CineOJO

en pausa

2010-05-24T15:43:00.000-06:00

Evelyn Anker: reina de las Scream Queens

2010-04-05T11:20:00.003-06:00

Una chilena en el cine de TERROR

La actriz, que nació en Valparaíso, Chile, era hija de padres ingleses y en la década de los 20 se fue a Inglaterra con su familia. Por los 30 empezó con pequeños papeles en el cine. En la primera parte de su carrera debutó en “Rembrandt” (1936) junto a Charles Laughton, posteriormente se destacó brevemente en “Fire over England (1937), con Laurence Olivier y Vivien Leigh y también en “Bells of St. Mary’s”.

En los años 40 se va a vivir Estados Unidos, donde es contratada en los estudios Universal. Allí donde se consolidó como una destacada “scream queen”, es decir, actrices del cine de terror que gritaban de una manera impresionante cuando aparecía el monstruo, llegando a ser llamada “The Queen of Screamers” por sus alaridos. Su primer film para Universal fue “Hold that ghost” de 1941, con Abbott y Costello.

Después filmó “The wolf man”, en el mismo año, con Lon Chaney Jr., cuando tenía sólo 23 años. Evelyn Ankers volvería a actuar con él en “The ghost of Frankenstein” (1942) y “The frozen ghost” (1945). Hizo más películas como “El hijo de Drácula” (1943) y “La revancha del Hombre Invisible” (1944). Seguiría haciendo este tipo de filmes hasta los años 50.

Dejó Universal en 1945 y trabajó un tiempo como independiente. En los 50 se retiró para dedicarse a ser dueña de casa y madre, después de realizar más de 50 películas entre 1936 y 1960. En algunas ocasiones participó en algunos roles de televisión y diez años más tarde regresó para hacer una película más, “No Greater Love” (1960), con su esposo Richard Denning. Ankers murió en 1985, a los 67 años.

Warner Bros: un libro para recordar su historia

2010-02-11T10:40:00.002-05:00

En 2008 los ejecutivos de la Warner Bros, con motivo de cumplir 80 años, le encargaron a Richard Schickel, crítico de cine y documentalista, realizar un libro sobre la compañía. Su nombre: “Grandes películas de Hollywood: Historia de la Warner Bros. El autor dice: “Veía películas de todos los estudios, pero las Warner me eran más llamativas”…”sus películas hablaban de la clase trabajadora, creo que era un estudio con mayor conciencia social que el resto”.

El libro tiene 480 páginas que recorren la historia del estudio desde el momento en que los cuatro hermanos Warner deciden entrar al negocio del cine, en 1918, hasta la actualidad, realizando una revisión de las películas más importantes como, por ejemplo, “Enemigo público Nª 1, “Casablanca”, “Bonnie and Clyde”, El exorcista”, “La naranja mecánica”, “Todos los hombres del presidente”, “Superman”, “Batman”, “Arma Letal”, “Harry el sucio”, “Harry Potter” o “Los imperdonables” y sus principales estrellas donde destacan James Cagney, Edward G. Robinson y Bette Davis. También ofrece historias, archivos, entrevistas e imágenes inéditas de los clásicos del cine. El autor afirma: “Eran mucho más reales, actores naturalistas que apelaban a las masas, a la clase media, muy a tono con sus propios orígenes en la clase trabajadora”.

Warner Bros. ha producido películas inolvidables en todos los géneros: westerns, comedias, cine negro, musicales, dramas costumbristas o grandes obras de ciencia ficción con destacados directores como Elia Kazan, Robert Altman, Sam Peckinpah, Clint Eastwood o Stanley Kubrick, por ejemplo.

También el autor realizó un documental de cinco horas de duración para conmemorar el aniversario de los estudios. Si usted es un amante del cine, este libro es un imperdible en su biblioteca personal. Una obra de gran belleza visual que deleitará a los amantes del cine de Hollywood.

Invictus

2010-02-01T16:35:00.000-05:00

Un film tosco y grueso

El último film de Clint Eastwood “Invictus” hay que verlo con dos manuales en la mano: una para saber algo de la historia de Sudáfrica y otro sobre rugby, un deporte que por este lado del mundo no es muy conocido. En caso contrario no le será fácil comprender su trama. La película más parece una obra gruesa, sin terminar donde todavía le faltan los detalles al que el director nos tiene acostumbrado. Sin embargo, el trazo fílmico de la historia es siempre firme y el director saca la narración adelante. Igualmente, creo que tiene trabajos mejores.

Para aquellas personas que no saben mucho de Sudáfrica, aparte de la realización del próximo Campeonato Mundial de Fútbol, el filme, basado en hechos reales sobre la base de un guión adaptado del libro “El factor humano”, de John Carlin, relata el período de transición después de que Nelson Mandela saliera de la cárcel y se convirtiera en presidente de Sudáfrica. Poco después, el país celebró el Campeonato del Mundo de Rugby, tras años de ser excluidos de las competiciones debido al apartheid. Esta competencia Mandela (Morgan Freeman) impulsó y utilizó, con la ayuda y complicidad de la estrella de rugby Francois Pienaar (Matt Damon), como recurso para acabar con el odio y la desconfianza entre la población blanca y negra del país. De eso se trata el filme.

Me parece que el director fue poco empático con el público que verá el filme. Cuando se habla de Eastwood como director uno espera siempre más. En este caso se limita a ser correcto como olvidable. Su lenguaje fílmico y la edición no son finos. Me parece que sólo sale adelante por el oficio que le avala y por la brillante actuación de Morgan Freeman.

No comparto las potenciales opciones de premios y la crítica positiva y sumisa. No porque sea Clint Eastwood los especialistas y amantes del cine deban rendirse a sus pies en cada trabajo fílmico que entrega. Si usted quiere verla, documéntese antes para que le sea más fácil comprender este gusto personal del director.

The white ribbon: Michael Haneke

2010-01-20T16:33:00.002-05:00

¿Quién es Michael Haneke? Es el ganador del Globo de Oro con el film “The white ribbon”. Es el cineasta alemán-austríaco del momento y quién realizó la Mejor Película Extranjera en la mencionada premiación. La cinta ya le había dado, también, la Palma de Oro en el Festival de Cannes 2009.

Su propuesta fílmica se basa en un cine que no está dirigido ni a la crítica ni al público. Son películas perturbadoras donde no formula respuestas ni tampoco las cierra con finales felices. No son filmes comerciales y tampoco espera complacer a nadie con su trabajo audiovisual. En sus temáticas se mueve con comodidad por los aspectos más oscuros y reprimidos de la sociedad.

Se inició en el cine, en 1989, con el film “The seventh continent” (la historia de un suicida), en 1992 siguió con “Benny´ s video” (la violencia adolescente), continuando con su gran éxito, galardonado en Cannes, “La profesora de piano” (la tragedia de una mujer controlada). El año 2005 realizó “Caché” (el drama de una pareja) que también fue premiada en Cannes, siguió con “Funny games el año 2007 (de violencia sádica), hasta que realizó “The white ribbon”, la historia de unos niños en un ambiente protestante, rígido y con valores absolutos, que desemboca en la génesis del nazismo. En el filme propone la perversión fanática de un ideal más allá de los límites.

Haneke (1942), es un director que tiene una sólida trayectoria fílmica que justifica los premios obtenidos con este film.

La muerte de Maurice Schérer

2010-01-13T09:28:00.003-05:00

Este señor no tiene teléfono en su casa y nunca manejó un auto. Con 89 años de edad, y sentado en su escritorio, recuerda que pasó la mayor parte de los años 40 haciendo clases en un liceo de provincia francés. Sus preferencias artísticas conceptuales están por el camino en la belleza, el azar, la duda y el amor ligero y también profundo de las parejas. Agudo, modesto y muy interesado en capturar el lado invisible de la realidad.

Piensa en las películas que le marcaron: “El signo del león”, “Mi noche con Maud”, “El rayo verde”, “La dama y el duque”, “Cuento de invierno”, “Comedias y proverbios”, “Cuentos de cuatro estaciones”, entre otras.

Este profesor de letras, con cansancio, se levanta de su escritorio y camina lentamente hacia su dormitorio. Al acostarse recuerda a sus amigos Godard, Truffaut y Chabrol y se duerme. Nunca más despierta. En el sueño se fue a vivir la eternidad. Solitario y sin dramatismo, igual que en el simple final de una película, Maurice Schérer comenzaba a entrar a la historia.

En el mundo del cine fue conocido como fue Eric Rohmer, su nombre artístico, es director de cine y autor de la filmografía más diferente e importante del cine francés (realizó cerca de 50 filmes). Fue crítico (Revue du Cinema y Cahiers du Cinema) y uno de los gestores de la nueva Ola Francesa.

Su cine, realista y natural, lo trabajaba con equipo liviano, pocos colaboradores y actores casi desconocidos. Nunca uso música incidental y sus relatos eran cronológicos, secuenciando un film con otro y con puestas en escena simples y efectivas para contar sus historias de la vida misma.

En el sueño se fue Maurice Schérer “alias” Eric Rohmer, baluarte de la Nueva Ola francesa.

Tecnología y cine 3D

2010-01-07T13:00:00.000-05:00

Tras el estreno del filme “Avatar”, dirigido por James Cameron y que comentamos en un post anterior, el cine 3D ha sellado su consolidación definitiva y de atrás viene la televisión.

Sony anunció en la Consumer Electronic Expo, en Las Vegas, que el próximo decenio será la década del entretenimiento más realista jamás creado, a través de esta tecnología. Como ejemplo, mostraron una canción tocada por Jimmy Hendrix totalmente tridimensional de una serie de conciertos similares que emitirán y también una presentación en vivo de la cantante Taylor Swift, la que fue grabada y trasmitida automáticamente en el nuevo formato.

Sony también anunció una alianza con Discovery Channel Communications e Imax para crear el primer canal de televisión diseñado para exhibir películas sólo en 3D, en el año 2011. Para ello abrirán el primer Centro de Tecnología 3D en California y otro en conjunto con la cadena CBS en Las Vegas: The Sony 3D Experience.

Sony también proveerá contenidos para ESPN que lanzará su propio canal en 3D con el Mundial de Fútbol de Sudáfrica y además planea emitir unos 100 eventos en el formato en el año, entre ellos los X Games y el Tour PGA de Golf. Todo ello podrá ser visto a través de los televisores Bravia 3D y las consolas PS3 que con una actualización podrán mostrar juegos y películas en el nuevo formato.

Y eso no es todo. Panasonic lanzó la primera cámara de mano que graba en 3D. La emisora Direct TV y fabricantes como Samsung también dejaron claro que el centro del entretenimiento del futuro será tridimensional, uniéndose así al fenómeno impulsado por Avatar.

El cine y la televisión serán más fantasía e ilusión que nunca.

Nine

2009-12-09T10:51:00.003-05:00

Un film MUSICAL con grandes estrellas

El filme "NINE" trata de un director de cine en depresión y en plena crisis creativa, tratando de planear su próxima película. Mientras piensa, comienza a recordar sucesos importantes en su vida, y todas las mujeres a las que ha amado y dejado. Es la historia de un hombre y sus mujeres,

Rob Marshall (“Chicago”, “Memorias de una geisha”) es el director de “Nine” la superproducción musical que cuenta con un elenco de destacadas estrellas del cine: Penélope Cruz, Nicole Kidman, Sophia Loren, Marion Cotillard, Daniel Day-Lewis, Judi Dench, Kate Hudson, Stacy Ferguson, La cinta recrea el exitoso montaje estrenado en Broadway en 1982 (el director es representado por Raúl Julia) y está basado en “8 ½”, un filme realizado por Federico Fellini en 1963.

En los estudios Shepperton, en Londres, se recrearon los antiguos estudios romanos de Cinecitta y en su producción se utilizaron más de 350 vestidos, 200 pares de zapatos y 28 personas encargadas del maquillaje, Su productor es Harvey Weinstein (“El paciente inglés”, “Kill Bill”, “Chicago”), la diseñadora de vestuario es Collenn Atwood (“Memorias de una geisha”) y los peinados y maquillaje estuvieron a cargo de Peter Swords King.

“Nine” es un musical que promete por las estrellas participantes y el equipo de realizadores que concretó el ambicioso proyecto.

Avatar

2009-12-02T10:47:00.006-05:00

El esperado retorno de Cameron al CINE-FICCION

En este film la importancia la tiene su director James Cameron por el especial trabajo realizado en su nueva película. Recordemos que este conocido realizador fue quién reinventó los efectos especiales con el humanoide líquido de “Terminator 2”. Ha dirigido también “Aliens”, “Mentiras Verdaderas”, “El secreto del abismo” y “Titanic”. Su experiencia en los efectos especiales para el cine lo ha transformado en un verdadero maestro multimedial. Cada vez va más lejos en sus creaciones cinematográficas.

La cinta, escrita en 1995 por James Cameron, fue ambientada en el mundo de Pandora, donde humanos y alienígenas se enfrentan por la explotación de los recursos naturales. Trata sobre un soldado paralizado que viaja a un mundo habitado por los Na´vi, guerreros de piel azul y cuerpos de aspecto felino. Como ese mundo resulta tóxico para los humanos, los científicos crean versiones genéticamente modificadas de los alienígenas que son como avatares de los humanos y que permanecen enlazados a sus mentes, permitiendo el control a distancia,

La película “Avatar” es una perfecta interacción animada entre imágenes de actores reales y personajes virtuales creados con efectos 3D, en computadores, mostrando un montaje hiperreal. Se demoró quince años en filmarla ya que aún tenía que desarrollar la tecnología que necesitaba para dar forma a lo que pensaba en su proyecto inicial.

El film fue realizado mediante una nueva tecnología digital 3-D, producto de la investigación de la compañía de Cameron y consiste en la mezcla de fotografía cinematográfica tradicional y una técnica muy parecida a la llamada “perfomance-capture”, por medio de la que se crean personajes virtuales que interactúan con personas reales.

Para crear el film que tenía en mente, Cameron, necesitaba nuevas tecnologías de filmación y creación de personajes 3D, Debía construir una cámara ligera y de alta definición para filmar imágenes 3D calibradas. Este dispositivo funciona como dos cámaras en una: cada una capta una perspectiva ligeramente distinta de una escena e imita la forma en que el ojo humano ve el mundo en tres dimensiones. De ese modo la pantalla adquiere una sensación de profundidad perfecta. Los actores se distinguen claramente del fondo y cada ambiente se convierte en una especie de escenario teatral en tres dimensiones. También diseñó una “cámara virtual” de mano que le permitía moverse a través del terreno 3D para crear un ambiente inmersivo, con botones y un computador ajustaba el mundo virtual al ángulo de cámara, tal como un videojuego.

Las cámaras creadas por Cameron capturaron las actuaciones y fueron almacenadas en formato full 3D en un computador que tenía una memoria de 68 terabytes. Los movimientos de los actores fueron registrados gracias a trajes recubiertos por pequeños reflectores. 140 cámaras digitales de alta definición rastreaban los reflejos y enviaban los datos a los computadores que elaboraban los ambientes 3D. Para convertir las imágenes de los actores en alienígenas se utilizó un computador construido con 10.000 procesadores de cuatro núcleos.

Es la cinta en formato 3 D más ambiciosa de la historia del cine. Su presupuesto fue de US$ 300 millones y un 70% del filme tiene efectos generados por un computador. Trabajaron más de 850 expertos en efectos especiales de la empresa Weta Digital. En la preproducción contó con asesores científicos que colaboraron para visualizar como sería la flora y la fauna en un mundo extraterrestre. Además, los alienígenas de la película se diseñaron de acuerdo a un análisis biológico y antropológico que duró seis años de trabajo. También participaron lingüistas y músicos para inventar idiomas, dialectos y canciones tradicionales.

El reparto de la cinta incluye a los actores y actrices Stepehn Lang, Michelle Rodriguez, Sam Worthington, Zoe Saldana, Sigourney Weaver, entre otros. El film ha comenzado su camino para transformarse en un clásico ya que marca un nuevo cambio fundamental en la historia del cine, desde la Guerra de la Galaxias (1977).

El mundo de la ANIMACION 3D

2009-11-19T12:44:00.001-05:00

La animación 3D es una de las técnicas más empleadas y con mayor auge en la industria cinematográfica y televisiva actualmente. En este tipo de animación los elementos, personajes y escenarios se construyen o modelan en 3 dimensiones o ejes. El computador y los software especializados permiten generar toda clase de formas, aplicar todo tipo de características superficiales y efectos especiales, permitiendo expresar ideas y conceptos de manera gráfica por medio de imágenes animadas en movimiento.

En Chile una productora destacada en este tema es Atiempo que ha creado variados films dirigidos a un segmento de público infantil y familiar como “La tortuga taruga” en “El ojo del gato”, “Recorcholis y corchito”, “La cueva de Emiliodon” y “El mundo de lo que está perdido”, que se han exhibido en la televisión de nuestro país. El equipo de realización creativo de la productora, dirigida por Patricio Gamonal, está integrado por directores, guionistas, dibujantes animadores digitales y músicos, entre otros, quiénes dan vida a novedosas y entretenidas películas animadas.

El trabajo que realizan en este tipo de animación, básicamente, consiste en la descripción de los objetos de un modelo 3D a lo largo del tiempo. Para que exista la animación, esa descripción debe variar en algo con respecto al tiempo: movimiento de objetos y cámaras, cambio de luces y formas, etc.

Making Off de una producción de la productora Atiempo

Puede tratarse de una animación que se renderiza en tiempo real cuando se está ejecutando, o una animación que utiliza tres dimensiones pero ya ha sido renderizada previamente, por lo tanto sólo se trata de un video. La principal diferencia entre ambas radica en el momento de renderizado de la animación, es decir, el proceso de convertir las fórmulas matemáticas en imágenes digitales. Se llama rénder al proceso final de generar la imagen o animación a partir de la escena creada. Esto puede ser comparado a tomar una foto o en el caso de la animación, a filmar una escena de la vida real.

Un par de ejemplos de la productora Atiempo

Ver más en Canal de Patricio Gamonal

3D es hoy una de las técnicas de animación más empleadas y con mayor auge en la industria audiovisual digital.

Un recuerdo: La fiesta inolvidable

2009-11-03T15:36:00.001-05:00

Un clásico del cine de COMEDIA

Un actor de origen hindú, Hrundi, es despedido de un rodaje debido a su desastroso comportamiento Por error recibe una invitación a una fiesta organizada por el productor de su última película. Hrundi no conoce a nadie y ante tanta sofisticación social, empezarán a sucederse una interminable sucesión de curiosas y humorísticas situaciones provocadas por él.

Un clásico del cine de comedia protagonizado por Peter Sellers. Fue realizada en 1968 y dirigida por Blake Edwards. Si no la ha visto, véala. A veces la exhiben en el cable. Si le gusta el humor entre sutil y disparatado este film es para usted.

Los estrenos cinematográficos que se vienen

2009-11-03T15:10:00.002-05:00

El diario británico The Times hizo una lista con los filmes más destacados que comenzaremos a ver próximamente. Veamos cuáles son:

“Iron man 2”, dirigida por John Favreau. Con: Rabert Downey Jr., Gwyneth Paltrow y Scarlet Johansson.

“Robin Hood”, dirigida por Ridley Scott. Con: Russell Crowe, Cate Blanchet y Vanessa Redgrave.

“La isla siniestra”, dirigida por Martin Scorsese. Con: Leonardo di Caprio, Ben Kingsley y Mark Ruffalo.

“Harry Potter y las reliquias de la muerte. Parte 1”, dirigida por David Yates. Con: Daniel Radcliffe, Emma Watson y Rupert Grint.

“Toy Story 3”, dirigida por Lee Unkrich.

“Los magníficos”, dirigida por Joe Carnahan. Con: Bradley Cooper, Liam Neeson y Jessica Biel.

