BROS, sucursal italiana y producido por la Società Italiana Stereocinematografica.

1938
Walt Disney realiza la primera película animada de largometraje: “Blanca Nieve y los siete enanitos”.

1952
Primer espectáculo en Cinérama sobre pantalla circular y con varios proyectores, en los EE.UU. “Esto es cinerama”, estrenada, en septiembre, en el Broadway Theater de Nueva York. Otras películas posteriores en Cinerama fueron "La Vuelta al Mundo en 80 Días", La Carrera del Siglo" y "La Conquista del Oeste".

1953
Primera película en Cinemascope y sonido estereofónico de 4 pistas y en 35mm. “El manto sagrado”, con Victor Mature, dirigida por Henry Koster.

1971
La primera película con sistema de sonido Dolby: "La Naranja mecánica", de Stanley Kubrick.

1983
Por primera vez se colorizan electrónicamente las antiguas películas en blanco y negro.

Hasta llegar a la tecnología digital que se usa actualmente en las películas para recrear de manera espectacular la realidad, convirtiéndose en la verdadera fábrica de sueños y fantasía que imaginaron alguna vez sus creadores.

Free cinema inglés (1960-1969)

Este cine busca mayor autenticidad y espontaneidad en el contacto con intérpretes, personajes y medio ambiente. Era una tendencia realista, con un nuevo enfoque del criticismo fílmico. El cine reflejando una realidad social con películas baratas y no de estudio y gente creativa tratando de mostrar la sociedad contemporánea y su relación con el individuo. Hay un reconocimiento de la crueldad brutal como elemento de la conducta social, Algunos directores utilizaron el humor en diferentes niveles y una gran complejidad de motivación y sentimientos,

Utilizaban una decoración deslucida, presentando ciudades oscuras y descubriendo a sus habitantes con toda su estrecha mentalidad y pareciendo felices de su actuación en su apretado rincón del mundo.

Entre los films y directores destacados están: El animador, con la actuación de Albert Finney, Alan Bates y Lawrence Olivier, Un sabor a miel, Tom Jones con Albert Finney y Susana York, La soledad del corredor de fondo (Toni Richardson); Sábado noche, domingo mañana, Al caer la noche, Isadora, Morgan un caso clínico, con Vanesa Redgrave (Karel Reisz); El llanto del ídolo, If (Lindsay Anderson); Lejos del mundanal ruido, Perdidos en la noche, Darling, (John Schlesinger).

El neorrealismo italiano (1945-1952)

El encuentro con una Italia destrozada por la guerra y la presencia de un cine fascista acartonado, platean la necesidad de volver a un nuevo realismo. Había falta de material técnico y carencia de estudios de rodaje, pero también existía el deseo de liberación de hombres con distintas ideologías. La sencillez temática, casi documental, el uso de actores no profesionales, filmaciones en las calles o en escenarios naturales caracterizaron esta cinematografía. Ella se transforma en un instrumento de denuncia sobre los problemas que afectaban a las clases populares: temas como la cesantía, la falta de viviendas, la desmedrada condición social de la mujer, las consecuencias de la guerra sobre la infancia, eran usuales en el cine italiano de la época con una presencia artística de primer nivel.

Entre los films y directores destacados están: Roma ciudad abierta, que inicia el Neorrealismo (de Roberto Rossellini) con la actuación de Anna Magnani y Aldo Fabrizi. En este filme el guionista fue Federico Fellini, que más tarde sería el director más grande del cine italiano.

Germania anno zero, Humberto D y Paisa (Roberto Rossellini) con Giulietta Masina y Vittorio de Sica; Caccia tragica y Riso amaro (Giuseppe De Santis); Milagro en Milán y Ladrón de bicicletas (Vittorio de Sica) que gana el Oscar a la mejor película extranjera; La terra trema, Senso y Bellísima (Luchino Visconti); Anni difficili (Luigi Zampa); Il cammino della speranza (Pietro Germi); El bandido, El molino del Po, Ana, Luz de variedades (Alberto Lattuada).

La epopeya soviética (1925-1930)

El cine soviético de esa época se destacaba por el desplazamiento de grandes multitudes, sus luchas, sus significativos gritos y silencios. Lo individual y lo colectivo se mostraba en el combate del pueblo soviético por afianzar la revolución de Octubre, Sus cineastas hermanan brillantemente arte y visión político-social. Aún más, sus directores revolucionan práctica y teóricamente el lenguaje cinematográfico, en especial las leyes y principios que estructuran el montaje.