“The expendables”, dirigida por Sylvester Stallone. Con Sylvester Stallone, Jason Statham y Jet Li.

“Inception”, dirigida por Christopher Nolan. Con: Leonardo di Caprio, Marion Cotillard y Ellen Page.

“Alicia en el país de las maravillas”, dirigida por Tim Burton. Con: Mia Wasikowska, Johnny Deep y Helena Bonham Carter.

“Eclipse”, dirigida por David Slade. Con: Kristen Stewart , Robert Pattinson y Taylor Lautner.

Como ven muchos directores destacados y actores y actrices famosas componen los elencos técnicos y artísticos, lo que garantiza, a lo menos, calidad de realización. Pero también hay unos remake como: ”Edge of darkness (de serie de la BBC), “Highlander”, “Furia de titanes” y “Red dawn”. También un famoso video juego es llevado al cine “Prince of Persia: The sands of time” y algunas continuaciones como “Sex and the city2” y “Predator”, por nombrar algunos de entre muchos estrenos que se vienen.

Para todos los gustos de los cinéfilos.

Día del Cine en Chile

2009-10-06T13:08:00.003-06:00

Hoy se celebra en Chile el “Día del Cine”. Sea este un momento para recordar a quiénes tanto han aportado. Desde las sombras chinescas en el Oriente y los experimentos visuales de los pioneros Edward Muybridge y sus curiosos experimentos con fotografías en movimiento. Le Prince y J. Etienne Marey perfeccionando el fusil fotográfico, que utilizaba película de celuloide con emulsión, quizás la primera máquina filmadora. O como cuando con un aparato similar al revólver de Janssen, T. Edison y W. K. Laurie Dickson registran sus primeras vistas fotografiadas sobre película sensible de 35 mm., con perforaciones.

Hasta llegar a esa fecha memorable de 1895 cuando se crea el cine con el Cinematógrafo de los Lumière, el Theatrograph de Robert W. Paul, el Vitascope de Edison y el Bioscopio de Max y Emil Skladanowsky, quiénes comienzan a proyectar las primeras películas.

En este día tan especial recordaremos los clásicos del cine, los filmes de los distintos estilos, las películas más controvertidas, los mejores filmes juveniles, las mejores comedias musicales, el cine de terror, de humor,los grandes directores y las estrellas más destacadas.

En más de 100 años miles de películas se han filmado y se seguirán realizando en todo el mundo. Algunas permanecerán como clásicos y otras pasarán al olvido. Nuevos hechos marcarán hitos importantes en la historia cinematográfica. Solo el tiempo determinará el lugar que les corresponde.

En el Día del Cine…un recuerdo.

La tercera edad de dos grandes actrices

2009-09-15T10:30:00.006-06:00

Sophia LOREN y Brigitte BARDOT

Seguramente las generaciones jóvenes de los aficionados al cine no conocen bien a estas dos actrices, pero Sophía Loren (italiana) y Brigitte Bardot (francesa) fueron símbolos femeninos del cine durante los años 50 y 60. Este mes de Septiembre, ambas, cumplen 75 años.

Sophía Loren, inicio su carrera a los 14 años cuando ganó uno de los primeros lugares en un concurso de belleza en Nápoles. Actualmente sigue trabajando en cine y en noviembre de este año estrena “Nine”, un musical de Rob Marshall. Durante su carrera tuvo el apoyo del productor Carlo Ponti, su marido, lo que le permitió trabajar en Cinecittá (Roma) y Hollywood en destacadas películas, como: “Dos mujeres”, (1962) un drama de Vittorio De Sica, por el que la actriz obtuvo un Oscar como Mejor Actriz. También realizó “El Cid” (1961) junto a Charlton Heston. El galán Cary Grant fue su coestrella en “La casa flotante”, realizada en 1958. Otros films: “Variety Lights” (1950), “Quo Vadis” (1951), “Aida” (1953), “Orgullo y pasión” (1957), “Pane, amore e...”(1957), “Cintia” (1958), “Boccaccio '70” (1962), “The fall of the Roman Empire” (1964), “Matrimonio all'italiana” (1964), “Ieri, Oggi e Domani” (1964), “Lady L” (1965), “Operation Crossbow” (1965), “Arabesque” (1966), “Countess from Hong Kong” (1967), “I girasoli” (1969), “El hombre de La Mancha” (1972), “Il viaggio” (1973), “Brief Encounter” (1974), “Pret-a-porter” (1994).

Brigitte Bardot, con formación en el ballet clásico, su físico la convirtió en símbolo de la belleza francesa. Roger Vadim, su primer marido, la dirigió en “Y Dios creó a la mujer” (1956). A los 40 años decidió retirarse de la actuación para dedicarse a los derechos de los animales. Otros films destacados: “Si Don Juan fuera mujer” (1973), “Las petroleras” (1971), “El bulevar del ron” (1971), “Shalako” (1968), “A coeur joie” (1967), “Masculin-Féminin” (1966), “Viva María!” (1965), “Adorable idiota” (1964), “Vida privada” (1962), “Le repos du guerrier” (1962), “Amores célebres” (1961), “La verdad” (1960), “Babette se va a la guerra” (1959). Incluso en su época de mayor fama grabó un par de discos.

Ambas actrices tuvieron una extensa filmografía, con películas importantes en la historia del cine, ya que trabajaron con destacados directores de Norteamérica y de Europa y los más importantes actores de la época. Forman parte de la historia del cine.

Keanu Reeves: de paso por Chile

2009-08-18T13:51:00.001-06:00

Keanu Reeves (44 años) el actor canadiense protagonista de films como "Matrix", “Punto de quiebre”, El día que paralizaron la tierra” y “Máxima velocidad” estuvo en Chile en una corta visita de fin de semana. Viajó a reunirse con el empresario chileno Leonardo Farkas quién sería uno de los productores de su próxima película. Aparte de conversar de negocios fue de paseo a la playa y a la nieve junto al empresario y su familia.

Dawson: Isla 10

2009-08-04T07:52:00.007-06:00

Un nuevo film de MIGUEL LITTIN

Está próxima a estrenarse la nueva película del director chileno Miguel Littin: “Dawson: isla 10”. En mi opinión personal es uno de los tres realizadores chilenos que, para mi, merece ser destacado por la calidad de los trabajos fílmicos que realiza. Los otros son Raúl Ruiz y Silvio Caiozzi. Ellos juegan en las ligas mayores del cine. El resto de los directores chilenos están a años luz de ellos.

Hace algunos años, Littin, fue uno de los profesores que tuve en los “Talleres de Creación Cinematográfica” de Chile Films, a los cuáles yo asistía como alumno. En esos tiempos ya comenzaba a ser destacado por el film “El chacal de Nahueltoro” (1969), que impactó al medio cinematográfico chileno.

Es director de cine, televisión, guionista y también escritor. Fue ganador del Premio Ariel a la mejor dirección 1976, por su filme Actas de Marusia y nominado dos veces en el Festival Internacional de Cine de Cannes como mejor película por sus filmes Actas de Marusia y El recurso del método (1978), y al Oscar 1976 y 1983 como mejor película extranjera, por Actas de Marusia y Alsino y el cóndor, respectivamente.

Su filmografía incluye: Por la tierra ajena (Chile, 1965), El Chacal de Nahueltoro (Chile, 1969), La tierra prometida (Chile, (1971), Compañero presidente (Chile, 1971), Crónica de Tlacotalpan (México, 1976), Actas de Marusia (México, 1976), El recurso del método (Cuba, 1978), La Viuda de Montiel (México, (1979), Acuacultura - Granjas de agua, (1980), Alsino y el cóndor (Nicaragua-México-Costa Rica, 1982), Acta General de Chile, (1986), Sandino (Chile, 1990), Los náufragos (Chile, 1994), Aventureros del fin del mundo, (1998), Tierra del fuego (España, 2000), Crónicas palestinas, (2001), El abanderado, (2002), La última luna (Chile, 2005) y su última realización: Dawson Isla 10 (Chile).

El trailer de “Dawson: isla 10”, un film que promete, garantizado por el oficio de su director.

La película, que busca mezclar política con narración carcelaria, se rodó en la isla Dawson, al sur de Punta Arenas, en Chile. Es protagonizada por el destacado actor chileno Benjamín Vicuña . Otros actores que tienen roles destacados son el famoso Cristián De La Fuente, Luis Dubó y Luis Bravo.

En marzo, la coproducción chileno-española-brasileña obtuvo cinco premios en el Festival de Guadalajara. El film también ya aseguró su participación en la Competencia Oficial del Festival de Cine de Roma, uno de los más importantes de Europa, que se realizará entre el 15 y el 23 de octubre. Este año el jurado será presidido por el cineasta Milos Forman (Atrapado sin salida, Amadeus). Además, está invitada a muchos otros festivales europeos para el resto del año.

Sanfic y una película rumana

2009-07-24T10:37:00.005-06:00

Entre el 18 y 3l 24 de Agosto del 2009 se realizará en Chile el Festival Internacional de Cine de Santiago, SANFIC. Debido a mis lazos culturales con Rumanía voy a mencionar una película que representará a ese país en la muestra cinematográfica. Se trata de “The happiest girl in the world”, realizada por el director rumano Radu Jude.

El film trata de Delia, una humilde joven que viaja junto a sus padres hasta Bucarest, para recibir el auto que ganó en un concurso de una marca de jugos. Ahí deberá soportar la filmación de un anuncio en el que tiene que aparecer feliz, mientras la creciente tensión irá dejando al descubierto la fragilidad de la familia.

El realizador, que ha trabajado en cine y televisión, con su cortometraje “The Tube with a Hat” fue premiado en el pasado Festival de Sundance de 2007 y el Festival Internacional de Cine Documental y Cortometraje de Bilbao, también le concedió el gran premio de su 48ª edición al road-movie de 22 minutos de duración que narra la relación entre un padre y su hijo y se detiene en "la importancia de las pequeñas cosas de la vida".

Recordemos que el cine rumano está destacando por la calidad de sus películas. Hace muy poco tiempo Cristian Mungiu ganó el Festival de Cine de Cannes con el film “4 Months, 3 Weeks and 2 Days”.

Films biográficos que se vienen

2009-07-17T11:02:00.004-06:00

Desde sus inicios el cine se ha preocupado de hacer films con biografías de personajes cuyas vidas generan curiosidad. Es el llamado género “biopic”. Las últimas películas realizadas son las que paso a mencionar a continuación.

“The last station”, una película que gira en torno al final de la vida del escritor León Tolstoi (“La guerra y la paz”), con las actuaciones de Christopher Plummer, Helen Mirren Paul Giamatti. Muestra la ingratitud de sus cercanos, con su esposa y su mejor amigo disputándose su legado y él intentando un destino que nunca llegó. Es dirigida por Michael Hoffman.

“Creation”, este film se basa en un libro que escribió un tataranieto de Charles Darwin. Plantea el problema religioso con su esposa creyente y sus teorías donde este factor no tenía cabida. Interpretada por Paul Bettany y Jennifer Connelly. Dirigida por Jon Amiel.

“Coco Avant Chanel”, recién estrenada en Francia. Cuenta la vida de la diseñadora francesa antes de ser famosa. En el rol principal es representada por Audrey Tautou y en reparto están Benoît Poelvoorde, Alessandro Nivola y Marie Gillain, entre otros. Fue dirigida por Anne Fontaine y ya fue estrenada en Europa.

“The human factor” es la vida de Nelson Mandela, encarnada por Morgan Freeman y dirigida por Clint Eastwood. Se basa en el libro de John Carlin “Playing the enemy: Nelson Mandela and the game that made a nation”. El reparto incluye a Matt Damon, Scott Eastwood.

“Amelia”, la historia de la célebre aviadora norteamericana feminista Amelia Earhart, desaparecida junto a su copiloto mientras intentaba dar la vuelta al mundo. El reparto está integrado por Hilary Swank, Richard Gere, Ewan Mc Gregor y Virginia Madsen. El film fue dirigido por la realizadora india Mira Nair.

Para los que gustan de conocer la vida de los famosos través del cine tienen buenas expectativas en cartelera. Que las disfruten.

El cine…un cuento en una vida

2009-06-18T17:54:00.008-06:00

La otra vez alguien me preguntó que como me gustó esto del cine. Generalmente uno no piensa en eso. Uno trabaja en las opciones que tiene. Obligado a reflexionar, pensé que aunque soy publicista la vida me llevó por el sendero del cine, una vez y muchas otras veces.

Esta historia y relación comenzó cuando vivía en una ciudad de provincia, yo era muy chico y estaba en el colegio, en la primaria, para ser más exacto. En ese entonces había un joven, Manuel, cuya madre tenía un almacén, y él en la parte de atrás del local exhibía películas cortitas, muy artesanales con una proyectora vieja, para los niños del barrio, cobrando una entrada. Ahí llegaba yo, los sábados en la tarde, con los ojos bien abiertos. Lo encontraba fantástico. Alucinantes eran las figuras que se movían. Empecé a mirar como era todo eso y a preguntarle, obviamente.

Quería hacer lo mismo: “pasar películas”. Pedí de regalo una proyectora y mi deseo se cumplió. Tenía dos lentes, uno arriba y otro abajo, y dos movimientos solamente, que se obtenían mediante una manivela. Lo interesante es que las películas tenía que dibujarlas en papel mantequilla. Salía olor a papel caliente y pintura de la proyectora, por la potencia de la ampolleta. Pero no importaba. Eran “mis películas animadas”. Para un niño de 8 años era increíble proyectar dibujos que se movían. Empecé a pedir que me llevaran al cine a ver películas de “verdad”. Todas eran en blanco y negro en esos años. No se me olvidan “El monstruo de la laguna negra” y una película en “tercera dimensión” que se veía con unos lentes especiales, junto a muchas de “cowboys”, con el inolvidable “jovencito de la película”.

Ya un poco más grande recibí una proyectora “casi de verdad”, las películas eran en 8 mm. y en blanco y negro. Igual con manivela y pilas. Pero no importaba. Tenía mi propio cine. Desde esa época no paré más de ir a ver todas las películas que podía. Las buenas y las malas. Era mi principal entretención.

Empecé a estudiar Publicidad en la universidad y paralelamente seguí cursos de cine con los mejores especialistas del país y a leer mucho sobre el tema. Libros y revistas, que aún guardo. Egresé y mi primer trabajo fue en…el Departamento de Cine de la Vicerrectoría de Extensión y Comunicaciones de la Universidad Técnica del Estado (hoy Usach) donde estudié. Que mejor, mi juego de infancia convertido en realidad, yo, en el cine verdadero: era productor de documentales y spots publicitarios…aunque a veces también debía dirigir y escribir guiones, porque había que hacer de todo. La mejor escuela. Esto me permitió, además, realizar dos programas de radio con comentarios de estrenos, organizar muestras de cine-arte y además hacer clases de historia del cine.

Después he seguido ligado a través realización de spots y documentales, cuando la ocasión profesional lo requiere. Ahora, con mi cámara de video digital, sigo pensando en darme el gusto de “hacer algo interesante”, algún día, y lamentando no haber guardadas mis primeras proyectoras. La azul y la ploma. Con manivela.

Sólo soy un publicista que le gusta mucho el cine. Esa es la respuesta a la pregunta.

Un recuerdo de los años setenta.

Nueva Ola francesa

2009-06-18T16:39:00.005-06:00

Un día, hace 50 años…

Los fundadores de la Nueva Ola fueron cinco críticos de la revista Cahiers du Cinéma: Francois Truffaut (1932-1984), Jean-Luc Godard (1930), Eric Rohmer (1920), Claude Chabrol (1930) y Jacques Rivette (1928). También se debe mencionar como fundador a André Bazin, que murió en 1958, a los 40 años de edad. Posteriormente se incorporaron a esta tendencia artística otros directores como Alain Resnais, Louis Malle, Agnés Varda, Jacques Demy, etc.

Este movimiento se sustentaba en el concepto del director como autor de sus películas para, de esa manera, alcanzar el más alto nivel artístico personal. A estos directores les interesaba trabajar el rodaje en las calles de París y con la cámara al hombro. Buscaban obtener un arte visual y un juego de espacio-tiempo en sus creaciones.

La principal inspiración la tuvieron en directores como Alfred Hitchcock, John Ford, Roberto Rosellini, Orson Welles, Jean Renoir, Howard Hawks y Nicholas Ray por su audacia formal y el estilo que utilizaban en sus filmes donde se hacía notar su forma personal de hacer cine. El movimiento, también, tuvo mucha influencia del neorrealismo italiano.

Truffaut y Godard..."amigos y enemigos"

Francois Truffaut realizó a los 27 años “Los cuatrocientos golpes” (estrenado el 4 de Mayo de 1959) y ganó el premio al Mejor Director de Cannes. Junto a él, Godard, que también era líder del movimiento, estrenó su primer film “Sin aliento”, en 1960.

Las actrices y actores que más se identificaron con el movimiento y principalmente con sus directores fueron: Jeanne Moreau (Jules y Jim, 1962), Anna Karina (Una mujer es una mujer, 1961; Vivir su vida, 1962; Pierrot el loco, 1965), Stéphane Audran (Les cousins, 1959; La mujer infiel, 1969), Catherine Deneuve (La sirena del Mississippi, 1968; Los paraguas de Cherburgo (1964), Jean Paul Belmondo (Sin aliento, 1960; Pierrot el loco, 1965) y Jean-Pierre Léaud (Los cuatrocientos golpes, 1959).

Una Nueva Ola que merece ser recordada por su aporte a la historia del cine.

Cannes 2009

2009-05-12T13:32:00.001-06:00

Grandes directores y recuerdos fílmicos

Es una gran oportunidad para ver lo mejor del cine a quiénes tienen la posibilidad de asistir a este gran evento.

En la Competencia Oficial del Festival de Cannes 2009 estará Tarantino con su film bélico y comedia violenta, “Bastardos sin gloria” (Inglourious basterds), con Brad Pitt como el líder de un escuadrón de embrutecidos soldados preparados para liquidar nazis.

Con “Los abrazos rotos”, un drama sobre un hombre obsesionado con su pasado y su viejo amor, es dirigida por Almodóvar y con la actuación estelar de Penélope Cruz, También en la lista de figuras está el controvertido danés Lars von Trier, con su cinta de horror “Anticristo”, donde una pareja se refugia en un bosque, tras la muerte de su hijo y descubre la existencia del demonio.

El inglés Ken Loach, (ganador de Cannes el año 2006), presenta la comedia “Looking for Eric” y desde Estados Unidos llega “Taking Woodstock”, film de Ang Lee sobre los creadores del Festival de Woodstock.

Francia, con Alain Resnais, sobreviviente de la Nueva Ola, (86 años) presenta la comedia “Les herbes folles”. Por su parte, la neozelandesa Jane Campion, que ganó Cannes con “La lección de piano”, compite con “Bright star”, biografía del poeta John Keats.

Curiosamente, la última película de Francis Ford Coppola “Tetro” se exhibirá en la Quincena de Realizadores, dedicada al cine de la periferia, quién prefirió estar ahí con su cinta. Fuera de competencia se exhibe la película “The imaginarium of doctor Parnassus”. Se trata de lo nuevo de Terry Gilliam (“Brazil”, “Doce monos”), con la actuación final de Heath Ledger, quien murió durante el rodaje.

Martin Scorsese se encargará de presentar clásicos restaurados, maravillosas películas como “La aventura” de Michelangelo Antonioni, “Los zapatos rojos”, de Michael Powell y Emeric Pressburger, “Pierrot le fou”, de Jean-Luc Godard, “Senso”, de Luchino Visconti, y “Erase una vez la revolución”, de Sergio Leone. También se incluyen a directores como Visconti, Jacques Tati y Joseph Losey.

Mucho que ver y de lo bueno en Cannes 2009.

Cine en su casa

2009-05-07T09:15:00.002-06:00

El cine está más cerca de las personas, en su propia casa, a través de un DVD o el computador. Los hábitos cinematográficos están cambiando. Ya no es necesario ir a una sala de cine para ver los films que uno quiere. Por ejemplo, la Warner (www.warnerarchive.com), previo pago de una pequeña suma, pondrá a disposición de los cinéfilos su colección de clásicos y las opciones que ofrece son el envío de un DVD o la descarga en el computador. En Chile, el escritor y cineasta Alberto Fuguet pondrá su propia sala digital. A fines de mes lanzará el sitio www.cinepata.com desde donde se podrán bajar gratis producciones latinoamericanas de calidad comprobada para ver en el computador, el autor comenzará con sus trabajos personales hasta ir ampliando su oferta fílmica.

Para los que nos gusta el cine, poder ver las películas antiguas o nuevas, que queramos, en el PC es una gran oportunidad. Le recomiendo comenzar por el cine clásico, especialmente la producción europea y lo mejor del cine norteamericano.

El tiempo pasa para todos

2009-04-17T06:44:00.005-06:00

El cine es fantasía, sueños y nostágicas imágenes que quedan en la retina del espectador. Sus actores, llamados antiguamente “el jovencito de la película”, representan una imagen idealizada para muchos, pero son seres humanos como cualquier persona. En la vida real dejan de ser leyenda porque...el tiempo pasa para todos.

Eric Rohmer

2009-04-16T11:09:00.003-06:00

Sesenta años de cine

Me gusta el cine francés. Películas que fluyen con naturalidad y casi al ritmo de la vida misma. Prefiero una película bien contada, un relato clásico, sutil y según la gramática visual de los directores fundadores del cine. Un ejemplo de esta forma de hacer cine es Eric Rohmer, un gran director francés, de 89 años de edad. Es uno de los fundadores y sobreviviente del movimiento la Nueva Ola Francesa. Sus historias fílmicas tratan sobre dilemas morales, del comportamiento de las personas en sus relaciones afectivas, con puestas en escena relacionadas a referencias pictóricas y de diseño cromático. Sin efectos especiales ni música. Porque la vida es así, refleja en su cine un arte de la realidad.

Dice el director: “el cuento moral es una historia que no trata tanto de lo que hacen las personas como de lo que sucede en sus mentes cuando lo hacen. Un cine de pensamiento más que de acción”

Si le interesa ver alguno de sus films, puedo mencionar los siguientes títulos: “Mi noche con Maud”, “La rodilla de Clara”, “La buena boda”, “Paulina en la playa”, “El amigo de mi amiga”, Tres romances en París”, “Seis cuentos morales”, “Comedias y proverbios” y “Cuentos de las cuatro estaciones”, entre otras de su extensa filmografía.

También a realizado cortometrajes como:” Charlotte et son steak”, “La panadera de Monceau”, “La carrera de Suzanne” y “Nadja en París” y documentales: “Eric Rohmer, prueba en mano”, “La fábrica del cuento de verano”

Un maestro del relato cinematográfico clásico.

Escenas de “Mi noche con Maud” (1969)

Clint Eastwood

2009-04-13T09:53:00.001-06:00

En la galería de los grandes DIRECTORES, además de ser un gran ACTOR.

Del destacado actor y director he visto casi todos sus films. Ahora me tocó ver a sus dos últimas películas: “El sustituto” y “Gran Torino”. Ambas de gran factura. Para muchos Clint Eastwood es conocido principalmente como actor, pero su labor como director es muy vasta y de gran calidad. Tiene oficio y talento como realizador y gran capacidad interpretativa. Por otra parte, es músico, pianista, desde su juventud y compone música para sus films.

Casi todos los famosos actores que han trabajado con él han destacado sus grandes capacidades para desarrollar un trabajo armónico y de excelentes relaciones con ellos, además de un gran dominio del set, de la realización misma y sobre todo de la forma como va elaborando las historias fílmicas con ellos. Lo admiran.

Entre sus primeras películas, figuran títulos como "Francis in the navy" (1955), "Lady Godiva" (1955), "Tarántula" (1955) y "The first traveling saleslady" (1956). Arthur Lubin, es el director con el que más trabajó en estas primeras y cortas apariciones en el cine de Hollywood.

En 1959 alcanzaría popularidad con el personaje de Rowdy Yates, protagonista de "Rawhide", una serie de televisión del oeste que permanecería durante siete años en pantalla.

Logró fama definitiva como actor en los años 60 gracias a su trabajo con el director italiano Sergio Leone en los conocidos “spaghetti western”: "Por un puñado de dólares" (1964), "La muerte tenía un precio" (1965) y "El bueno, el feo y el malo" (1966), tres excelentes películas que lo convirtieron en uno de los actores más populares.

A finales de los años 60 filmó "La jungla humana" (1968), "Dos mulas y una mujer" (1969), "La leyenda de la ciudad sin nombre" (1969), "Los violentos de Kelly" (1970). Siguió con "Harry el sucio" (1971), "El seductor" (1971), "Joe Kidd" (1972), "Harry el fuerte" (1973), “Un botín de 500.000 dólares" (1974), "Harry el ejecutor" (1976), “Duro de pelar" (1978), "Fuga de Alcatraz" (1979), "La gran pelea" (1980) "Ciudad muy caliente" (1984) "En la cuerda floja" (1984) y "La lista negra" (1988).

En 1971, Clint Eastwood pasaría a la dirección, debutando con la "Escalofrío en la noche" (1971), a la que siguieron en los años 70 con "Infierno de cobardes" (1972), "El fuera de la ley" (1976) y "Ruta suicida" (1977), Se agregan "Bronco Billy" (1980), "El aventurero de medianoche" (1982), "Firefox, el arma definitiva" (1982),"Impacto súbito" (1983), "El jinete pálido" (1985), "El sargento de hierro" (1986),

Su destacada filmografía como director se vio acrecentada con "Cazador blanco, corazón negro" (1990), "Bird" (1988) y "Sin perdón" (1992). Algunos de sus más importantes estrenos en los noventa, ya sea como actor o director, han sido "En la linea de fuego" (1993), "Un mundo perfecto" (1993), "Los puentes de Madison" (1995), "Medianoche en el jardín del bien y del mal" (1997), "Space cowboys" (2000), "Mystic River" (2003) y "Million Dollar Baby" (2004). También dirigió "Banderas de nuestros padres" (2006) y "Cartas desde Iwo Jima" (2006),

Por "Mystic River" recibió una nominación al Oscar como mejor director mientras que por “Unforgiven” y por "Million Dollar Baby" fue galardonado con el Oscar como mejor director y mejor película y el Globo de Oro como mejor director.

Para diciembre de este año tiene previsto estrenar “The Human Factor”, basada en la vida de Nelson Mandela. A sus 79 años (nació el 31 de mayo de 1930) Clint Eastwood no se detiene. Un ejemplo en todo sentido.

Slumdog Millionaire: Perro callejero millonario

2009-03-24T15:15:00.001-06:00

¿Quién quiere ser millonario?

Vi este film con dudas y con curiosidad y para saber porque razón había ganado tantos premios. El argumento de la película, filmada en la India, y bajo la dirección de Danny Boyle es simple, narra la historia de un niño pobre de los barrios bajos que participa y llega al final del conocido concurso televisivo “¿Quién quiere ser millonario?, lo que provoca su detención por sospecha de estar haciendo trampas.

El film ganó premio en el Festival Internacional de Cine de Toronto, y fue galardoneada por la Asociación de Críticos Norteamericanos como mejor película del año. Fue la más premiada en la 66.ª entrega de los Globos de Oro y en la entrega de los Óscar consiguió ocho estatuillas de las diez a las que estaba nominada incluyendo los dos premios más importantes: a la mejor película, y al mejor director.

Es una película de contrastes. Lo más interesante es su propuesta visual, la manera de estructurar el guión para contar una historia que podría haber sido un relato lineal pero no lo fue. Ese es su principal mérito. La mezcla alternadamente del concurso con las historias que vivió el protagonista y que le hacen recordar las respuestas permiten al propio espectador ir armando la narración en base a las secuencias propuestas por el director en base a emociones. El tratamiento cerrado de los planos configura una estética emocional intensa e interna que apoyada por iluminación y color de contrastes, crea la atmósfera necesaria para incentivar las percepciones visuales.

Después de verla igual me quedó la duda si el film es tan espectacular como para ganarse tantos premios, reconociendo, firmemente, que la idea central es excelente. Creo que después de recibir tantos impactos a la mente, se necesita un instante de reflexión para precisar sus merecimientos técnicos. Dejar de lado escenas brutales e impactantes presentadas en un delirante montaje y un torrente interminable de color, sonido, música y movimiento y buscar si realmente tiene los merecimientos que le acreditan.

Mientras tanto, creo que no. Es una película bien ejecutada en base a un buen guión de una mejor idea.

Tullio Pinelli: la “plumilla de oro”

2009-03-09T08:34:00.004-05:00

Era el decano de los GUIONISTAS del cine italiano

Entrevista año 2006

Después de más de 40 años de profesión, a los 100 años falleció el talentoso y creativo guionista Tullio Pinelli, co-escritor de los films más famosos de Federico Fellini como “La Strada”, “La dolce vita”, “Ocho y medio”, “Las noches de Cabiria”, “Julieta de los espíritus”, “Ginger y Fred”, entre otras. Su talento, maestro del realismo poético, lo convirtió en uno de los guionistas más talentosos y agudos del cine posterior a la Segunda Guerra Mundial por la forma que tenía de retratar la idiosincracia italiana. Pinelli creó imágenes de una sociedad en plena evolución con sus guiones acerca del fascismo, la guerra, las esperanzas de los años sesenta o las miserias de la vulgaridad televisiva.

Además de guiones cinematográficos, Pinelli escribió obras teatrales, programas radiales y la novela “La casa de Robespiere”.

Con Fellini se conocieron en los famosos estudios cinematográficos Cinecittà de Roma, en los que ambos comenzaron a trabajar a mediados de los cuarenta. Con el loco talento de ambos elaboraron un curioso método de trabajo, mientras el director evocaba imágenes y dictaba en voz alta, Pinelli anotaba y daba forma y orden a esas visiones.

Si bien era parte del equipo de Fellini, estuvo involucrado con prácticamente todos los directores importantes de Italia como Pietro Germi, Alberto Lattuada, Roberto Rossellini, Michelangelo Antonioni, Vittorio de Sica, Mario Monicelli, etc.

Ha muerto la “plumilla de oro”, uno de los últimos protagonistas de la época de oro del cine italiano.

Dos valiosas pérdidas

2009-01-16T06:51:00.005-05:00

Muere el actor RICARDO MONTALBÁN y ETTORE SCOLA se retira del cine

Ricardo Montalbán fue de los primeros en abrir espacios para los latinos en el cine de Hollywood. Desde México, en 1946, siendo un reconocido y famoso actor en su país, se fue a la ciudad del cine decidido a convertirse en estrella. Y lo logró con creces.

Es recordado como “el señor Roarke” por su participación en la serie de televisión “La isla de la fantasía”, que estuvo en pantalla entre 1978 y 1984, pero el actor también trabajó en muchos filmes con destacadas figuras del cine norteamericano: “Fiesta” (1947), “On an island with you” (1948), “La hija de Neptuno” (1949), “Across the white Missouri” (1951), “Sayonara” (1957), “Madame X” (1966), “Star trek” (1982). “Spy Kids 3-D” (2003) fue su última aparición en el cine. Ya estaba en silla de ruedas.

En 1978 ganó un Emmy por su actuación en “Como se ganó el Oeste”. En 1994 recibió un premio del Sindicato de Actores por su carrera como actor de cine y televisión.

Falleció a los 88 años de edad.

Ettore Scola, el legendario director italiano de 77 años, que desde 1964 realizó 39 películas, no tiene intenciones de seguir filmando. Dice al diario italiano La Reppublica: “Me di cuenta de que en la situación actual hacer una película común con un principio, un desarrollo y un final no tiene sentido. Prefiero gozarme la vejez”. Entre sus obras destacadas están “Un día muy particular” (1977) y “Nos habíamos amado tanto” (1974), “El demonio de los celos” (1969), “Una mujer y tres hombres” (1974). “Brutos, sucios y malos” (1976), “La terraza” (1980), “La familia” (1986). Trabajó con los mejores actores italianos.

Su último filme, que dirigió y escribió es “Gente de Roma” en el 2003.

Una mujer partida en dos (La fille coupée en deux)

2008-12-19T12:31:00.003-05:00

Claude Chabrol: su nuevo filme

Se estrena un nuevo trabajo fílmico: “Una mujer partida en dos”. Su temática trata de una joven que trabaja leyendo el tiempo en un canal de televisión. Una mujer simpática y muy introspectiva. A su vida llega el amor de dos hombres que la pretenden. Uno es un escritor ya mayor, casado; el otro es un joven millonario que se ha encaprichado con ella.

Ficha

Director: Claude Chabrol
País: Francia /Alemania (2007)
Elenco: Ludivine Sagnier (Gabrielle Deneige), Benoit Magimel (Paul Claude Gaudens), Francois Berléand (Charles Denis), Mathilda May (Capucine Jamet), Caroline Sihol (Genevieve Gaudens), Marie Bunel (Marie Deneige).

Pero lo importante no es la historia del filme, sino que el realizador del filme: Claude Chabrol un destacado director, actor, productor y guionista.

Este director parisino es uno de los precursores del movimiento francés Nouvelle vague (La nueva ola). Su larga carrera fílmica oficial empezó a fines de los 50 y hoy, con sus 78 años, aún continúa creando. Su primer acercamiento al mundo del cine fue a través de la revista Les Cahiers du cinéma, en la que participó como colaborador y crítico.

Para quiénes no conocen este movimiento, la Nouvelle vague (Nueva ola) es la denominación que se utilizó para designar a un nuevo grupo de cineastas franceses surgido a finales de la década de 1950. Estos realizadores reaccionaron contra las estructuras que el cine francés tenía en ese momento y postulaban como máxima aspiración la libertad de expresión artística y también libertad técnica en el campo de la producción fílmica.

El nombre surge cuando muchos de los críticos y escritores de la revista especializada "Cahiers du Cinéma" (Cuadernos de Cine) (fundada en 1951 por André Bazin) deciden incursionar en la dirección de filmes. Esos guionistas eran François Truffaut, Jean-Luc Godard, Jacques Rivette, Eric Rohmer o Claude Chabrol, y sobre todos ellos su precursor Jean Pierre Melville

Claude Chabrol ha puesto la casi totalidad de su producción entre las películas más negras de la historia del cine e impuesto el resurgir de un género basado en la dramaturgia. De retratar, autorretratándose, a la burguesfa, clase social a la que pertenece y con la que mantiene una relación de amor-odio. Chabrol es un poeta fílmico empeñado en plasmar su visión tremendista de la burguesía.

Entre sus filmes mas destacados están: Doctor Casanova (1942), El bello Sergio (1957), Una doble vida (1958), Los primos (1959), La mujer infiel (1968), Asunto de mujeres (1988), La ceremonia (1995), La flor del mal (2002), La dama de honor (2006), entre muchas otras.

Chabrol es un clásico del cine francés y mundial.

Cine chileno: estrenos que nadie ve

2008-10-24T13:48:00.001-05:00

Muchas filmaciones...poca calidad

Este año 2008 serán 24 las películas chilenas que se estrenarán, La cantidad total de espectadores llega 700.000 personas. Muy poco para tanta producción. Por ejemplo: el film “199 recetas para ser feliz”, del director Andrés Waissbluth, duró una semana en cartelera al igual que “Desierto Sur”, de Shawn Garry.

Al público chileno no le interesa ver realizaciones nacionales. A mi tampoco. Pero si estoy dispuesto a ir al cine a ver películas de calidad. Yo creo que la falta de motivación del público la están creando los mismos directores con la calidad de sus trabajos. Historias sin interés. Guiones malos. Dirección regular. Demasiados localistas, por no decir pueblerinas, para un mundo globalizado.

Pude ver una película chilena en el cable, lo que significa compararla con otras producciones internacionales, y se notaba demasiado el nivel regular y eso que había sido unas de las mejores en el país. Por lo demás, los comentaristas de cine realizan su análisis de un estreno chileno desde una perspectiva patriótica: “digamos cosas buenas porque es un esfuerzo nacional”. Yo lo vi y escuché en la televisión. Así como. Ni crítica ni auto crítica.

Obviamente que los directores le echan la culpa a cualquier cosa menos al producto que están entregando a los aficionados al cine: a la distribución, que va menos gente al cine, que el cine es un poco anticuado, que las producciones extranjeras tienen mucho marketing, que no se le ha dado mucha difusión al cine chileno o que los costos son muy altos. Pero, de la calidad de lo que hacen, dicen nada.

Aunque como dijo alguien: “estamos haciendo grandes películas que no están llegando a la gente, porque no tenemos un lugar donde protegerlas y que tengan su justo espacio. No tenemos porque sucumbir ante las leyes comerciales” (Cristina Littin. Revista Glamorama).

En mi opinión, una buena película siempre llega a la gente y tiene su espacio asegurado. Y si a alguien no le gusta el marketing o promociona mal su film, difícilmente alcanzará a las audiencias.

No sólo con entusiasmo se alcanza el éxito.

Osamu Tezuca

2008-09-29T16:57:00.003-06:00

El gran creador de ANIMÉ

Se celebran los 80 años del nacimiento del dibujante japonés Osamu Tezuca que falleció a los 60 años (1928-1989), después de crear más de 60 películas y 700 comics.

Su legado artístico es celebrado en todo el mundo. En el Festival Internacional de Cine de Tokio (18 al 26 de Octubre 2008) se realizará una muestra que contempla la exhibición de algunos de los trabajos más conocidos y sus otras creaciones experimentales del artista. El Museo de Manga Osamu Tezuca, que está ubicado en Takarazuca, en Japón realizará exhibiciones especiales. También se lanzará una revista con su nombre y con material inédito.

Tezuca es el creador, entre muchas otras, de Astroboy y el film Marine Express (1979), la Princesa caballero (la primera serie animé para niñas) y Kimba, el león blanco. También realizó Cuentos de la esquina de la calle, en 1962 y Película rota (1985) que satiriza las antiguas películas mudas norteamericanas.

Paul Newman: un recuerdo

2008-09-29T11:14:00.002-06:00

En las PALABRAS de sus colegas y conocidos

Robert Redford, actor: “Hay un punto en el que los sentimientos van más allá de las palabras. He perdido a un verdadero amigo. Su presencia mejoró mi vida y a este país”.

George Clooney, actor: “Dejó un estándar increíblemente alto para todos nosotros. No sólo para los actores, sino para todos. Ha dejado un gran vacío”.

Arnold Schwarzenegger, actor: “Fue el último gran tipo al que todos los hombres querían parecerse y las mujeres lo adoraban. Fue un ícono estadounidense, un brillante actor, un hombre renacentista y un generoso pero modesto filántropo”.

Meryl Streep, actriz: “Tuvo una vida de la que puede estar orgulloso, por su familia, por su compromiso benéfico. Lo echaré de menos, le echaremos de menos todos, no había nadie como él”.

Pauline Kaen, crítica de cine: “Newman es una estrella en el modo que Bogart fue. Su rango no es enorme…no puede hacer los clásicos. Pero cuando un rol es el correcto para él, no tiene paralelo”.

Roger Ebert, crítico de cine: “No se encerró ni se autoprotegió como muchas de otras estrellas, no parecía muy impresionado consigo mismo. El tipo de sentido de accesibilidad a la que responde el público”.

Sally Field, actriz: “Fue una bendición haberlo conocido. El mundo es mejor gracias a él”

Bill y Hillary Clinton, políticos: “Paul fue un ícono estadounidense, un filántropo y un campeón para los niños. Extrañaremos a nuestro querido amigo cuyo constante apoyo significó el mundo para nosotros”.