Films destacados son: El acorazado Potemkin (Sergei Eisenstein), estrenada el 25 de Diciembre de 1925 en el teatro Bolshoi de Moscú, es reconocida por algunos especialistas como la más grandiosa de todas las películas hechas en la historia del cine. Tiene 1.290 planos,

Otros: Octubre y La línea general, de Sergei Eisenstein, El hombre con la cámara y El undécimo año, de Dziga Vertov. La Madre y El fin de San Petersburgo, de Vsevolod Pudovkin. El arsenal y La tierra, de Alexander Dovjenko

En el año 1928 se expone El manifiesto de los tres: Eisenstein, Pudovkin y Alexandrov.

Otros realizadores de la época son Lev Kulechov, Mijail Kalatozov, Gregory Tchujrai, Iía Truberg.

La nueva ola francesa (1958 -1962)

Claude Chabrol

La Nueva Ola es una nueva generación de realizadores que surge cuando el público se cansa de los directores tradicionales de los años 50. Esta generación se fue preparando durante varios años como cinéfilos aficionados, fieles espectadores de los cinema-clubs y especialmente de la Cinematographique Francaise. Críticos de cine agrupados en los Cahiers du Cinema, revista fundada en 1951 por André Bazin y J. Doniol Valcrose.

Quieren conservar una gran independencia con respecto a los productores y a los imperativos del cine comercial. Prefieren realizar películas con poco presupuesto que permiten hacer una obra personal, de autor, sin grandes actores y con medios técnicos reducidos, rodaje fuera de los estudios, cámaras ligeras, poca iluminación y utilización del plano-secuencia.

Films destacados de esa etapa son: Cleo de 5 a 7, Vivir su vida, Hiroshima, mon amour, Y Dios creó a la mujer, Los 400 golpes, Al final de la escapada, Jules et Jim, Sin aliento, Les amants,

Entre los realizadores de este movimiento figuran: Francois Truffaut, Jean Luc Godard, Alain Resnais, Agnes Varda, Louis Malle, Jean Pierre Melville, Jacques Rivette, Robert Bresson, Jacques Becker, Marcel Carné, Jacques Demi, Abel Gance y Claude Chabrol.



Mención aparte merece Claude Chabrol que a los 75 años acaba de estrenar su última película: “La Dama de Honor”, basada en la novela Amores que matan, de la escritora inglesa Ruth Rendell. Protagonizada por Benoit Magimel y Laura Smet, el film es un intrincado y detallista laberinto de pasiones llevado hábilmente por la sensibilidad de Chabrol.

Sus obras son intensos y enigmáticos estudios sobre la dominación, la dependencia y las relaciones de poder dentro de la pareja. Ha realizado El bello Sergio (1958), el primer largometraje de la Nueva Ola, Los primos (1958), Doble Vida (1959), Les bonnes femmes y Les godelureaux, ambas en 1960, La mujer infiel (1968), Madame Bovari (1991), La ceremonia (1995), entre otros, de sus 54 films realizados hasta el momento.

Este director, guionista, actor y productor, es uno de los sobrevivientes de la Nueva Ola y que aún sigue plenamente vigente.

El cine surrealista (1923-1930)

El perro andaluz

Proveniente de la poesía y de las artes plásticas, el cine surrealista mantiene muchos de sus grandes motivos: creación al margen de todo principio estético y moral, la fantasía onírica, el humor desaprensivo y cruel, el erotismo lírico, la deliberada confusión de tiempos y espacios diferentes. Sus realizadores lo utilizan para escandalizar y exterminar una sociedad burguesa mezquina y sórdida. Le otorgan a las imágenes un valor en sí mismas, recurriendo a los fundidos, acelerados, cámara lenta, uniones arbitrarias entre planos cinematográficos y secuencias.

Entre los filmes destacados están: Regreso a la razón (Man Ray), Entreacto (René Clair), La caracola y le clérigo (Germaine Dulac y Antonin Artaud), El perro andaluz (Luis Buñuel y Salvador Dalí)), La sonriente Madame Beudet (Germaine Dulac), Corazón fiel (Jean Epstein), La edad de oro (Luis Buñuel y Salvador Dalí), etc.

El expresionismo alemán

El Gabinete del doctor Caligari

El cine tiene periodos y estilos que han sido importantes en su historia. Es así como desde 1895 hasta 1913 encontramos la época primitiva con la experimentación y los inicios del cine y el posterior desarrollo de este arte hasta 1926, en el cine norteamericano.