Julia Roberts, actriz: “Él era mi héroe”.

Daniel Craig, actor: “Fue uno de los más grandes actores del cine de todos los tiempos y un hombre bello. Creo que acabó una era”.

Martin Scorsese, director de cine: “Deja un gran vacío. Es impensable una historia del cine sin Paul Newman”.

Y para los amantes del cine quedan sus películas más destacadas para recordarlo: El estigma del arroyo (1956), Una gata sobre el tejado caliente (1958), Exodo (1960), El audaz (1961), Hud, el indomable (1963), Cortina rasgada (1966), La leyenda del indomable (1967), Butch Cassidy y The Sundance Kid (1969), Ases del volante (1969). El golpe (1973), Quinteto (1979), Ausencia de malicia (1981), El veredicto (1982), El color del dinero (1986), Sr y Sra Bridge (1990) El gran salto (1994), Las cosas de la vida (1994), Camino a la perdición (2002), Empire falls (2005) y su última cinta: Cars (2006).

La iluminación en el cine

2008-09-03T10:23:00.001-06:00

Pintando con LUZ

Para lograr una buena película existen ciertos recursos técnico-artísticos que son esenciales, aparte del talento del director y de trabajar con actores de gran calidad interpretativa. Es necesario contar con un guionista talentoso y creativo, un editor de alto nivel, porque la película se arma en la sala de compaginación y un excelente director de fotografía para crear los ambientes.

El cine es fotografía en movimiento, por lo tanto, una buena iluminación de las escenas es fundamental para lograr la ambientación expresiva y estética que se necesita. Es la luz la que crea la atmósfera, los climas como, por ejemplo, los momentos de terror o emoción que vemos en la pantalla. Las luces constituyen después de la cámara, el segundo elemento creador de la expresividad de la imagen. En los primeros años del cine la iluminación era el único efecto especial que transformaba escenarios, vestuario y actores en la expresión que deseaba el director.

Saber iluminar es un arte. Pintar con luz es como imaginar un cuadro. Dos ejemplos del gran director Ingmar Bergman donde se conjugan magistralmente todos los elementos mencionado. Los films son Gritos y susurros y el Séptimo sello.

Tres actores: tres voces

2008-09-03T10:20:00.002-06:00

Tres actores que destacaron por la calidad de sus voces: Anthony Quinn, Jean Gabin y Telly Savalas.

Paul Newman

2008-08-11T16:37:00.002-06:00

El color de la VIDA…

El legendario actor, protagonista de films clásicos como “Butch Cassidy & Sundance Kid, “El golpe” y “El color del dinero” (ganó el Oscar en 1987), está muy enfermo. Tiene 83 años y como los tratamientos para combatir un cáncer no han tenido resultados, la estrella de cine ha abandonado el hospital ya que desea pasar el tiempo en su casa.

Los que lo conocen, han dicho que Newman es un hombre solitario. De una vida muy privada. Sólo tiene un grupo muy selecto de amigos con los que se relaciona y que son muy protectores con él. Para mantener su privacidad el actor se oculta del acoso de los seguidores en la calle usando gorras, grandes lentes oscuros e incluso barbas postizas.

Dentro de sus otras actividades están las carreras autos, incluso hasta hace muy poco aún participaba en competencias, sus negocios de aliños y salsas preparadas y los campamentos para niños. Hace 50 años que está casado con la actriz Joanne Woodward con quién tiene cinco hijas.

Un gran actor y legendaria figura del cine norteamericano lucha por su vida.

Juegos Olímpicos de Beijing y Zhang Yimou

2008-08-11T11:15:00.001-06:00

El director de cine y fotógrafo chino Zhang Yimou, que ha sido nominado a cuatro premios Oscar, es el responsable de la espectacular ceremonia inaugural de los Juegos Olímpicos de Bejing 2008. Resulta obvio que la puesta en escena que produjo haya sido tan visual e impactante. El oficio en la dirección de películas y su capacidad para “pensar y ver en imágenes” dieron como resultado el magno espectáculo que todo el mundo pudo apreciar por televisión.

Zhang Yimou, se hizo conocido en 1987, al debutar con “Sorgo rojo”, en el cual aparecía su actriz fetiche Gong Li, con la cual Yimou dio inicio a una fructífera relación profesional, además de convertirse en su pareja sentimental. La película ganaría el Oso de Oro en el Festival de Berlín.

Ha dirigido más de una docena de films, algunos de la calidad de “Héroe” (que postuló a un Oscar), también “La casa de las dagas voladoras”, “La linterna roja”, “Esposas y concubinas” (León de Oro de Venecia), “La maldición de la flor dorada”. Con “Vivir”, realizada en 1994, ganó en Cannes.

Su trabajo visual en el cine y en el espectáculo olímpico son una maravilla de talento.

“Los debutantes” y el cine on line para todos

2008-08-07T14:44:00.002-06:00

El film chileno “Los debutantes”, del director Andrés Waissbluth, está disponible para ser visto en forma gratuita en la siguiente dirección: www.losdebutantes.cl.

El trailer

Por otra parte, a quiénes les interese ver más cine chileno por la red, puede entrar al portal www.arcoiris.tv donde encontrará otras cintas nacionales. Es una asociación entre el Consejo Nacional de la Cultura y la compañía italiana TV Arcoiris. Este portal cuenta con más de 12.000 videos en línea. (Está en italiano)

El portal www.archive.org también cuenta con material cinematográfico clásico gratuito, en formato digital. (Esta en inglés)

Para todos los seguidores del cine es una buena oportunidad para volver a ver el buen cine.

Georges Melies

2008-07-15T10:41:00.003-06:00

Hace 70 años murió el MAGO e ILUSIONISTA del cine

El cine es magia, fantasía e ilusión y su gran maestro fue el francés Georges Melies, un multifacético personajes que nació el 8 de diciembre de 1861 y murió el 21 de enero de 1938. Entre los años 1896 y 1913 realizó más de 170 cortos y mediometrajes. Sus films mas destacados y conocidos son: “Viaje a la luna” (1902), que inaugura el género de la ciencia ficción y que legó a la historia del cine el rostro de la Luna con un cohete estrellado en uno de sus ojos y que se ve en la presentación de este blog; “A la conquista del Polo” (1912), “Viaje a través de lo imposible” (1904), “Las cartas vivientes” (1904).

Melies, director del Teatro Houdini, fue autor, actor, decorador, realizador, mimo, titiritero, mago, presentador. Un hombre familiarizado con los espectáculos de feria, las pantomimas, el circo y el music hall. Mezcló sus conocimientos del espectáculo con la cinematografía transformándola en una fantástica fantasía visual.

Su curiosidad le llevó a comprar un proyector en Londres y en poco tiempo ya exhibía películas y posteriormente comenzó a hacerlas él mismo. En marzo de 1897 construyó el primer estudio de cine: Film Star

Aunque sus primeros cortos eran realistas o de actualidad en el lugar de los hechos, fue el pionero de los trucos cinematográficos en la pantalla: explosiones, doble impresiones, desaparecimientos, fundidos, impresiones múltiples en una misma cinta, cambios de tamaño de los personajes, fondos móviles, caminatas en las paredes…todo lo que su imaginación le indicaba Melies lo llevaba a la pantalla. También utilizó los recursos del teatro: guión, vestuario, maquillaje, escenografía, tramoya, división en escenas y actos, recursos aún vigentes en el cine actual.

En 1928 fue descubierto por el director de Ciné-Journal, vendiendo golosinas y juguetes en un puesto de la estación de Montparnasse. Su fallecimiento ocurrió en el hospital Leopol-Bellan de Paris. A su entierro solo acudieron dos cineastas conocidos: René Clair y Alberto Cavalcanti.

"Viaje a la luna"

CHILE: locaciones para el cine

2008-06-25T14:56:00.002-06:00

Chile se está convirtiendo en un excelente lugar para filmar spots publicitarios y películas. Es un negocio emergente para nuestro país. En Mayo ya estuvieron filmando en el norte para la última película de James Bond. Junto al desierto destacan, como locaciones, los glaciares del sur, la nieve, la ciudad de Valparaíso y el centro de Santiago.

Además de un entorno propicio en los variados paisajes, parecidos a los europeos, los productores extranjeros eligen Chile porque se hace un trabajo de calidad, al mejor nivel profesional y los costos de casting y arriendo de equipos son bastante más baratos.

Chile ya está mostrando sus locaciones en ferias internacionales y pronto se integrará a la Association of Film Comissioners Internacional.

Dino Risi

2008-06-10T08:31:00.002-06:00

El MAESTRO de la comedia italiana

Los grandes directores nos están dejando, pero su legado queda con su obra fílmica. Nombrar a Dino Risi es mencionar a un clásico italiano de 1962 “Il sorpasso” (La escapada). El maestro de la comedia italiana, que estuvo nominado al Oscar, combinaba el humor y lo trágico con su ironía a los defectos de la gente. Profesional de la sátira por excelencia.

Estudio psiquiatría y ejerció su profesión médica hasta su primer contacto con el mundo del cine a comienzos de los años 40. Recibió un curso de cine del director Jacques Feyder. Abandonó la medicina y comenzó a filmar cortos y películas documentales durante toda la segunda mitad de la década de los 40. Al mismo tiempo escribía artículos cinematográficos.

Trabajó con los mejores actores italianos y llegó a realizar cincuenta películas. Debutó en el cine en 1952 con “Vacanze col gangster” (Bud Spencer y Terence Hill)Realizó, siguió con “El signo de Venus” (1955), con Sophia Loren, Vittorio de Sica, Franca Valeri y Raf Vallone, “Pan, amor y…” (1955), “Poveri ma belli” (1956), con Maria Allasio y Renato Salvatori, “Bella ma povere” (1957), “Sabela” (1957), con Tina Pica y Sylva Koscina, “Venecia, la luna y tú” (1958), con Alberto Sordi y Maria Allasio, “Pobre y millonario” (1959), con Renato Salvatori, “Il Vedovo” (1959), con Alberto Sordi y Franca Valeri.

Algunas escenas de “Il sorpasso” (La escapada)

En 1960 realiza “El estafador” (1960), “La escapada” (1962), destacado film con Vittorio Gassman, Jean-Louis Trintignant y Alberto Sordi, “Un tigre en la red” (1967), con Ann-Margret y Eleanor Parker, “El profeta” (1968), con Vittorio Gassman y Ann-Margret, “En nombre del pueblo italiano” (1971), con Ugo Tognazzi, “Perfume de mujer” (1974), co-protagonizado por Agostina Belli y Alessandro Momo, que fue nominada al Oscar como mejor película extranjera, al mismo tiempo que recibía una nominación como mejor guión adaptado, de una novela de Giovanni Arpino.
Marcello Mastroianni hizo pareja con Sophia Loren en “La mujer del cura” (1971), Oliver Reed y Carole Andre en “Sábado inesperado” (1973) y Romy Schneider en “Fantasma de amor” (1981).
Sus últimas películas fueron “Dagobertus” (1984), con Coluche, Ugo Tognazzi, Carole Bouquet y Michel Serrault como protagonistas principales, y “No molestes más” (1990), con Dominique Sanda.

La canción más recordada del film: “Guarda come dondolo” con Edoardo Vianello

Superman

2008-06-03T17:33:00.010-06:00

Celebra aniversario número 70 de su primera aparición en un cómic.

Leer comics o historietas de cowboys y supehéroes y asistir al cine formaron parte de mi vida infantil. Seguidor ávido de cada uno de estos medios me sirvieron para internalizar conocimientos que más tarde me servirían para mi profesión. Con las historietas se aprende a escribir guiones visuales y con el cine a pensar en imágenes. Dentro de esos personajes vistos, reconocidos e importantes en la infancia estaba Superman. Este es un compacto de su historia filmica.

Jerry Siegel y Joe Shuster crearon el uno de junio de 1938, en la revista Actions Comics, un personaje llamado Superman,. Shuster fue el primero que lo dibujó, pero la idea fue de Siegel. Ambos crearon al personaje de cómic más famoso de todos los tiempos, que llegaría a ser protagonista de películas tan famosas. Los Superman Comics fueron la cuna del nacimiento del héroe más poderoso del mundo.

Cuando a Jerry se le ocurrió la idea de inventar a Superman se la contó a Joe y dibujaron un comic que presentaron para ser publicado en la revista "Detective Dan". Pero la revista lo rechazó y Joe, muy deprimido, rompió todo el trabajo. Jerry conservó la portada que es lo único que queda del primer Superman de 1933.

Todos conocemos el origen e historia del personaje .Convertido en un ícono de la cultura de masas, su inconfundible imagen gráfica saltó del comic al cine.
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A lo largo de estos setenta años la historia de Superman ha sido reescrita varias veces, agregando nuevos aspectos, pero también adaptándolo a cada época. Pasó desde las viñetas gráficas a la radio, la televisión, el cine y ahora hasta los videojuegos.

Superman se llevó a la televisión y al cine, interpretado por George Reeves y Christopher Reeve respectivamente. El nuevo Superman es Brandon Routh. Las películas de Superman más conocidas son las que protagonizó Christopher Reeve, entre 1978 y 1987.

Superman ha sabido perdurar en el tiempo gracias a las series de TV como "Smallville" y películas como "Superman the movie", que alcanzó una gran popularidad gracias a esta saga. Pero mucho antes del éxito de las 4 películas de Superman protagonizadas por Christopher Reeve, otros actores dieron vida al superhéroe, a Lois Lane y a los diversos villanos con los que Superman debía enfrentarse.

Kirk Alyn y George Reeves (curiosa coincidencia de apellido con Christopher Reeve) fueron “Supermanes” en películas en blanco y negro y con unos efectos especiales que ahora consideraríamos ridículos al compararlos con el despliegue de medios de "Superman Returns" la película de 2006 dirigida por Bryan Singer y protagonizada por el joven Brandon Routh como Superman, el veterano Kevin Spacey como Lex Luthor o Kate Bosworth como Lois Lane.

Diez años después del nacimiento de Superman en el cómic (1948), Columbia Pictures realiza una serie cinematográfica “Superman”, que se emitía en sesiones matinales de los cines, los sábados. Esta serie constaba de 15 episodios de 15 minutos de duración dirigidos por Spencer Bennet y Thomas Carr.

Los episodios no eran independientes sino que se dejaba el final abierto para resolverlo al principio del siguiente capítulo y se basaban en los guiones del serial radiofónico que se emitía desde 1940. Como no había efectos especiales, las secuencias de vuelo se representaban con dibujos animados.

Debido al éxito de 1948 se realizó otra serie, dos años después, en 1950: “Atoman versus Superman” También se rodaron 15 capítulos.

En 1951, "Superman and the Mole Men" sirvió como episodio piloto para la serie de televisión "Adventures of Superman". Se comenzó a buscar un nuevo actor para una nueva película y dieron con George Reeves.

Se dejó de lado el formato de serial y se realizó una película completa. El papel de Lois Lane lo interpretó Phyllis Coates, Jimmy Olsen fue encarnado por el actor Jack Larson y John Hamilton fue el director del Daily Planet, Perry White

En 1954, 20th Century Fox, realizó 5 películas: “Superman´s peril”, “Superman flies again”, “Superman in Scotland Yard”, “Superman and the jungla devil” y “Superman exile”.

En 1966, Warner Brothers Film Gallery recogió de nuevo 4 de los mejores episodios en color de la serie televisiva de George Reeves, "Adventures of Superman", en una película de 104 minutos.

En 1978, con “Superman, the movie”, el Superhéroe volvía para alcanzar un éxito insospechado, esta vez con guión propio y sin basarse en las series televisivas. Alexander Salkind y su hijo Ilya se encargaron de la producción tanto de ésta como de "Superman II", "Superman III" y "Supergirl".

Los nuevos protagonistas fueron Christopher Reeve, en el papel de Superman -Clark Kent, Margot Kidder como Lois Lane, Marc McClure como Jimmy Olsen, Jackie Cooper como Perry White, Gene Hackman como Lex Luthor y Marlon Brando en el papel de Jor-El.

"Superman. The Movie" obtuvo tres nominaciones a los Oscar Academy Awards de 1979 en las categorías de edición, banda sonora original y sonido. No ganó ningún Oscar pero fue la triunfadora en los Saturn Awards de ese año que son entregados por la Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films de USA (la Academia de películas de Ciencia Ficción, Fantasía y Horror). Ganó los Saturn Awards de mejor película de ciencia ficción, mejor actriz, mejor diseño de producción, mejor música y mejores efectos especiales.

A "Superman. The movie" le siguió esta otra, producida igualmente por Alexander e Ilya Salkind y con prácticamente los mismo actores ya que "Superman. The movie" y "Superman II" se rodaron de una sola vez dirigidas por Richard Donner. Pero Richard Donner se peleó con los productores y abandonó el rodaje por lo que se encargó la dirección a Richard Lester que es quien aparece en los títulos de crédito de "Superman II".

"Superman III" (1983) está dirigida íntegramente por Richard Lester.

Christopher Reeve en 1987 volvió para dar vida al superhéroe en "Superman IV. The quest for peace". La dirección fue encargada a Sydney J. Furie y el propio Christopher Reeve se encargó de redactar la historia junto a Lawrence Konner y Mark Rosenthal.
"Superman Returns" (2006) es el regreso de Superman a la gran pantalla, casi 20 años después de su última aparición con un despliegue técnico de efectos especiales innovadores y sorprendentes. Bryan Singer, dirige este nuevo Superman protagonizado por el casi desconocido Brandon Routh como el superhéroe y Kate Bosworth como Lois Lane.

En 1978, con "Superman The Movie", película que tuvo un gran éxito, la editorial les concedió a sus autores una pensión anual de 25.000 dólares de por vida ya que sentían una obligación moral con los creadores. Shuster murió en 1992, a los 78 años de edad y Siegel murió en 1996, a los 82 años de edad.

Un recuerdo para esa infancia vivida con un héroe de comic y del cine y por las fantasías entregadas.

Sydney Pollack

2008-05-27T12:52:00.004-06:00

Muere director, actor y productor de cine norteamericano

Estuvo en la Sexta Región de Chile, en San Fernando, junto a unos amigos, hace un par de años, después de filmar “La intérprete” (2005). Murió de cáncer a los 73 años. Para quiénes no identifican bien las películas que realizó, puedo mencionar entre sus films más destacados: “Nuestros años felices” (1973) con Robert Redford, “Los tres días del cóndor” (1975), también con Robert Redford, “Ausencia de malicia” (1981), con Paul Newman y Rally Field, “Tootsie” (1982), con Dutin Hoffman , “Africa mía” (1985) con Meryl Streep y “Destinos cruzados” (1999).

Fue actor en filmes como “Michael Clayton”, “Ojos bien cerrados” y “Maridos y esposas”. Y se desempeñó como productor en “Sensatez y sentimientos” y “El talentoso señor Rypley”. Tres facetas que le permitían dominar el cine en variados aspectos.

En 1995 fundó, junto al fallecido Anthony Miinghella, la productora Mirage Enterprises, el año en que dirigió “Sabrina”, con Harrison Ford. La empresa se encontraba produciendo el filme “El lector”, dirigida por Stephen Daldry, con la actuación de Kate Winslet. También estaban preparando el remake de “La vida de los otros, como proyecto prioritario.

Pollack era un buen director y con mucho oficio, pero no entra en la categoría de maestro del cine. Realizaba, con destreza, películas eficaces, masivas y de gran consistencia técnica y artística. En sus repartos siempre contaba con grandes actores y actrices Su tendencia iba por el camino de un cine de contenido social y político. Ganó dos Oscar en 1985 (Africa mía). “Tootsie” recibió 10 nominaciones a la estatuilla.

Su último film fue el documental “Apuntes sobre Frank Gehry”.

Waterworld

2008-05-13T15:00:00.000-06:00

1995. Realizado por Kevin Reynolds y Kevin Costner

En el futuro los casquetes polares se han derretido y el agua lo cubre todo. Por tal motivo, el agua dulce es el bien más preciado, y los seres humanos sobreviven en plataformas flotantes siempre buscando agua potable, algo de tierra, y hablando sobre la leyenda de que en algún lugar existe tierra firme. Mariner es un errante que viaja solo practicando el trueque. Un día llega a un atolón de chatarra y vende tierra a sus moradores, pero éstos, al descubrir que es un mutante mitad pez, mitad humano, lo condenan a muerte.

Fue lanzada como el film más caro de la historia del cine hasta esa fecha, y destrozada por la crítica. Pero…

¿Por que la menciono trece años después? Solamente por lo premonitorio de su argumento. Es un anticipo de lo que será nuestro futuro. Solo habrá que esperar pocos o muchos años para que la historia de la película sea una realidad. Para aquello que propone el film vamos a pasos agigantados, todo por la desidia del ser humano que está provocando el calentamiento global. Si puede véala de nuevo porque quizás al bisniento de su nieto le toque vivir esa vida.

Walk the line

2008-05-12T15:49:00.000-06:00

En el film “Walk the line” o “Johnny y June”, dirigida por James Mangold, y donde actúan Joaquin Phoenix (Johnny Cash), Reese Witherspoon (June Carter) en los roles principales, estrenada en 2006, podemos hacer una comparación entre los artistas originales y la recreación para el film con la canción “Jackson”. Compare usted.

Las cosas de la vida en el cine

2008-04-29T11:23:00.003-06:00

Esa es su ESENCIA. Como una canción, como un cuadro.

A veces la televisión por cable exhibe películas que cuando fueron estrenadas, y por distintas razones nunca vi, pero en la pantalla chica surge la oportunidad para ponerse al día, o films que son destrozados por la crítica, pero uno dice: veamos que pasa que con eso. También es posible disfrutar volviendo a ver los clásicos del cine europeo o lo nuevo que realizan.

Viendo mucho cine de todo tipo uno descubre o redescubre.

Es lo que ocurre con films como “ Noviembre dulce”, de Pat O'Connor (con Charlize Theron junto a Keanu Reeves), “Ma vie en l´air”, de Rémi Bezançon (con Vincent Elbaz, Marion Cotillard “Un lugar llamado Notting Hill”, de Gina McKee (con Julia Roberts y Hugh Grant) o “Amor en los tiempos del cólera”, de Mike Newell ( con Javier Bardem y Laura Elena Harring), por dar algunos ejemplos.

Escenas de Noviembre Dulce

Las mencionadas películas muestran la vida misma, hablan de los sentimientos, se viven encuentros y desencuentros, se desarrollan emociones o dramas personales, que podría vivir o estar viviendo cualquier persona sentada en una butaca de un cine o frente al televisor.

De ahí viene me viene la duda. Si seguir a la crítica, aplicar conocimientos para evaluar o solamente dejarse llevar por las imagenes.

Seguramente, las mencionadas son películas que los especialistas consideran sin importancia o de regular factura técnica. Pero cuando el cine provoca emociones y cuenta historias ¿Importa el comentario especializado? El séptimo arte es fantasía e ilusión. Creo que la función del cine función es provocar emociones en el espectador. Como toda obra de artística el cine se siente o no siente, llega al espíritu, al alma. Esa es su esencia. Como una canción, como un cuadro. Generalmente los críticos cinematográficos intelectualizan y vuelven racional una obra, buena o mala, cuya simple función principal es provocar emociones en quién mira la pantalla. Recreando la vida. Nada más.

Al final es mejor no preocuparse de los comentarios. Si a usted le gusta una película, disfrútela. Cada uno podrá dar su veredicto.

Charlton Heston

2008-04-14T16:18:00.001-06:00

Un recuerdo... de alguien que creció viendo sus películas

Locaciones

2008-04-07T10:35:00.002-06:00

La importancia de participar en el negocio de las LOCACIONES

Se realizaron en el norte de Chile algunas escenas del nuevo film de James Bond “Quantum of Solace”, con el actor Daniel Craig. Es interesante que las grandes producciones realicen sus filmaciones en locaciones criollas. A pesar de la mala actitud de algunos ciudadanos locales (ver post en www.funktalk.blogspot.com)

El negocio de las locaciones para filmaciones está bastante bien organizado.

El Locations Trade Show, organizado por la Association of Film Commissions International (AFCI) se realiza todos los años en el Santa Mónica Civic Auditórium, y reúne a mas de doscientas regiones del mundo, las cuales presentan su oferta en locaciones tratando de atraer a productoras de cine y publicidad para desarrollar sus producciones, en este sentido se presentan los incentivos, la infraestructura, y todas aquellos aspectos que hacen atractivo filmar en esos países.

A esta feria asisten personas de la industria del cine, la televisión, los videos comerciales, así como también ejecutivos de estudios, productores, directores, y buscadores de locaciones de todos los segmentos de la industria del entretenimiento.

Por Chile han participado empresas y organizaciones locales para mostrar las locaciones de nuestro país. Chile posee atractivos de sobra para cautivar a la industria cinematográfica mundial que convierten a un lugar específico en un atractivo para filmar.

Este tipo de actividades reportan beneficios, que van más allá de la realización de filmaciones, porque generan entrada de divisas, y ayudan al desarrollo económico de localidades o regiones. En torno a las filmaciones se mueve la industria cinematográfica del país elegido participando empresas de producciones locales, catering, vestuarios, transporte y hoteleras entre otras, las cuales se han visto beneficiadas.

En la revista especializada en el tema de locaciones para películas, Locations Magazine , la publicación oficial de la Asociación Internacional de Film Comissions, Chile ha ocupado un lugar destacado en la portada de la edición anual 2008. El artículo señala que dentro de la gran variedad de escenarios naturales que ofrece Chile se encuentran, por ejemplo, los pequeños poblados de la isla de Chiloé.

También la revista P3 Production Update Magazine escribió una artículo sobre Chile y en particular sobre las iniciativas de la Oficina Comercial de ProChile, en Los Ángeles, en la promoción de la locaciones chilenas.

Es de esperar que los chilenos entiendan la importancia que tiene que grandes producciones filmen en nuestro país y no pongan problemas a los profesionales que llegan como ocurrió con Quantum of Solace.

El centenario de Bette Davis

2008-03-25T16:13:00.005-05:00

Especial con sus mejores filmes en TMC

¿Qué fue de Baby Jane?

El próximo 5 de Abril se conmemora el centenario de Bette Davis, una de las más importantes actrices que ha conocido el mundo del cine.

Estudió en la Escuela de Interpretación de John Murray Anderson.en Nueva York. En
1928 comenzó a actuar con la compañía teatral de George Cukor, en Rochester, desde donde fue expulsada y un año después debutaría en Broadway con gran éxito, en la representación de la obra "Broken Dishes".

Esto llamaría la atención de los estudios Universal, que le ofrecieron un contrato en 1930, debutando en el cine con la película "The Bad Sister" (1931), dirigida por Hobart Henley.

Posteriormente con la Warner filmó la película "The man who played God" (1932).

En la RKO, protagonizó "Cautivo del deseo" (1934), un film de John Cromwell, una obra maestra basada en una novela de William Somerset Maugham.

La película fue un éxito y le dio la oportunidad de protagonizar "Peligrosa" (1935), con la que consiguió el Oscar a la mejor actriz después realizó "El bosque petrificado" (1936), película de Archie Mayo.

A causa de su carácter y sus peleas con los estudios, se marchó de los Estados Unidos y se fue a residir a Inglaterra. Tras una demanda de la Warner, retornó a su país, En esta segunda etapa en la Warner, Bette Davis protagonizó películas como "Jezabel" (1938) de William Wyler, que le dio un nuevo Oscar.

Otros títulos destacados de finales de los 30 y comienzos de los 40 fueron: "Amarga victoria" (1939) de Edmund Goulding, "Juarez" (1939) de William Dieterle, "La solterona" (1939) de Goulding, "La vida privada de Elizabeth y Essex" (1939), de Michael Curtiz, "La carta" (1940) y "La loba" (1941) de William Wyler o "La extraña pasajera" (1942), dirigida por Irving Rapper.

En la segunda mitad de la década de los su producción fue más escasa. Pero una genial actuación con J. L. Mankiewicz en la película "Eva al desnudo" (1950), la puso nuevamente en el primer plano cinematográfico. Posteriormente filmó "La egoísta" (1951) de Curtis Bernhardt, "La estrella" (1952) de Stuart Heisler y "El favorito de la reina" (1955) de Henry Koster. En 1962, realizó a obra maestra de Robert Aldrich, "¿Que fue de Baby Jane?", con Joan Crawford.

Culminó su carrera cinematográfica con "Las ballenas de Agosto" (1987), película dirigida Lindsay Anderson. Fallece en París, el 6 de octubre de 1989, a los 81 años.

Para recordar su trayectoria, el canal por cable TCM exhibirá un ciclo de sus mejores filmes, todas las noches de los miércoles del mes de abril.

Ennio Morricone en Chile

2008-03-18T07:00:00.002-05:00

El artista que redefinió el concepto de la música para el cine

El bueno, el malo y el feo

El músico y compositor italiano Ennio Morricone, de 79 años, ofrecerá esta semana dos conciertos gratuitos en Chile. Llegó a Santiago junto a su esposa y una comitiva de 120 personas, entre músicos y técnicos.

Morricone comenzó a estudiar música en el Conservatorio de Santa Cecilia, en Roma, a los 12 años. Se dedicó a tocar trompeta en grupos de jazz y más tarde, ya graduado del Conservatorio, trabajando en la radio italiana. A principios de los 60 empezó a colaborar con su amigo y compañero, el director Sergio Leone, que realizaba el film “Por un puñado de dólares”.

También trabajó para otros proyectos cinematográficos, como La batalla de Argel y Queimada. En los 70, disminuyó su trabajo con Leone y los “spaghetti western”, participando con numerosos directores de todo el mundo: Pier Paolo Passolini, Bernardo Bertolucci, Brian de Palma, Giuseppe Tornatore, Pedro Almodóvar, Oliver Stone, Barry Levinson y Terrence Malick, en otros géneros, incluyendo comedias, dramas, thrillers, películas de terror, románticas, películas de arte y películas comerciales. Ha realizado unas 400 bandas sonoras en films como: La ciudad de alegría, Atame, Cinema Paradiso, Erase una vez en América, Novecento, El clan de los sicilianos, El decamerón, Los intocables, etc. y ha sido nominado en cinco ocasiones al Oscar por 'Días de Cielo' (1978), 'La Misión' (1986),'Los intocables de Elliot Ness', (1987), 'Bugsy' (1991) y 'Malena' (2000).

Morricone en su presentación en Chile será acompañado con la Orquesta Sinfónica de Roma y por el Coro Sinfónico de la Universidad de Chile.

Cinema Paradiso

Para los aficionados al cine que deseen ver su concierto, Canal 13 Cable trasmitirá en directo el 19 de marzo a las 20:30, a la misma hora del recital. Y luego la señal abierta de Canal 13 (www.canal13.cl) trasmitirá un especial alrededor de las 23:15, que se puede ver on line (las horas indicadas corresponden a Chile).

Warner BROS

2008-03-10T14:16:00.002-05:00

Los estudios WARNER cumplen 85 años de vida.

El nombre corporativo se debe a los cuatro fundadores, los hermanos Warner: Harry, Albert, Sam y Jack, quiénes comenzaron en el negocio de la exhibición en 1903 con un proyector con el cual mostraban filmes en los pueblos mineros de Pennsylvania y Ohio.Unos años más tarde, continuaron con la distribución de películas a través de cuatro estados. Durante la Primera Guerra Mundial, comenzaron a producir películas, y en 1918 los hermanos abrieron lo que serían los estudios Warner Bros.

Sam y Jack Warner producían las películas, mientras que Harry y Albert manejaban las finanzas y la distribución. El 4 de Abril de 1923 compraron los terrenos del número 5842 de la avenida Subset Boulevard, por 25 mil dólares, y se establecieron formalmente como Warner Bros. Pictures, Inc.

Ese mismo año se construye el famoso letrero “Hollywood” que decía “Hollywoodland”, para una promoción habitacional.

En 1924 La Warner Bros absorbe a la Vitagraph y la First Nacional y su primera estrella fue el perro Rintintín.

En Nueva York, el 6 de Octubre de 1927, la Warner estrena “El cantor del Jazz”, el primer film sonoro, con el actor Al Johnson. Dirigida por Alan Crossland. La partitura musical la crea Louis Silvers.

Al estudio comienzan a llegar actores como Bette Davis, James Cagney, Humphrey Bogart, Errol Flynn, James Dean, etc. Cerca de 7.000 títulos forman parte de su patrimonio fílmico, entre los que se cuentan Hampa dorada, El capitán Blood, El halcón maltés, Casablanca, Rebelde sin causa, Mi bella dama, La naranja mecánica, El exorcista, Superman, Relaciones peligrosas, etc.

Es actualmente una filial del conglomerado Time Warner con sede en Burbank, California, Estados Unidos.

Los ganadores del Oscar

2008-02-28T15:53:00.002-05:00

Sin lugar para los débiles (No Country For Old Men - No es país para viejos)
Basada en la novela de Cormac McCarthy. Dirección. Joel & Ethan Coen

Intérpretes: Tommy Lee Jones (Ed Tom Bell), Javier Bardem (Anton Chigurh), Josh Brolin (Llewelyn Moss), Woody Harrelson (Carson Wells), Kelly Macdonald (Carla Jean Moss), Garret Dillahunt (Wendell), Tess Harper (Loretta Bell)

Es una película poco convencional, pesada y sorpresiva que muestra dos mundos paralelos, uno de violencia y otro de desesperanza y fatalidad. Una historia dura, de sombras, luces y sangre.

¿Quiénes son los ganadores del Oscar?

Son hijos de un profesor de económicas en la Universidad de Minnesota y de una historiadora de arte. Tras terminar sus estudios secundarios y acudir ambos al Simon’s Rock College, en Massachussets, Joel estudió cinematografía en el Instituto de Cine y Televisión de Nueva York y Ethan Filosofía en la Universidad de Princeton..

¿Qué han filmado?

Sangre fácil (1984) con John Getz, Frances McDormand, Dan Hedaya
Arizona Baby (1987) con Nicolas Cage, Holly Hunter, John Goodman
Muerte entre las flores (1990) con Gabriel Byrne, John Turturro, Marcia Gay Harden
Barton Fink (1991) con John Turturro, John Goodman, Judy Davis
El gran salto (1994) con Paul Newman, Tim Robbins, Jennifer Jason Leigh
Fargo (1996) con Frances McDormand, William H. Macy, Steve Buscemi
El Gran Lebowski (1998) con Jeff Bridges, John Goodman, Steve Buscemi
O Brother (2000) con George Clooney, John Turturro, Tim Blake Nelson
El hombre que nunca estuvi allí (2001) con Billy Bob Thornton, Frances McDormand, Michael Badalucco
Crueldad intolerable (2003) con George Clooney, Catherine Zeta-Jones, Edward Herrmann
The Ladykillers (2004) con Tom Hanks, Irma P. Hall, Marlon Wayans
Paris, je t¨aime (2006) (episodio) con Steve Buscemi, Julie Bataille, Axel Kiener

En etapa de producción para el 2009 están “Hail Caesar”, “Suburbicon” y “Gambit”

Experiencia y méritos tiene bastante los ganadores del Oscar.

Concurso de Cine 2008: CORFO inicia X Versión

2008-02-19T10:06:00.004-05:00

Pueden postular a este concurso personas naturales y jurídicas, sean empresas audiovisuales o grupos de empresas audiovisuales del sector privado nacional, dedicadas a la producción de cine y/o televisión de todo el país. También podrán postular proyectos que contemplen la realización de una Coproducción Internacional.

Las bases y formularios de la Décima Versión del Concurso de Cine, se inicia el 17 de marzo, finalizando el 4 de abril para las postulaciones on line y el 7 de abril (hasta las 17hrs) para la entrega de proyectos en soporte papel, ambas postulaciones complementarias.

Para los interesados en participar se realizará un taller informativo, el día Jueves 6 de marzo a las 11 horas, en el salón auditorio de la institución, Moneda 921, Santiago de Chile, con video conferencia a todas las regiones.

Los documentos ya están disponibles en la web www.corfo.cl y puede ser retirados en las oficinas de Corfo en todo el país. A través de esta convocatoria para proyectos de cine, se apoya el desarrollo de proyectos de largometraje, cortometraje y otras producciones audiovisuales.

Ver detalles en:http://www.corfo.cl/index.asp?seccion=1&id=958

Cine 2008

2008-02-01T13:58:00.000-05:00

Los ESTRENOS que vienen...

Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull, de Steven Spielberg
Be Kind Rewind, de Michel Gondry
Righteous Kill, de Jon Avnet
Iron man, de Jon Favreau
Speed racer (Meteoro), de Andy y Larry Wachowsky
Las crónicas de Narnia. El príncipe Caspian, de Andrew Adamson
Sex and the city, la película, de Michael Patrick King
The Happening, de M. Night Shyamalan
The incredible Hulk, de Luois Leterrier
Wall-E, de Andrew Stanton
Batman: the dark night, de Christopher Nolan.
Mamma Mia, De Phyllida Lloyd
Australia, de Baz Luhrmann
Valkyrie, de Bryan Singer
Body of lies, de Ridley Scott
Quantum of solace, de Marc Forster
The changeling, de Clint Eastwood
Harry Potter y el príncipe mestizo, de David Yates
The curious case of Benjamin Button, de David Fincher
Star Trek, de J.J. Abrams

Las elipisis

2008-01-18T14:37:00.000-05:00

Muchas veces los especialistas en cine o los críticos se refieren a la elipsis cinematográfica, término que para el público común no es entendible. ¿A qué se están refiriendo? A la supresión del tiempo innecesario en la narración de una historia. Las imágenes que vemos en una película no están en tiempo real sino que son fragmentos que muestran lo más importante. La unión de esos fragmentos faltantes lo pone la imaginación del espectador. Elimina los tiempos débiles o inútiles de la acción. Las elipsis no son específicas del cine, sino que también existen en la literatura o en el teatro.

Existen las elipsis condicionadas porque el cine es arte y presuponen elección y orden donde el director selecciona de la realidad los fragmentos que estima conveniente por su significado y los une en un orden determinado para dar sentido a su continuidad narrativa. También las tienen su explicación por la estructura del relato y sus razones dramáticas. Permite crea atmósferas mediante los planos utilizados y el montaje.

Jacques Feyder (1888-1948 director de cine francés) dijo: “en el cine, la norma básica es sugerir”

Vea una parte del film “Ladrón de bicicletas”, film del neorrealismo italiano, dirigida por Vittorio de Sica en 1948 y reconozca las elipsis.

Música y Cine

2007-12-27T13:04:00.000-05:00

Vuelva a recordar películas y CANCIONES famosas

"El hombre que sabía demasiado", dónde Doris Day interpreta la canción "Que será, será"

El género musical son todas aquellas producciones cinematográficas que incluyen canciones, comedias musicales o temas bailables en una parte de su desarrollo dramático.

El cine musical surgió con el cine sonoro. Warner Bros produjo la película El cantor de jazz (The Jazz Singer, 1927), de Alan Crosland, el primer filme sonoro y primer musical de la historia, que incluía canciones de autores famosos en aquel tiempo como Irving Berling y Jimmy Monaco.

Una de las variables del cine musical son las películas con canciones. El canal de cable TCM ha programado un ciclo de filmes que fueron famosos por sus canciones. El especial se inicia el 7 de Enero 2008 y será emitido los lunes y viernes, en presentación doble, durante todo el mes.