En Alemania, entre 1920 y 1926 surge el Expresionismo. En Francia, entre 1923 y 1930, podemos apreciar el Surrealismo, en la misma época que en Rusia surge la Epopeya Soviética, mientras que en Italia, entre 1945 y 1952 se manifiesta el Neorrealismo.

Entre 1958 y 1963, en Francia se destaca el movimiento llamado Nueva Ola y en Inglaterra, en la década de los 60, otro movimiento se denomina el Free Cinema.

En entregas diferidas comentaré cada uno de esos estilos de cine.

Ahora haré mención al Expresionismo Alemán.

Una forma de cine que tiene una fuerte influencia del teatro, de donde toma las escenografías enlazadas con los estados de ánimo de los personajes. Muestra una deformación y estilización en el tratamiento de personajes y situaciones. La fotografía está al servicio de las imágenes y de la actuación. Los ambientes se recrean en función de la luz y sirven para mostrar crudamente las grandezas y limitaciones del hombre.

Entre los films destacados figuran El gabinete del Doctor Caligari (primer film expresionista), El último de los hombres, Metrópolis, Madame Dubarry. Una actriz destacada era Pola Negri y en los hombres, Emil Jannings. Mientras que los directores de más renombre eran: Robert Wiene, Friedrich Wilhelm Murnau (fundador de la productora Murnau Veidt Filmgesellschaft), Fritz Lang, Lotte H. Eisner, George Wilhelm, Ernst Lubitsch y Max Reinhardt.

Una canción del film "El sastre de Panamá"

En la película “El sastre de Panamá”, dirigida por John Boorman, realizada el año 2000 y, que se exhibe en la televisión por cable, el personaje de Brendan Gleeson (al centro en la foto), mientras es llevado borracho en un taxi va cantando una canción. Esa canción se llama "Todavía cantamos" y es del cantautor argentino Víctor Heredia.

En la película participan: Pierce Brosnan, Geoffrey Rush, Jamie Lee Curtis, Brendan Gleeson, Catherine McCormack, Leonor Varela y Harold Pinter. El guión es de Andrew Davies, basado en la novela de John Le Carré.

Te invitamos a escucharla en la versión de su autor.


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George Melies: el mago del cine

El cine que vemos hoy está fundamentalmente basado en la tecnología computacional y los efectos especiales. Pero hace más de un siglo hubo un precursor que utilizó muchos de estos recursos basándose, solamente, en su ingenio y creatividad. Un recuerdo para él.

La primera función de cine tuvo lugar el 28 de diciembre de 1895, en el sótano del Gran Café de los Capuchinos, en París. Fueron 35 espectadores los presenciaron aquella exhibición de los hermanos Lumière. Entre los asombrados asistentes a la histórica proyección estaba Georges Méliès, prestidigitador experimentado y director de teatro de ilusionismo, quién quedó muy impresionado con el invento que estaba viendo. Desde ahí, y muy motivado, comenzó a filmar y experimentar.

Un incidente casual lo convirtió, tiempo después, en un maestro en el manejo de la cámara y del truco en la pantalla. Mientras proyectaba una película filmada días antes vio con asombro cómo un autobús se transformaba bruscamente en una carroza fúnebre. Después de reflexionar un poco, descubrió que la película se había detenido al momento de tomar las imágenes. El cine además de servir de documento de los hechos podía inventar una realidad que no existía.

Desde ese momento, en sus películas, Méliès utilizó las técnicas de sus shows de ilusionismo como trampillas, fuegos artificiales, decorados pintados, a lo que sumaba la magia del cine: sobreimpresiones, simulaciones de imágenes submarinas, exposiciones múltiples, disolvencias y fondos negros.

Sus films principales son Le tunnel sous la manche, en 1907, de 350 metros dividido en 30 escenas, con diversos decorados sobre los que evolucionaban los actores y se superponían los trucos, A la conquête du pole, en 1912, que narra una expedición al polo a bordo de un gigantesco artilugio volador, Le Voyage a travers l´Imposible, en 1904, donde viaja al sol y Le Manoir du Diable , el primer film de vampiros y el primer antecedente del cine de terror.

De sus películas se recuerda especialmente El viaje a la Luna, filmada en 1902, en la que experimentó y perfeccionó el uso de trucos con la cámara para hacer aparecer y desaparecer objetos. Una inusual producción de 20 minutos de duración, dividida en 30 escenas.