Se han programado los siguientes títulos (entre paréntesis el nombre de la canción)

Castillos de hielo (Through the eyes of love)
Nuestros años felices (The way we were)
¿Qué pasa Pussycat? (What`s new Pussycat?)
El hombre que sabía demasiado (Whatever will be, will be)
Castillos de arena (The shadow of your smile?
Dirty Dancing (I`ve had the time of my life)
El affaire de Thomas Crown (The windmills of your mind)
El graduado (Mrs. Robinson)
Rocky (Gonna fly now)
Semilla de maldad (Rock around the clock
Pat Garret y Billy The Kid (Knockin`on heaven`s door)
Busco mi destino (Born to be wild)
Grandes bolas de fuego (Great balls of fire)
Shaft (Shaft)

Si quiere recordar, ya sabe donde ver esas conocidas películas y sus famosas canciones.

David Lynch

2007-11-27T13:21:00.000-05:00

Inland Empire
la historia de una mujer en problemas

El cine lo hace a su estilo, con un especial énfasis en el ritmo y el relato de la acción, con un desarrollo de personajes profundizando las oscuridades de la naturaleza humana. Films extraños y atractivos. Es un director que logra despertar pasiones y odios de igual intensidad. Sus imágenes transmiten terror e inquietud como pocos lo pueden lograr. Son únicas, con finales abiertos, sin continuidad narrativa reconocible y una lógica onírica. Un cine sorprendente, inclasificable, que deja confundido al espectador.

Sus realizaciones más destacados son: “Eraserhead” (1977), “El hombre elefante” (1980), “Terciopelo azul” (1986), “Corazón salvaje” (1990), “Twin Peaks”. (serie de TV en 1990-91), “Carretera perdida” (1996), “Mulholland Drive” (2001).

El director de 61 años ahora tiene en cartelera “Inland Empire” su última película en varios años, la historia de una mujer en problemas, como la define. Son tres horas de imágenes de iluminación claustrofóbica. Realizada con una Sony PD-150. Tres años tardó en completar la filmación. Participaron Laura Dern (en la foto con el director), Jeremy Irons, Justin Theroux, Harry Dean Stanton, Jan Hencz, Ian Abercrombie, Julia Ormond, Scott Coffey, Grace Zabriskie y Bellina Logan.

No sólo escribió y dirigió el filme, sino que también lo produjo, se encargó de la iluminación, hizo cámara, lo editó, diseñó el sonido, compuso cuatro canciones y cantó tres. Un personaje

Sus opiniones publicadas en algunos medios impresos:

“Una película es una película y las palabras son diferentes para cada persona”

“La cosa es experimentar en el mundo del cine”

“Nada de improvisar, Improvisar sólo es aflojar”

“Las ideas vienen, y entonces uno las pone por escrito y entonces, de ahí, la idea dicta todo y uno trabaja para serle fiel a la idea”

“Jamás podría regresar al rollo de cine después de esta experiencia digital”

“Todos vemos el mismo mundo, pero tenemos ideas diferentes de lo que está sucediendo. Lo mismo ocurre en las películas”

“La película siempre es la misma, pero los espectadores son diferentes, así que va a evocar más cosas diferentes mientras más abstracta sea”

“Si uno empieza a tratar de complacer a un público desconocido, está perdido. Uno tiene que vivir con lo que hace, y no sabe qué va a pasar. Pero tiene que vivir con eso y ser fiel a las ideas.”

Asi es David Lynch y su manera de ver la vida que transmite en sus interesantes películas.

Roma de Fellini

2007-11-27T07:48:00.000-05:00

El alucinante DESFILE DE MODA de la Iglesia.

He visto todas las películas de Federico Fellini por su extraordinaria habilidad de contar historias fílmicas desde una óptica diferente. El director tuvo la gran capacidad de desarrollar un cine arraigado en la crítica social, la estética del circo y la imaginación surrealista.

Recuerdo haber visto, en su estreno, la película “Roma”,1972, interpretada por Federico Fellini, Norma Giacchero, Anna Magnani, Marcelo Mastroianni y Alberto Sordi y no me olvido de la secuencia de un desfile eclesiástico insuperable, quizás lo mejor de todos sus films, por su imaginación crítica para recrear una situación onírica, un retrato con visos de realidad. La música es de Nino Rota.

Recordemos ahora ese lúcido y loco ejercicio de representación simbólica en un desfile muy original: la moda de la iglesia, ignorando todas las convenciones.

Alguna vez Fellini dijo: “el negocio del cine es macabro, grotesco: es una mezcla de partido de fútbol y de burdel”. Para entender su pensamiento fílmico.

Actrices chilenas destacadas

2007-11-14T16:27:00.000-05:00

Malú Gatica

Leonor Varela (“El hombre de la máscara de hierro”, “El sastre de Panamá”, “Texas rangers”, “Voces inocentes”, “Blade II”, “Cleopatra”), Valentina Vargas (“Bloody Mallory”, “Juegos sucios”, “El gran azul”, “Calle sin retorno”,“El nombre de la rosa) y Cote de Pablo (en las series de televisión “La Educación de Max Bickford”, “El Jurado”, “Control” y “NCIS”), son actrices chilenas actuales que participan del cine o la televisión internacional.

Pero hubo otras actrices nacionales que destacaron en el cine internacional hace algunos años y que quizás las nuevas generaciones quizás nunca escucharon nombrar:

Chela Bon, en Chile protagonizó “Romance de medio siglo” (1944), “La casa está vacía” y “Amarga verdad” (1945), “Sueña mi amor”, “El padre Pitillo” y “El diamante del Maharajá” (1946), “Si mis campos hablaran” (1947) y “Yo vendo unos ojos negros”, (1948), “El paso maldito” (1949). Vive desde los años 50 en Hollywood donde estudio actuación e instaló una productora (Bon Films) que realizó las cintas “The Best Revenge” y “Southern Cross”. Malú Gatica, cantante y actriz realizó nueve películas en México. Gloria Lynch, protagonizó “La mujer de todos” con Maria Félix. Rosita Serrano, fue estrella de primera magnitud em Alemania, en los años 40.

Hilda Sour, fue “sex simbol” de los años 40, realizo más de 15 películas en México y Argentina. Emperatriz Carvajal, que triunfó en México y Argentina. Ester Soré, realizó los filmes “El amor que pasa” y “Casamiento por poder”, Alicia Barrie, realizó treinta y dos films. Elsa del Campillo, debutó en el cine argentino con “Un señor mucamo”.También destacaron Maria Teresa Squella, Alma Montiel y Carmen Barros en el cine.

Filmes independientes en sitio especializado

2007-10-30T13:25:00.000-05:00

Para los fanáticos del cine arte y las creaciones independientes.

El portal www.jaman.com ofrece descargas y arriendos de films independientes, previo registro. Tiene un catálogo de más de 2.000 películas disponibles para los cinéfilos. Son los propios realizadores quiénes suben sus creaciones audiovisuales.

El sitio permite arrendar películas a US$ 1.99 o comprarlas a US$ 4.99.

Este portal, que está en inglés, permite acceder a su contenido en todas partes, ya que detecta automáticamente la zona desde donde se conecta el interesado, desplegando el material disponible para el país en que vive.

Una buena oportunidad para ver películas de India, Europa o Latinoamérica y que no llegan al circuito comercial.

En la señal de cable de TCM Classic Hollywood

2007-10-30T13:17:00.000-05:00

Cine negro

Veinticuatro películas se exhibirán por TCM todos los miércoles y sábados de noviembre en programa doble y horario Prime (22 hrs. de Chile). La revisión de los títulos más destacados comienza el sábado 3 de ese mes en un ciclo llamado “El lado oscuro de la pantalla”.

El primer film en exhibirse será “La mujer de mi pasado” (1947) del director Jacques Tourner con Robert Mitchum y Kirk Douglas. Continuará con “Huracán de pasiones” (1948) de John Huston con Humphrey Bogart. Posteriormente seguirán “El cartero llama dos veces” (1946) de Tay Garnet, “La sombra de una duda” (1943) de Alfred Hitchcock y “La dama de Shangai” (1948) dirigida y actuada por Orson Welles junto a Everett Sloane y Rita Hayworth.

También se incluirá “El Halcón Maltés” de 1941.

El cine negro es un estilo cinematográfico que surge en Estado Unidos después de la Gran Depresión y que durante la época del 40 al 50 agrupó a una serie de películas sobre crímenes que tenían énfasis en la ambigüedad moral y las motivaciones sexuales.

No se pierda este ciclo que le permitirá conocer algunos films clásicos del cine norteamericano.

Algo sobre los planos…

2007-10-26T14:10:00.000-05:00

Creo conveniente definir con claridad los conceptos de toma, plano, cuadro y encuadre debido a los distintos sentidos con que se les emplea habitualmente.

Toma: es el fragmento de película impresionada desde que se pone en marcha la cámara hasta que se detiene.

Plano: es la forma en que la toma es contenida definitivamente.

Cuadro: son los elementos diegéticos que han de ser tomados. Coincide con el concepto de campo, aunque puede distinguirse la relación de continente y contenido.

Encuadre: es la forma de organizar la toma, que comprende la composición del cuadro y el ángulo de toma.

La elección de cada plano está condicionada por la claridad necesaria de la narración, existiendo una adecuación entre el tamaño del plano, su contenido material y su contenido dramático.

La mayor parte de los tipos de planos tienen como objetivo la percepción y la claridad de la narración. Cada plano utilizado en un film tiene su razón de ser. Solamente el primer plano y el plano general tienen un significado psicológico preciso y no sólo un carácter descriptivo.

Un ejemplo con el film El conformista de Bernardo Bertolucci

La imagen en el cine

2007-10-11T14:50:00.000-06:00

"Llegada de un tren a la estación" de los hermanos Lumiere

La imagen constituye el material fundamental del lenguaje cinematográfico. El cine es el arte de las imágenes en movimiento. Es una realidad en movimiento.

El cine es el conjunto de técnicas reunidas para obtener, por proyección luminosa, la restitución de movimientos registrados fotográficamente.

Al cine se llegó a través de 3 caminos:

1) La estrobocopía (persistencia retiniana o de la visión. Es un fenómeno fisiológico natural que consiste en que si le llega al ojo una imagen luminosa, éste conserva y retiene la impresión hasta una décima de segundo después de que la observación ha cesado y desaparecer aquella.

2) La fotografía. La cámara oscura que proyecta exteriores iluminados por el sol en una habitación oscurecida, se desarrolló en el siglo XVI.

3) La proyección. La cámara oscura permitió crear la “linterna mágica”, aparato que proyectaba imágenes luminosas, que eran simples cuadros, en la oscuridad.

Jean Epstein escribía lo siguiente: “el movimiento constituye justamente la primera calidad estética de las imágenes en la pantalla”

Toda imagen extraída de un film carece de sentido, pues no es más que un fragmento estático e inerte de una continuidad que adquiere todo su significado en su desarrollo temporal.

La imagen tiene, en primer lugar, un contexto cinematográfico integrado a una continuidad temporal y eso determina su significado. En segundo lugar, posee un contexto mental del espectador quién dará su propia interpretación a lo que ve en pantalla.

La confrontación entre imágenes contiguas es lo que da el sentido querido por el realizador.

Fragmento del "Acorazado Potemkin"

De historias a guiones

2007-09-29T09:48:00.000-06:00

El critico francés Louis Delluc escribía en 1918:
"Mirad a vuestro alrededor, notad la calle, los autobuses, las tiendas, los autos, la gente, están llenos de mil dramas, de mil comedias originales que desafían vuestro talento. ¡Oh gente de talento!. La realidad contemporánea es efectivamente, una fuente inagotable".

Para un film los temas son universales: puede ser una obra ya existente, como una novela, una obra teatral, un cuento o bien una obra expresamente creada para convertirla en film publicitario: se han hecho films publicitarios tomando como punto de partida un suceso periodístico, un acontecimiento histórico, una poesía, una canción, una biografía, e incluso se han inspirado en un fragmento musical.

Lo que cuenta es la elaboración cinematográfica del tema argumental.

1. Contar con una historia: plantear una idea y elaborar un argumento. Se podrá hablar de argumento solamente cuando se disponga de una idea suficientemente elaborada; una verdadera narración con personajes, acciones, desenlace, etc.

Los personajes que participan en un film se pueden clasificar en:

Personajes principales: En ellos recae la acción principal. Son los protagonistas.

Personajes secundarios: Solo tienen importancia como parte del argumento. Ayudan a la continuidad de la acción.

Personajes episódicos: No están al servicio de la acción principal. Son ambientales y caracterizan situaciones culturales, sociales o históricas.

2. Realizar la estructura narrativa: sinopsis, es decir, descomponer el argumento en unidades simples. La sinopsis (palabra derivada de la expresión griega synoptikon: que abarca todo de una sola mirada), es un resumen del tema argumental. Condensa la acción teniendo en cuenta las imágenes y sonidos que servirán para expresarlo en lenguaje cinematográfico. Una sinopsis, debe pues, intentar la reducción del tema a la cantidad de tiempo que debe durar el film.

3 Desarrollar las secuencias: (división espacio–temporal de la estructura: guión literario. Se indica una primera y esquelética subdivisión de la materia según sus escenas.

Las ideas son abstractas y no se pueden fotografiar, por lo que, si una idea se ha de convertir en un film, ha de expresarse antes en términos concretos. Este es sencillamente un relato claro del argumento que permite al que lo lee no solamente comprenderlo, sino hasta "verlo" mentalmente, es decir, escribir en imágenes.

Por consiguiente hay que expresarlo visualmente. Todo lo esencial tiene que estar en pantalla. Hay que tener en cuenta la palabra ha de contribuir a la acción importante y nunca debe reemplazarla.

En el guión literario todos los personajes y todas las acciones deben quedar suficientemente fijados y delineados. La acción se desarrolla bajo nuestros ojos, los personajes no nos son descritos y analizados por sus intenciones, sino que actúan según lo que son: es decir, ya han sido halladas las escenas, las acciones que deben dar la impresión al espectador.

El guión literario, dice todo lo que ha de pasar en las escenas de un film, incluyendo gestos, actitudes, poses, etc., es decir, relata el film tal cual lo veremos en la pantalla, escrito por secuencias.

En el guión literario se resuelven tres problemas:

1) Todo aquello que han de saber los espectadores a través de las imágenes.
2) Todo aquello que han de saber los espectadores a través del diálogo.
3) Todo aquello que han de saber los personajes a través de lo que ellos ven y escuchan.

4. Planos: (parcelación espacial de la secuencia: guión técnico.

El guión técnico es la descripción de imagen toma por toma, de sonido, iluminación y de observaciones técnicas especiales desglosado al máximo y por el cual el director realiza su película. El guionista debe ser un consumado relator de imágenes.

El diálogo debe ser complemento de la imagen, porque la imagen expresa todo. Es un relato icónico. Todas las escenas y tomas superfluas que no se pueden justificar deben suprimirse, al igual que el diálogo, el cual debe ser preciso.

Así es, en pocas palabras, como se arma una historia y se convierte en guión para una película.

Lev Kulechov y el montaje cinematográfico

2007-09-10T16:02:00.001-06:00

El cine soviético, de las primeras décadas del siglo XX, está marcado por una preocupación principal por el montaje y el problema espacio-temporal de una película.

Sergei Einsestein decía: "El montaje es el arte de expresar o de significar por la relación de dos planos yuxtapuestos, de tal suerte que esta yuxtaposición haga nacer una idea o exprese alguna cosa que no este contenida en ninguno de los dos planos tomados por separado. El conjunto es superior a la suma de las partes...".

Lev Kulechov (1899-1970) fue un teórico y director de cine soviético que introdujo el montaje y teorizó sobre decorados, luz e imagen. Entre sus películas más destacadas están: “El proyecto del ingeniero Prite” (1918), “Por ley” (1926), “El canario alegre” (1929) y “El gran consolador” (1933). Sus libros más importantes son “El arte del cine” (1929) y “Los fundamentos de la realización fílmica” (1941).

Está considerado el padre de la cinematografía soviética por sus investigaciones sobre el montaje desde un punto de vista lingüístico y de la percepción.

De la experiencia que desarrollaron cineastas como Kulechov y Pudovkin se deduce el poder de asociación que se establece al relacionar dos planos entre si. Un mismo plano puede provocar asociaciones diferentes.

El efecto Kulechov se dirigía a probar el sentido del montaje y consistía básicamente en lo siguiente:

Un plano del actor ruso Iván Mosjovkin en expresión neutra, antepuesto o pospuesto a otros planos (un ataúd, una niña feliz, un plato de comida) conseguían por asociación, ideas muy distintas en cada caso.

En las distintas proyecciones que se hicieron a un público no avisado, al preguntarles sobre la expresión del actor (siempre la misma toma inexpresiva) se observó que, dependiendo de los planos anteriores o sucesivos, los espectadores contestaban mayoritariamente que veían lo siguiente:

a) Unido al plano del ataúd: gran tristeza y amargura
b) Unido al plano de la niña: ternura y alegría
c) Unido al plato de comida: sensación de hambre y apetito.

El espectador se convencía de que el rostro reflejaba en cada caso una emocionalidad diferente aunque el rostro del personaje era siempre el mismo.

En consecuencia, lo importante no es el contenido de los planos, sino la manera de combinarlos.

La asociación se produce siempre en el espectador, y por lo tanto había que preverla y contar con ella desde el principio. En otras palabras, el mensaje fílmico lo hace la persona que recibe la comunicación audiovisual.

En la narración cinematográfica dentro de una película cada plano hay que entenderlo como un signo, como una letra y que en cohesión narrativa forman las palabras, las frases, los párrafos y los capítulos de la obra fílmica.

En Chile eligen las mejores películas

2007-08-30T13:31:00.000-06:00

El diario “El Mercurio” reunió a directores de cine, críticos, docentes, actores, productores, dramaturgos y guionistas quienes eligieron los diez mejores films en la historia del cine en el mundo. Estos son:

1. Ciudadano Kane (1941)
Dirigida por Orson Welles.
Con: Orson Welles, Joseph Cotten y Dorothy Comingore.

2. El padrino (1972)
Dirigida por Francis Ford Coppola
Con: Marlon Brando, Al Pacino y James Caan

3. El ladrón de bicicletas (1948)
Dirigida por Vittorio de Sica
Con: Lamberto Maggiorani y Enzo Staiola

4. Taxi Driver (1976)
Dirigida por Martin Scorsese
Con: Robert De Niro, Jodie Foster y Cibill Shepherd

5. 2001: Odisea del espacio (1968)
Dirigida por Stanley Kubrick
Con Keir Dullea y Gary Lockwood

6. 8 ½ (1963)
Dirigida por Federico Fellini
Con: Marcello Mastroiani y Claudia Cardinale

7. Blade Runner (1982)
Dirigida por Ridley Scott
Con: Harrison Ford, Rutger Hauer y Sean Young

8. Toro salvaje (1980)
Dirigida por Martin Scorsese
Con: Robert De Niro, Joe Pesci y Cathy Moriarty

9. Vértigo (1958)
Dirigida por Alfred Hitchcock
Con James Stewart y Kim Novak

10. Fresas salvajes (1957)
Dirigida por Ingmar Bergman
Con: Victor Sjostrom, Bibi Andersson e Ingrid Thulin

Una escena de 8 1/2 de Fellini

Las mejores comedias del cine

2007-08-18T10:24:00.000-06:00

Los lectores del diario inglés The Observer opinaron sobre sus preferencias en el género del cine del humor. Con eso datos los periodistas especializados hicieron una selección con las cincuenta mejores comedias de la historia del cine. Aquí les entregamos las diez primeras:

1. La vida de Brian (1979)
2. ¿Y donde está el piloto? (1980)
3. This is a Spinal Tap (1984)
4. Una Eva y dos Adanes (1959)
5. Withnail and I (1986)
6. Locuras en el Oeste (1974)
7. El gran Lebowski (1998)
8. Los caballeros de la mesa cuadrada (1975)
9. Sopa de ganso (1933)
10. El hijo de Frankestein (1974)

Una escena de la Vida de Bryan, clásico de la filmografía de los comediantes Monty Phyton que narra la vida de un joven judío que, en tiempos de Jesús, es confundido con el Mesías

Ingmar Bergman: murió el maestro del cine

2007-07-31T14:09:00.000-06:00

“Volvía fantasmas a sus personajes y personajes a sus fantasmas”

Para entender el cine del legendario director sueco Ingmar Bergman, definitivamente, hay que saber de la estética del cine. Sus filmes no son para la mayoría del público. Se debe conocer el lenguaje del cine y desde allí leer los contenidos denotativos y connotativos de un mensaje fílmico que casi siempre se refiere a la incomunicación, la soledad, la muerte y la pobreza de la condición humana. Su cine sólo puede llegar al corazón y a las emociones de las personas a través del intelecto. La técnica de sus películas era precisa y exacta en los conceptos que intentaba transmitir, plasmando en imágenes desoladoras la irrealidad que surge de la subjetividad de la mente y el cerebro.

Bernardo Bertolucci aseguró: “se dirigió hacia una zona inexplorada que hasta entonces era coto privado de la literatura. Se trataba del lado más profundo del alma humana, con un blanco y negro que volvía fantasmas a sus personajes y personajes a sus fantasmas”

En su cine Bergman transmitía magistralmente sus traumas, angustias personales y su miedo a la muerte como resultado de la estricta educación religiosa que recibió de su padre, un pastor protestante puritano, lo que marcó su vida.

Se definió a si mismo como “un hombre cuyas películas ofrecieron una visión despiadada de un universo sin Dios”.

Sus filmes más destacados son: “El séptimo sello” (1956), “Fresas salvajes”(1957), “La fuente de la doncella”(1959), “Persona”(1966), “Gritos y susurros”(1972), “Escenas de la vida conyugal”(1974), “El huevo de la serpiente”(1977), “Sonata de otoño”(1978), “Fanny y Alexander”(1982) y “Saraband” (2003), su última película.

Una escena de "Persona", realizada en 1966, con Liv Ullman y Bibi Andersson.

El director, licenciado en Letras e Historia del Arte en la Universidad de Estocolmo, realizó 60 películas, 126 montajes teatrales y 39 obras para radio. En 1946 dirigió “Crisis” su primera película y en 1986 publicó sus memorias “Linterna mágica”.

En 1961 obtuvo el premio Oscar a la mejor película extranjera por “La fuente de la doncella”. En 1962, otra vez el Oscar por “Como en un espejo” y en 1984, por “Fanny y Alexander”, logra las estatuillas por mejor película extranjera, mejor fotografía y dirección de arte y vestuario. También fue nominado a los Globos de Oro como mejor director por el mismo filme.

Bergman fue el mejor artista cinematográfico y el más significativo de toda la historia del cine.

El creador de un lenguaje cinematográfico único e irrepetible, murió a los 89 años en su casa en la remota isla de Färo, en la costa de Suecia, donde vivía desde el 2002, acompañado por su propia película: el silencio y la soledad.

Alain Delon ¿En qué está?

2007-07-10T14:48:00.001-06:00

El legendario galán francés regresó en gloria y majestad a la última edición del Festival de Cannes. En el 2003 participó como ex policía en la miniserie de tres capítulos “Frank Riva”, rodada en Portugal y que fue un gran éxito lo que motivó a los productores a realizar una segunda temporada el 2004.

En su último film interpreta a Julio César en el film “Asterix y los juegos olímpicos”, una coproducción entre Alemania, España y Francia, que se rodó en Alicante.

Para la gente joven que no lo ubica diré que Alain Delon es una de las leyendas del cine francés que hizo su debut en el cine con “Quand la femme s'en melle” (1957). En 1961 se da a conocer internacionalmente con su papel en “Rocco y sus hermanos” de Luchino Visconti. También apareció en “El eclipse” (1962) y el año siguiente figuró en “El Gatopardo” y en “Gran jugada en la Costa Azul”.

Su rol en “El silencio de un hombre” (1967) de Jean-Pierre Mélville, le permitió mostrar su madurez artística. También trabajo junto a Jean-Paul Belmondo, otra gloria del cine francés, en “Borsalino” (1970), Apareció, en 1975, en “El Zorro”. Fue dirigido por Joseph Losey en “El otro Sr. Klein”, en 1977 y también estuvo en “Por la piel de un policía” (1981), que produjo, escribió y dirigió. En 1984 participó en “El amor de Swann”. Son algunos de sus films en su extensa filmografía.

Aquí lo vemos en "El samurai"

Escenas más románticas del cine

2007-06-27T13:42:00.000-06:00

Los periodistas cinematográficos de Timesonline eligieron las películas con los momentos más románticos en la historia del cine.

En Love Story (1970),la moribunda Ali MacGraw es abrazada por Ryan O´Neal. Vea algunas escenas del film con la música original.

Otras son:

Lo que el viento de llevó (1939), cuando Clark Gable va a besar a Vivien Leigh.

Casablanca (1942), Humphrey Bogart despide a Ingrid Bergman en un lluvioso aeropuerto.

La extraña pasajera (1942), Bette Davis y la petición de matrimonio.

Entre copas (2004), cuando Virginia Madsen pone su mano Paul Glamatty cuando conversan.

Breve encuentro (1945), Celia Jonnson y Trevor Howard ponen a su relación extramarital.

El rey yo (1956), Yul Bryner y Deborah Kerr tiene contacto físico bailando.

Problemas de alcoba (1959), cuando Doris Day y Rock Hudson conversan por teléfono mientras toman un baño de tina.

Amor sin barreras (1961), Natalie Wood y Richard Beymer se declaran su amor.

Nuestros años felices (1972), cuando Barbra Streisand divisa a Robert Redford en la calle.

Con ánimo de amar (2000), Maggie Cheung y Tony Leung se tocan por primera vez.

Reto al destino (1982), Richard Gere cruza hacia donde trabaja Debra Winger para llevársela.

Cuatro bodas y un funeral (1994), Andie MacDowell se le declara bajo la lluvia a Hugh Grant.

Escenas que han sido inolvidables para miles de espectadores.

El Ciudadano Kane, la película número uno

2007-06-27T12:27:00.000-06:00

El "Ciudadano Kane" lidera ranking de los 100 mejores films

La American Film Institute (AFI) elaboró un ranking con las 100 mejores películas del cine norteamericano. En el listado participaron 1.500 personas, entre directores, actores, críticos de cine, expertos en cine, historiadores del cine y productores, que hicieron su elección de un total de 400 títulos propuestos hasta el 2006. Las 10 primeras son las siguientes:

Orson Welles lidera la lista con "Citizen Kane" (El ciudadano Kane,1941). En segundo lugar se ubicó "El Padrino" (1972), de Francis Ford Coppola, y en el tercero, "Casablanca" (1942).

Los otros siete títulos son: "Toro Salvaje" (1980), de Martin Scorsese, "Cantando bajo la lluvia" (1952), de Stanley Donen y Gene Kelly, "Lo que el viento se llevó" (1939), de Victor Fleming, "Lawrence de Arabia" (1962), de David Lean, "La lista de Schindler" (1993), de Steven Spielberg, "Vértigo" (1958), de Alfred Hitchcock, y "El mago de Oz" (1939), de Victor Fleming, en orden de ubicación.

Es importante destacar que de los films realizados en los últimos 10 años sólo destacaron: “El señor de los anillos", 2001 (Nº 50)”, “Rescatando al soldado Ryan", 1998 (Nº 71)”, “Titanic”, 1997 (Nº 83) y “Sexto sentido", 1999 (Nº 89).

Cannes: “4 meses, 3 semanas y 2 días”

2007-05-28T08:17:00.000-06:00

Cristian Mungiu obtuvo la Palma de Oro en Cannes 2007

La sobria y cruda cinta de Cristian Mungiu, primer director rumano que compite en la Sección Oficial de Cannes, inicia una serie titulada “Cuentos de la edad de oro”, inspirada en sus vivencias juveniles. El filme, ambientado en la Rumanía comunista de los años 87, cuenta con la presencia de Anamaria Marinca, Laura Vasiliu, Vlad Ivanov y Alex Potocean.

La película rumana, que se llevó también el Premio FIPRESCI de la Crítica Internacional, es una historia sórdida y realista que narra sobre las consecuencias sutiles y frecuentemente invisibles del adoctrinamiento. Habla de la amistad, de la responsabilidad y del amor. Pero es sobre todo una historia sobre el aborto en una época en que esto estaba considerado como un acto de libertad y de protesta contra el régimen comunista que prohibía abortar a las mujeres para aumentar una mano de obra disciplinada.

Su director, Cristian Mungiu, es un diplomado en literatura inglesa de 39 años que realiza su segundo largometraje. Cristian Mungiu ha dirigido, además de “4 luni, 3 saptamini si 2 zile”, los films “Lost and Found” (2005) (episode "Turkey Girl"), “Occident” (2002), “Corul pompierilor” (2000), “Nici o întâmplare” (2000) y “Zapping” (2000).

Según el director: "Una ley prohibió el aborto en Rumanía en 1966 y el efecto fue inmediato, el número de niños en las clases pasó de 28 a 36, las clases en las escuelas aumentaron de dos a diez, las mujeres empezaron a recurrir a los abortos ilegales y las estadísticas señalan medio millón de muertas. En este contexto, el aborto perdió toda connotación moral y se percibía como un acto de rebelión y resistencia contra el régimen comunista".

Ha dicho: “el premio es un aliciente para pequeños cineastas de pequeños países, que no necesitan ni grandes presupuestos ni grandes estrellas para hacer una historia que todo el mundo escuche".

Drácula

2007-05-25T11:40:00.000-06:00

Desde los orígenes del cine existen muchas versiones de Drácula. Entre ellas, podemos destacar:

Nosferatu, un clásico del cine expresionista alemán, dirigido por F.W. Murnau (1922). .

La producción mexicana de los años 20 El Ataúd del Vampiro con Germán Robles como protagonista.

La versión de Drácula (1931), dirigida por Tod Browning y protagonizada por el húngaro Bela Lugosi.

La versión hispana de Drácula (1931), dirigida por George Melford, protagonizada por Carlos Villarías en el papel de Drácula y por Lupe Tovar en el papel de Mina.

En continuaciones de la saga por parte de la productora Universal Pictures el papel de Drácula fue interpretado por John Carradine, con títulos como La Casa de Frankestein (1944), La casa de Drácula (1945).

La versión Drácula (1958) de la Hammer Productions, dirigida por Terence Fisher y protagonizada por Christopher Lee.

La versión Drácula, príncipe de las tinieblas (1966), segunda parte de la anterior de 1958 con la misma producción, dirección y protagonista.

En 1966, John Carradine vuelve a interpretar al conde Drácula en una ínfima película llamada Billy el niño contra el Conde Drácula, volvería a ser Drácula en la película “Las vampiras", en 1969.

El Conde Drácula dirigido por Jesús Franco y protagonizada una vez más por Christopher Lee.

Una versión televisiva con Jack Palance en el papel de Drácula.
Sangre para Drácula de Paul Morrisey, con Udo Kier como Drácula.

El gran amor del conde Drácula, dirigida por Javier Aguirre, con Paul Naschy como Drácula.

Drácula, dirigida por John Badham, en 1979, con Frank Langella en el rol principal.

La película Nosferatu, fantasma de la noche, de Werner Herzog (1979), homenaje a la de su compatriota Murnau. Con Klaus Kinski en el papel principal.

La película Drácula de Bram Stoker, realizada por el cineasta estadounidense Francis Ford Coppola, en 1992

La más reciente versión cinematográfica de la historia de Stoker fue Drácula 2000, de Wes Craven.

En el 2002 versión televisiva de Drácula, dirigida por Roger Young y con Patrick Bergin en el papel del aristócrata vampiro.

En 2004, New Line Cinema produce la película Blade: Trinity, escrita y dirigida por David S. Goyer e interpretada por Wesley Snipes (Blade), Jessica Biel (Abigaíl Whistler) y Ryan Reynolds (Aníbal King).

En 2004, Universal Pictures lanza la película Van Helsing, dirigida por Stephen Summers, y protagonizada por Hugh Jackman.

En 2006 la televisión colombiana lanza el programa El Castillo Drácula, una parodia del oscuro personaje.

John Wayne: ¿actor, cowboy o leyenda?

2007-05-22T08:26:00.000-06:00

(26 de mayo de 1907 - 11 de junio de 1979)

Para quienes crecimos viendo historietas y películas de vaqueros, John Wayne es el prototipo único del cowboy. Aunque realizó otro tipo de filmes nunca logró la perfección que lo hizo un personaje especial en el salvaje oeste. El hombre rudo con el sombrero sucio de tierra, el pañuelo húmedo al cuello, su caballo y sus rápidas pistolas. Ese que con su típica manera de caminar desafiaba a los “malos” y a los indios. El que defendía la justicia.

Su nombre era Marion Robert Morrison y comenzó de extra en películas de la mano de John Ford y Raoul Walsh, quién le dio el nombre de John Wayne. Hasta que el mismo Ford, en 1939, lo invitó a protagonizar “La diligencia”, el origen de los western modernos, que lo llevarían más adelante, en sus 157 filmes realizados, a convertirse en ejemplo de masculinidad, valor y patriotismo.

La Liga del Cuerpo de Marines de los Estados Unidos calificaba a John Wayne como "el hombre que ha puesto de manifiesto del modo más eficaz el significado de la palabra americano".

Recordemos a “Río Rojo” (1948), “Fort Apache” (1948), “Más corazón que odio” (1956), “Río Bravo” (1959), “El álamo” (1960),"Los comancheros" (1961), “La conquista del oeste” (1962),“El hombre que mató a Liberty Valance” (1962), “Los cuatro hijos de Katie Elder” (1965) “El pistolero” (1976).

Actuó bajo la dirección de los realizadores más prestigiosos de Hollywood como: William a. Wellman, Raoul Walsh, Michael Curtiz, pero su carrera estuvo marcada por los veinte largometrajes que rodó con John Ford, los seis con Henry Hathaway, y los cinco con Howard Hawks.

John Wayne dirigió dos películas: "El Alamo", en 1960 y " Boinas Verdes" además, trabajó en 17 como productor o coproductor.

En 1979 el cáncer había ya invadido el estómago de John Wayne. Era el principio del fin. Así el actor acude a la entrega de los Oscar de dicho año, recibiendo una gran ovación. Fué su última aparición en público, a pesar de sus palabras: " Los Oscar y yo tenemos algo en común. Ambos llegamos a Hollywood en 1928. Los dos estamos algo zarandeados por la vida, pero seguimos aquí y pensamos hacerlo durante bastante tiempo".

John Wayne ha sido hasta el momento el actor más taquillero de toda la historia del cine, superando a Clint Eastwood, que es el segundo colocado en este ranking. Wayne, fue durante dos décadas, años 50 y 60, el número uno, ocupando además el séptimo puesto en la década de los 70. A aparecido en la lista anual de los diez actores más taquilleros de Hollywood en 24 ocasiones.

Cien años de leyenda.

Letra y música...

2007-05-03T18:03:00.001-06:00

La comedia romántica-musical "Letra y música" protagonizado por Hugh Grant (Alex Fletcher), Drew Barrymore (Sophie Fisher)y cuya musicalización estuvo a cargo de Adam Schlesinger nos muestra el proceso de creación de una canción. Su título es: "Way back into love"

La versión demo, cuando la están creando, es esta:

Y la versión final interpretada por Haley Bennett, como la cantante Cora Corman, es la siguiente:

“Escuchando el cine”: la música de las películas

2007-04-24T17:59:00.000-06:00

Programa de televisión recrea las bandas sonoras

Un excelente programa sobre cine emite Canal 13 Cable los días lunes a las 20 horas. Se trata de “Escuchando el cine”, una producción Duoc, conducido por Roberto Aschieri. En el programa, los creadores de la música de los films explican como realizaron sus creaciones y los directores analizan la importancia de la banda sonora en el resultado de sus películas. Muestran instantes de la grabación con las explicaciones correspondientes a momentos de la escena y su justificación estética. Des mismo modo es posible ver algunos story que justifican el pensamiento artístico en la relación imagen-sonido.

Su conductor cumple una precisa participación, documentada y breve.

Para los amantes del cine es un buen momento para aprender y disfrutar de las maravillas del cine. Se lo recomendamos.

En relación a lo anterior es importante destacar que la música en el cine es una apreciación subjetiva de la objetividad de los sucesos que ocurren en la pantalla. En la música cinematográfica aparecen dos concepciones: la música ambiente y la música paráfrasis. Desde un punto de vista simplista, frecuentemente, cumple una de las tres funciones siguientes: sustitución de un ruido real, sublimación de un ruido o grito y subrayar un movimiento o un ritmo visual sonoro. Debe participar discretamente en la creación de la tonalidad general, estética y dramática de la obra. Su acción será más eficaz si se hace oír pero no escuchar. Profundiza la impresión visual añadiéndole una resonancia de naturaleza específicamente distinta.

La música produce una impresión global sin comentar la imagen a través de su tonalidad, su ritmo y su melodía, creando una especie de medio ambiente efectivo que capacita sutilmente al espectador para una mejor receptividad del valor profundo de las imágenes o del film como unidad significativa.

Cartas desde Iwo Jima

2007-02-20T15:17:00.000-05:00

Los efectos de la guerra sobre los seres humanos

El relato del filme trata de un grupo de soldados japoneses que enfrentan la muerte segura en una batalla que desde el principio saben que están destinados a perder, en una isla que debe ser defendida hasta el último hombre para que el enemigo sufra las mayores bajas. El eje de la historia está centrada en los efectos de la guerra sobre los seres humanos presentes en las cuevas, el seguro cementerio para sus protagonistas.

En su mensaje destaca el afán por comprender al pueblo japonés en su comportamiento, donde la tradición oriental y militar colocan a la patria por encima de todo y donde el honor y la dignidad se convierten en valores fundamentales.

Un filme donde destacan un tratamiento en el estilo del cine clásico japonés en cuanto a utilización de planos y angulaciones dramáticas y en una dirección de fotografía parduzca y sepia, en tonalidades oscurecidas que trasmiten una estética de desesperanza. Un tono general de dureza y desazón interior de los protagosnistas con violentas escenas de guerra en una atmósfera íntima que explora dramáticamente lo humano de esa guerra.

En el filme se destacan los mecanismos del cine de los grandes maestros para construir un relato épico y una valiosa preocupación por la estética y una detallada elaboración del relato, en una excelente composición de planos, tonos, colores y fotografía que acompañan con grandiosidad el recorrido de las imágenes. El guión, bien investigado y mejor desarrollado, y una actuación destacadísima y creíble, son pilares importantes de la película.

El cine de Eastwood es una escritura en lenguaje de imágenes, con flexiones, elipsis, convenciones y una gramática especial. Un instrumento para comunicarse. Sus imágenes imponen a nuestros ojos y oídos un fragmento estético de la realidad. Su obra cinematográfica es inicialmente “ser” para después “significar” en el espectador. Excelente film.Una obra maestra.

Ficha técnica:

Dirección: Clint Eastwood. Género: Drama bélico
País: Estados Unidos. Año: 2006. Duración: 140 min.
Intérpretes: Ken Watanabe (general Tadamichi Kuribayashi), Kazunari Ninomiya (Saigo), Tsuyoshi Ihara (barón Nishi), Ryo Kase (Shimizu), Shidou Nakamura (teniente Ito), Nae (Hanako), Hiroshi Watanabe (teniente Fujita), Takumi Bando (capitán Tanida), Yuki Matsuzaki (Nozaki).
Guión: Iris Yamashita y Paul Hagáis, basado en el libro "Picture letters from commander in chief" de Tadamichi Kuribayashi.
Producción: Clint Eastwood, Steven Spielberg y Robert Lorenz.
Diseño de producción: Henry Bumstead y James J. Murakami.
Música: Kyle Eastwood y Michael Stevens. Fotografía: Tom Stern.
Montaje: Joel Cox y Gary D. Roach. Vestuario: Deborah Hopper.