El cine ya no sólo servía como posible representación de la realidad sino que también para engañar al publico, creando la fábrica de sueños. En ese momento surge el cine tal como lo conocemos ahora.

Con una cámara y un sombrero…

Para aquellos que les gusta el cine o quieren iniciarse en esta profesión deberían ver, por obligación, los siguientes filmes de los viejos maestros de la cinematografía.

El acorazado Potemkin, de Sergei Eisenstein. 1925. Rusia.
El ángel azul, de Joseph von Sternberg.1930. Alemania.
Luces de la ciudad, de Charles Chaplin. 1931. Estados Unidos.
La gran ilusión, de Jean Renoir.1937. Francia.
Ciudadano Kane, de Orson Welles. 1940. Estados Unidos.
La diligencia, de John Ford. 1939. Estados Unidos.
Ladrón de bicicletas, de Vittorio de Sica.1948. Italia.
La dolce vita, de Federico Fellini.1959. Italia.
Los 400 golpes, de Francois Truffaut. 1959. Francia.
Sicosis, de Alfred Hichtcock. 1960. Estados Unidos.

Se las recomiendo porque ante tanta tecnología computacional actual donde no se sabe que es verdad y que es mentira, en estos filmes se mantiene la pureza narrativa, la creatividad, el manejo de los conceptos estéticos visuales y el gran talento de los directores que las realizaron. Un festín para conocer verdaderas obras de arte.

¿Quién es el Director de La Caída, los últimos días de Hitler?

Bernd Eichinger. Es un destacado director de cine alemán, de 55 años.

Hijo de un médico rural, un hombre de profundos principios tradicionales. En su casa la disciplina era muy estricta: cada mañana a las seis iba a la iglesia, después preparar la lección, desayunar, ir a la escuela, almorzar, una hora y media libre y después a estudiar de nuevo. Después de la cena y de la oración antes de dormir, estaba prohibido hablar, hasta el desayuno del día siguiente.

Para tranquilizar su rebeldía, sus padres, lo enviaron a un internado donde formó parte de una banda de rock. Pero no tenía condiciones para la música.

Casi fue en profesor en una escuela de algún pueblo de Baviera. Pero lo que le gustaba era fotografiar, pintar, leer y especialmente escribir. Solicitó su admisión como estudiante a la Universidad de Cine de Munich, por entonces recientemente fundada y lo aceptaron,

Empezó a escribir guiones y a trabajar como director de producción de la Radio y Televisión de Baviera, hasta que en 1974 fundó por fin su propia compañía de producción, Solaris. Posteriormente, se transforma en el más importante productor del Nuevo Cine Alemán.

Cuando, en 1979, la compañía Constantin Film AG se encuentra en dificultades financieras, Eichinger elabora un completo plan de saneamiento, ocupa el puesto de director general y se convierte en copropietario de la empresa.

Vive por y para el cine. Fue el productor de La historia interminable, El nombre de la rosa, En un lugar de África, Rossini y El tesoro de Manitú, entre las más destacadas.

Actualmente, Eichinger, es el más exitoso productor cinematográfico de Alemania. De las diez películas más exitosas producidas en Alemania desde 1980, seis fueron producciones de la marca Eichinger. Ha ganado los trofeos Bambis, Cámaras de Oro y se acaba de agregar el Premio de Cinematografía de Baviera.

Después de “La caída”, su próximo proyecto es llevar al cine la novela “El perfume”, de Patrick Süskind. La novela, en alemán, más exitosa de la historia.

Muere artesano del cine

El director de cine Robert Wise, ganador de varios Oscar y realizador de los clásicos Amor sin barreras y La novicia rebelde, murió de un paro cardiaco en el Centro Médico UCLA, a la edad de 91 años. Su muerte le sobrevino mientras su familia se encontraba en el Festival de San Sebastián (España) donde el realizador iba a recibir un homenaje a toda su singular trabajo cinematográfico.

Una carrera como director que alcanza las 40 películas de todos los géneros, del cine negro y el western al melodrama y el cine de boxeo. Símbolo del artesano de Hollywood, nunca fue considerado como uno de los directores estrella de la industria y sin embargo ha participado, ya sea como director o montador, en algunas de las películas más importantes de la historia del cine norteamericano.

Wise, que nació 10 de septiembre de 1914 en Winchester, Indiana, obtuvo su primer trabajo en Hollywood como mensajero en el departamento de posproducción de RKO Pictures. Su gran oportunidad le llegó cuando fue contratado como editor de Ciudadano Kane, la película de Orson Welles (1941) considerada como una de las mejores cintas de todos los tiempos.

Sin embargo, sería su trabajo como director el que le llevaría a la fama con trabajos como el Quiero vivir, con el que aspiraría al Oscar tanto su protagonista, Susan Hayward, que se llevó la estatuilla, como él.

Ganó el Oscar al mejor director y mejor película por Amor sin barreras. La película recibió 10 estatuillas en total. Y por Sonrisas y lágrimas (otros dos Oscar por dirección y producción). Obtuvo los dos mismos premios por La novicia rebelde. Un año después, estuvo nominado por El Yang-Tse en llamas.

Algunos de sus largometrajes son Las ratas del desierto, Helena de Troya, Hindenburg y Star trek: la película.

El fallecimiento de Robert Wise coincide con el homenaje que le iba a brindar este año el Festival Internacional de Cine de San Sebastián. La Retrospectiva Clásica de este Festival, será dedicada al cineasta americano con la programación de un ciclo de sus películas.

Con la muerte de Wise también desaparece el único miembro que quedaba vivo del equipo de Ciudadano Kane.

Se busca pareja (Must Love Dogs)

El romanticismo y la sensibilidad artística no acudieron a la cita

Una fallida adaptación de la novela de Claire Cook es el film “Se busca pareja” y muy bien manifestado por John Cusack cuando en una parte del film su personaje dice que le dieron “náuseas de amor”. Una frase muy asertiva, para reflejar lo que es la película, de este actor que ya tiene una buena experiencia en otro film romántico como es: Señales de amor (Serendipity), una cinta del mismo estilo romántico y excelentemente bien realizada.

Realizar una comedia romántica tiene un formato y códigos específicos para tocar las partes sensibles del espectador y provocar emociones. No es fácil hacerlo. En este film, el guión es truncado e irregular, predecible y falto de creatividad, a excepción de algunas frases ingeniosas como, por ejemplo, lo que dice un personaje femenino, sentada frente al computador: “lo mejor de Internet es que se pueden pagar las cuentas desnuda”.

“Se busca pareja” trata de afirmarse en la actuación de dos buenos actores como Diane Lane y John Cusack, pero el esfuerzo de ambos no alcanza para llevar la película a buen término. Muchos personajes están desperfilados y no aportan a la película. Los diálogos en momentos son poco claros, lo mismo la gestión del director en tratar de contar bien la historia. A la media hora ya no hay mucho que decir y se alarga tratando de darle sentido a escenas llenas de lugares comunes que no justifican la trama y el débil desarrollo dramático de los actores en sus roles.

La fotografía, la música, la edición con el oficio que se le conoce al cine norteamericano. No es fácil adaptar un libro al cine y aquí se demuestra. Una película que no aporta nada al género romántico y que sólo le alcanza para nivel de serie de televisión. El romanticismo y la sensibilidad artística no acudieron a la cita. El culpable: Gary David Goldberg, que estuvo en todas.

Ficha Técnica

Protagonistas: Diane Lane y John Cusack
Co protagonistas: Dermot Mulroney, Elizabeth Perkins, con Stockard Channing y Christopher Plummer.
Director: Gary David Goldberg
Producción: Suzanne Todd, Jennifer Todd y Gary David Goldberg
Guión: Gary David Goldberg,
Productores ejecutivos: Brad Hall y Ronald G. Smith
Dirección de fotografía: John Bailey, A.S.C.;
Producción de diseño: Naomi Shohan;
Edición: Eric Sears, A.C.E., y Roger Bondelli, A.C.E.
Música: Craig Armstrong
Warner Bros. Pictures y UBU / Team Todd Production

Ingmar Bergman, siempre es Bergman

Se ha exhibido en Chile la película Sarabanda (2003) del director sueco Ingmar Bergman, que es la continuación de Escenas de la Vida Conyugal, realizada en 1973. Ver una cinta de este realizador es entrar en terrenos difíciles. Para entender su cine es necesario conocer las bases de su estética cinematográfica.

Su trabajo audiovisual, en excelencia, es equivalente a Mozart o Bethooven en música, a Dalí en pintura o Shakespeare en literatura. Bergman junto a excelsos como Luis Buñuel, Sergei Einsestein, Joseph von Sternberg, Jean Renoir, Federico Fellini, Orson Welles, John Ford, Vittorio de Sica, Francoise Truffaut, Pier Paolo Pasolini, Claude Chabrol, entre otros, son maestros que están fuera de categoría con sus creaciones fílmicas.

La película Saraband, no la comentaré, es sólo un pretexto para entregar algunas nociones y entender la estética de Bergman. Sus películas, cualquiera que sea, siempre son de nivel superior para arriba. Y con eso basta.

El cine de Bergman está marcado por sus recuerdos de infancia, como segundo hijo de un pastor protestante puritano, y expresa a través de él sus temores, ansiedades, aversiones y aspiraciones. Reflexivo y filosófico, analiza profundamente la angustia de un mundo que se interroga sobre Dios, la dicotomía del bien y el mal, el sentido de la vida, trabajando sutiles variaciones sobre la incomunicación de las personas.

Para él, el ser humano se halla constantemente en conflicto con sus preocupaciones existenciales en cualquiera de sus manifestaciones. Las imágenes y valores de su niñez lo marcarían por el resto de su vida. La proximidad con el quehacer de su padre, lo sumergieron en las cuestiones metafísicas como Dios, el demonio, la muerte, la vida, el dolor y el amor.

En su cine encontramos un análisis profundo del deseo, el sentimiento de culpa y la vulnerabilidad humana, alegorías sobre la vida y la muerte, donde refleja a la vez su concepción afectiva e intelectual de Dios, con toda su carga de lamentos y recriminaciones.

Sus films son de una técnica depurada, con temáticas profundas, al servicio de un pensamiento inquieto y desgarrado que destaca por su crudeza y violencia, el temor a los tabúes religiosos, la complicidad con el universo femenino y el descubrimiento de la muerte

Su gran preocupación, en la temática de su cine, es el lugar del hombre en el Universo y en la sociedad, entregando en una visión intelectual de su tiempo, convencido de que el ser humano ha llegado a una fase crítica de su evolución y de que la apatía del mundo actual es sólo el reflejo del desencanto, donde se reflejan la impotencia y el sentimiento de fracaso de un individuo perseguido cruelmente por la sociedad.

Sus recursos estéticos y sus personajes

Las historias de sus películas, plasmadas en guiones estrictamente elaborados, abarcan desde la comedia ligera al drama psicológico o filosófico más profundo en una lúgubre alegoría de la relación de la humanidad con Dios y la muerte, explorando siempre el alma humana.

Entre los recursos narrativos y técnicos que emplea para su estética fílmica está la iconografía cristiana, por lo que sus trabajos aparecen rodeados de un halo misterioso, en el empleo de narraciones superpuestas, con prólogos independientes, simetrías compositivas, primerísimos primeros planos, elipisis y metáforas llenas de sentido, y el empleo evocador y dramático del sonido y la música, como elementos expresivos.

Esos recursos tan típicamente bergmanianos, como flashbacks, secuencias de sueños y visiones, reflejan tanto preocupaciones existenciales como el letargo del alma o la incapacidad de comunicar, sentir o recibir amor cargados de una atmósfera dramática, agobiante y aun desesperanzada,

Sus personajes son atravesados por los laberintos de la vida y que al internarse los reconducen hacia sí mismos, hacia su propia alma, hacia su propia conciencia. Son recorridos íntimos, enigmáticos, en una experiencia personal e inquietante, sobrecargada por un denso dramatismo, ese que implica desnudar el alma humana.

Representaciones que terminan en algunos casos en la locura o en la muerte, en un estado de gracia, en un momento metafísico que les permite comprender más de su realidad, una revelación que los iluminará y modificará el curso de sus vidas. Dominar los fantasmas que perturban el alma de sus personajes y que arrastran un pesado lastre en sus mentes y en sus corazones, es el objetivo.

Sarabanda es otra intensa y durísima obra maestra, que habla de la vejez como ninguna otra película, porque está hecha por un Bergman que vive esa misma lúcida vejez. La emocionalidad de los estados de conflicto interno de sus personajes dan paso una historia angustiosa y lacerante, que pocos directores de cine han podido comunicar.

Definitivamente, para ver y disfrutar una película de Bergman hay que saber cine. Tal como para escuchar música, ver un cuadro o leer un libro clásico, hay que tener conocimiento y cultura. Sino déjese llevar y no trate de entender. No queda otra opción.