Martin Scorsese…infiltrado

2007-01-04T13:05:00.000-05:00

Se supone que el film “Los infiltrados” (The departed”), basada en el filme oriental ¨Infernal affairs¨, es una carta fuerte para el Oscar 2007. Pero sólo es una buena película de acción. Tiene muchos errores de continuidad actoral y malas soluciones a complejos problemas de relaciones y acción, solucionados mediante balazos. Una muy larga cinta que decepciona a medida que progresa, en una trama mal hilvanada y en la que parece que sobran determinadas secuencias. El factor romántico es protagonizado por una siquiatra que no justifica su rol que es forzado e intrascendente. El filme sólo se sustenta en la calidad de sus actores principales: Leonardo DiCaprio, Matt Damon y Jack Nicholson. Nada más.

Su director Martin Scorsese (64 años), que ha sido nominado nueve veces al Oscar y nunca ha ganado, es uno de los grandes del cine contemporáneo, con una filmografía de más de 40 años, con obras como "Taxi driver" (1976), "Toro salvaje" (1980), "Uno de los nuestros" (1990), "Malas calles" (1973), "El rey de la comedia" (1983), "Jo, ¡qué noche!" (1985) y "Al límite" (1999), "Gángsters de Nueva York" y "El aviador", entre otras.

El problema es que en la ejecución de su último filme no refleja su gran calidad y oficio como director, a pesar de su elenco y de la ingeniosa historia. No está dando la medida para un Oscar.

Claude Chabrol: “L´Ivresse du pouvoir”

2006-10-31T06:33:00.000-05:00

Un maestro del cine francés

Chabrol tiene 76 años y sigue filmando. Es un genuino representante de la Nueva Ola francesa, un grupo de nuevos cineastas franceses surgidos a finales de los años 50, que reaccionan contra las estructuras del cine francés existentes en ese momento y que tiene como máxima aspiración la libertad de expresión y también la libertad técnica.

El estreno de “La comedia del poder” lo trae a las pantallas chilenas. Este compañero de generación de Resnais, Rohmer, Rivette, Godard, Straub y Huillet sigue filmando una película por año.

Chabrol para expresarse en sus films se atiene a una estructura, a un sistema semejante a la de las novelas policiales. Organiza toda una realidad en base a esa fórmula, lo que le da un método para equilibrar los elementos y darse a entender en las películas que realiza.

El factor visual es determinante en la elaboración de sus obras cinematográficas. Su cine se reconoce por los colores. Busca obtener visualmente una especie de expresionismo que permita al espectador comprender por asociación de colores o rupturas brutales aquello que no está dicho en los diálogos. La idea es que éstos no sean explicativos y que sea la imagen la que explique lo que dicen los personajes.

Dice sobre “La comedia del poder:” Me interesó la noción misma de poder”…”Trata sobre personas que son transformadas por el poder, al igual que el resto de su existencia”…”Esas personas están destruidas, sumergidas en un tremendo egoísmo, en una incapacidad total de comprender y compartir el sufrimiento y los problemas de los demás”.

Entre sus films podemos mencionar: El bello Sergio (1969), Los primos (1969), Una doble vida (1959), Ofelia (1962), Las ciervas (1968), Mujer infiel (1968), El carnicero (1969), Relaciones sangrientas (1973), Locuras de un matrimonio burgués (1976), Un asunto de mujeres (1988), Madame Bovary (1991), La ceremonia (1995), En el corazón de la mentira (1999), Gracias por el chocolate (2000), La dama de honor (2004).
Un maestro.

Documental “I´m your man”: un especial tributo cinematográfico

2006-10-25T17:23:00.000-05:00

El homenaje es para el canadiense Leonard Cohen, el poeta-músico de la tristeza gastada

El documental “I´m your man”, dirigido por Lian Lunson y producido por Mel Gibson, es una entrevista y el registro de las versiones de sus canciones que realizó un grupo de destacados cantantes.

El film que se estrenó en Junio en Estados Unidos surgió de shows al aire libre organizados por el Consulado de Canadá en Nueva York, en el año 2004. El primero se realizó en Brooklyn con el nombre “Came so far for beauty: an evening with Leonard Cohen”. Después el proyecto se realizó en Inglaterra y Australia. Cada uno de los artistas convocados (Rufus Wainwright, Nick Cave, Beth Orton, Bono, The Edge, entre otros) realizaron versiones especiales de la música de Cohen.

El afamado director Win Wenders dijo: “es uno de los mejores filmes musicales que se ha hecho”

Para quiénes que no ubican a Cohen, (nacido en Québec en 1934) lo reconocerán por la música que se escucha al comienzo y final de la película “Natural Born Killers”. Allí Cohen canta una de sus canciones: “Waiting for the miracle”; con su voz áspera, ronca, vieja y desgastada.

Cohen, cantante y músico de 71 años, en sus creaciones explora los límites del sentimiento humano dirigiéndose hacia el lado existencial, humanista y romántico de la vida. La depresión y angustia del autor logran trasladarse al público, entra al subconsciente y crea tristes efectos. Las notas de cada canción están diseñadas como lamentos para acompañar su timbre de voz, reflejando sentimientos tristes y opacos.

Su debut en 1956 fue con un libro de poemas llamado “Comparemos mitología”. En 1961 editó “La caja de especias de la Tierra. De su música hay dos títulos importantes: “The songs of Leonard Cohen” (1968) y “Songs of love and hate” (1971). Escribió “El libro de los anhelos”, una colección de más de 40 poemas y narraciones con ilustraciones y autorretratos, recién aparecido en nuestro país.

"Dance me to the end of love", un antiguo video para conocer su creatividad.

“Waiting for the miracle” (Esperando el milagro)

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"Esperando el milagro" (versión en español)

Muchacha, he estado esperando,
he estado esperando noche y día.
No vi el momento,
he esperado media vida ida
Hubo muchas invitaciones
y yo sé que tu enviaste algunas,
pero yo estaba esperando
a que el milagro llegara.

Yo sé que realmente me amabas
pero, mira, mis manos estaban atadas.
Yo sé que debe haberte herido,
debe haber herido tu orgullo
permanecer bajo mi ventana
con tu corneta y tu tambor
mientras yo estaba esperando
a que el milagro llegara.

No me creo que te gustará
No te gustaría aquí
No hay entretenimiento
y los juicios son severos
El Maestro dice que es Mozart
pero suena como chicle
cuando estás esperando
a que el milagro llegue

Esperando el milagro
No queda nada que hacer
No he estado así de feliz
desde el final de la segunda guerra mundial
Nada queda que hacer
cuando sabes que has sido arrebatado
Nada queda que hacer
cuando mendigas por una migaja
Nada queda que hacer
cuando sabes que tienes que continuar esperando
a que el milagro llegue.

Soñé contigo, muchacha
Fue justo la otra noche.
La mayor parte de ti estaba desnuda
pero algo de ti era luz.
Las arenas del tiempo caían
de tus dedos y pulgares
y tu estabas esperando
a que el milagro llegara.

Muchacha, casémonos,
hemos estado solos demasiado tiempo.
Estemos solos juntos.
Veamos si somos así de fuertes.
Hagamos algo loco,
algo absolutamente equivocado
mientras estamos esperando
a que el milagro llegue.

Esperando el milagro
No queda nada que hacer
No he estado así de feliz
desde el final de la segunda guerra mundial
Nada queda que hacer
cuando sabes que has sido arrebatado
Nada queda que hacer
cuando mendigas por una migaja
Nada queda que hacer
cuando sabes que tienes que continuar esperando
a que el milagro llegue.

Cuando has caído en la autopista
y yaces bajo la lluvia
y ellos te preguntas como te sientes
desde luego tu contestas que no te puedes quejar
Si te estrujan por información
es cuando tienes que actuar mudo:
sólo di que estabas allí fuera esperando
a que el milagro llegara.

Día nacional del cine

2006-10-24T07:17:00.000-05:00

Hoy se celebra en Chile el Día Nacional del Cine. En esta fecha vale la pena recordar algunos conceptos: "El cine es el conjunto de técnicas reunidas para obtener, por proyección luminosa, la restitución de movimientos registrados fotográficamente".

Al cine se llegó a través de 3 caminos:

1) La estrobocopía (persistencia retiniana o de la visión)
Es un fenómeno fisiológico natural que consiste en que si le llega al ojo una imagen luminosa, éste conserva y retiene la impresión hasta una décima de segundo después de que la observación ha cesado y desaparecer aquella.

2) La fotografía
La cámara oscura que proyecta exteriores iluminados por el sol en una habitación oscurecida se desarrolló en el siglo XVI.

3) La proyecciónLa cámara oscura permitió crear la “linterna mágica”, aparato que proyectaba imágenes luminosas, que eran simples cuadros, en la oscuridad.

Todo comenzó con las sombras chinescas y las primeras experimentaciones de algunos visionarios como: Aristóteles, Roger Bacon, Gian Batista Della Porta, Leonardo Da Vinci, Athanasius Kircher, el Abate Furetiere, Seraphin, Etienne Robertson, Thomas Wedgwood y Humprey Davy, Wollaston, Nicéphore Niepce y Louis Daguerre, Peter Mark Roget, Fitton y el Dr. John Ayrton Paris, Joseph Antoine Plateau, Michael Faraday, J. Antoine Plateau, Simo Stampfer, William George Horner, William Henry Fox Talbot,John William Herschel, Henry Langdon Childe, Abel Niépce de Saint - Victor, Jules Duboscq, F. Scott Archer, Franz von Uchatius, Alexander William Parkes, Desvignes, Coleman Sellers, Ducosq de Auron, J.W. Haytt e Isaias Haytt, Henry R. Heyl, Edward Muybridge, Jules Janssen, Emile Reynaud,Edison, Le Prince y J. Etienne Marey, William Dickson, Georges Demeny y Francis C. Jenkins.

Tras estos precursores surgieron los cineastas: Augusto y Louis Lumière, Alfred Clark, George Meliès, los hermanos Pathé, Gammon y Raff, Félix Mesguich, Eugéne Pirou, Leon Gaumont , J. Stuart Blackton, James Williamson y Alfred Collins, Raoul Grimoin, Edwin S. Porter, y el cine ya estaba en camino.

A comienzos del 1900, en Chile se iniciaban en la aventura visual: Carlos Ansaldo, Arturo Larraín Lecaros, Adolfo Urzúa Rojas, Salvador Giambastiani, Arturo Mario, José Bohr,Pedro Sienna, Carlos Cariola.

Algunos nombres para recordar.

Los mejores filmes musicales de la historia del cine

2006-09-08T13:41:00.001-06:00

“Cantando bajo la lluvia” es la mejor de todas

El American Film Institute (AFI) eligió las 25 mejores películas musicales de la historia del cine. El jurado compuesto por actores, directores, artistas, compositores, músicos, críticos e historiadores del cine realizaron la siguiente selección:

1. Cantando bajo la lluvia (1952) dirigida por Stanley Donen, con Gene Kelly

2. Amor sin barreras (1961) dirigida por Robert Wise, con Natalie Word y George Chakiris con que ganó 10 Oscar

3. El mago de Oz (1939) dirigida por Victor Fleming con Judy Garland

4. La novicia rebelde (1965) dirigida por Robert Wise, con Julie Andrews

5. Cabaret (1972) dirigida por Bob Fosse, con Liza Minelli

6. Mary Poppins (1964) dirigida por Robert Stevenson, con Julie Andrews

7. Nace una estrella (1954) dirigida por George Cukor, con Judy Garland

8. Mi bella dama ((1954) dirigida por George Cukor, con Audrey Hepburn

9. Un americano en París (1951) dirigida por Vincent Minelli con Gene Kelly

10. Meet in St Louis (1944) dirigida por Vincent Minelli, con Judy Garland

11. El rey yo (1956) dirigida por Walter Lang, con Deborah Kerr y Yul Brynnner

12. Chicago (2002) dirigida por Rob Marshall, con Renée Zellweger, Catherine Zeta-Jones y Richard Gere,

13. La calle 42 (1933) dirigida por Lloyd Bacon, con Dick Powell

14. All that jazz (1979) dirigida por Bob Fosse, con Roy Scheider, Jessica Lange

15. Sombrero de Copa (1935) dirigida por Mark Sandrich, con Fred Astaire y Ginger Rogers.

16. Funny Girl (1968) dirigida por William Wyler, con Barbra Streisand y Omar Shariff

17. The band wagon (1953) dirigida por Vincent Minelli, con Fred Astaire y Cyd Charisse.

18. Yankee Doodle Dandy (1942) dirigida por Michael Curtiz, con James Cagney y Joan Leslie.

19. Leven anclas (1949) dirigida por George Sydney, con Kathryn Grayson, Gene Kelly y Frank Sinatra

20. Grease (1978) dirigida por Randal Kleiser, con Olivia Newton John y John Travolta

21. Siete novias para siete hermanos (1954) dirigida por Stanley Donen, con Howard Keel y Jane Powell.

22. La bella y la bestia (1991) realizada por Gary Trousdale y Kirk Wise

23. Chicos y Chicas (1955) dirigida por Joseph L. Mankiewics, con Marlon Brando, Jean Simmons y Frank Sinatra

24. Showboat (1936) dirigida por James Whale, con Irene Dunne y Allan Jones

25. Moulin Rouge (2001) dirigida por Baz Luhrmann, con Nicole Kidman.

Si le gustan las películas musicales aquí tiene donde elegir y disfrutarlas.

Glenn Ford: el pistolero invencible

2006-08-31T07:22:00.000-06:00

En sus filmes fue policía, marino, gangster y galán. Realizó más de 80 filmes en toda su carrera.

En un post anterior recuerdo que mencioné que en las matineé de los domingos había visto casi todos los films del oeste, pasando del blanco y negro al color. Uno de los filmes que nunca olvidé fue “El pistolero invencible”. Su protagonista: Glenn Ford.

El destacado actor ha muerto en su casa de Beverly Hills, a los 90 años. Nació, el 1º de mayo de1916 en Québec, Canadá, con el nombre de Gwyllyn Samuel Newton Ford y era hijo de un directivo de ferrocarriles. A los 8 años llegó a Estados Unidos, a Santa Mónica, California y estuvo casado tres veces.

“El pistolero invencible”, (demoraba en realidad 0,4 segundos en desenfundar su revólver), fue una de sus películas, dirigida por Russel Rouser, en 1956. El film también se conoció con el nombre de “Llega un pistolero”.

En su adolescencia formó parte de la compañía itinerante West Coast y en una de sus actuaciones Tom Moore, le propuso realizar una prueba para incorporarse a la Columbia. Así comenzó su carrera cinematográfica que duró entre 1939 hasta 1991, donde realizó 85 filmes.

Su primer papel, en 1939, fue en la película "Heaven with a barbed wire fence", dirigida por Ricardo Cortez. Después realizó “So ends our night" (1941) de John Cromwell, "Texas" (1941) de George Marshall, "El barco de la muerte" (1942) de Sidney Salkow. Protagonizó “Gilda” con Rita Hayworth realizada por Charles Vidor, "The Lady in question" (1940), "Los amores de Carmen" (1948), "La dama de Trinidad" (1952) de Vincent Sherman y "La trampa del dinero" (1966), con la dirección de Burt Kennedy.

Protagonizaría también "Una vida robada" (1946), con Bette Davis y "El hombre del Colorado" (1948) de Henry Levin.

En los años 50 realizaría "El desertor del Álamo" (1953) de Budd Boetticher, "Los sobornados" (1953) de Fritz Lang, "Deseos humanos" (1954) de Fritz Lang, "La melodía interrumpida" (1955) de Curtis Bernhardt, "Semilla de Maldad" (1955) de Richard Brooks, "La furia de los justos" (1955) de Mark Robson, "Llega un pistolero" (1956) de Russel Rouse, "La casa de té de la luna de agosto" (1956) de Daniel Mann, "Jubal" (1956) de Delmer Daves, "El tren de las 3:10" (1957) de nuevo con Daves, al igual que "Cowboy" (1958), "Furia en el valle" (1958) de George Marshall o "Un muerto recalcitrante" (1959) de Marshall.

Posteriormente filmaría"Cimarron" (1960) de Anthony Mann, "Un gángster para un milagro" (1961) de Frank Capra, "El noviazgo del padre de Eddie" (1963) de Vincente Minnelli, "Chantaje para una mujer" (1962) de Blake Edwards, "Los cuatro jinetes del apocalipsis" (1963) de Minnelli, "La furia de los cobardes" (1964) de George Marshall o "Smith" (1969) de Michael O'Herlihy. En 1978 participó en “Superman”, un film de Richard Donner.

Un recuerdo, una película inolvidable y un destacado actor que ya no está. Sólo quedan sus filmes para revivir su talento.

Cine chileno: ni tanto ni tan poco…

2006-08-24T15:39:00.000-06:00

Hace unos días en un canal de cable exhibieron el film chileno “Machuca”. Por curiosidad dediqué un tiempo a ver “como se veía” en la televisión en un contexto diferente de percepción a una sala de cine. Y los defectos del film saltaron a la vista. Personalmente nunca le encontré la calidad que tanto pregonaban los comentaristas especializados. Y en ese contexto, la película comparada con los otros filmes que se exhiben en la televisión pagada se veía muy desmerecida.

Mi posición fue verla de manera neutra como si fuera un teleespectador de cualquier país. La dicción de los actores muy deficiente y a veces ininteligible, muchos modismos localistas, la música incidental sólo como acompañamiento y no como un recurso expresivo, un montaje lento y falto de ritmo visual, algunos temáticas entendibles solo para quiénes son chilenos, etc. Mucha pretensión de obra de arte.

En general, casi no veo cine chileno porque considero que está más cerca de una “fotonovela” en movimiento que de una película de factura internacional. Muchos errores de dirección y continuidad, guiones deficientes (les cuesta mucho contar en imágenes), actores sobreactuados y muchos contenidos políticos, religiosos y costumbristas. Es un cine que no se ubica en ningún estilo de los varios que existen ni tampoco en una obra de autor.

Hacer un film en los tiempos actuales no es una tarea tan titánica como antes. La tecnología soluciona muchos problemas, pero no es lo más importante. El talento es lo principal. Tomo como ejemplo el neorrealismo italiano que sin grandes recursos económicos y técnicos hicieron obras cinematográficas que quedaron en la historia por su valor artístico, lo mismo el cine francés que han realizado excelentes y sencillos filmes de gran calidad.

Lamentablemente los “comentaristas o críticos de cine” solo se limitan a opinar sobre el contenido o historia de una película sin profundizar en un análisis de la estética de la expresión cinematográfica lo que lleva a los espectadores a tener un bajo umbral de análisis de lo que están viendo en pantalla, conformarse, y creer que cada película chilena es digna de un Oscar. Y eso no ayuda a hacerlo mejor.

Mención aparte para Silvio Caiozzi, Miguel Littin y Raúl Ruiz quiénes dominan al más alto nivel la realización de una película y lo demuestran cada vez que acometen un trabajo cinematográfico. Como los viejos cineastas chilenos, que si sabían, no están haciendo cine, al resto de los jóvenes “directores de cine” les queda el consuelo de saber que todavía les falta mucho por hacer en este arte y no creerse el cuento de “soy cineasta”. Lo malo es que el público se conforma con poco y eso los deja felices.

Federico Fellini

2006-07-26T09:45:00.000-06:00

El gran maestro de un cine diferente

En el post anterior me refería a mi primer nexo con el cine de Fellini.

En la actualidad,pasando en auto por una calle de la ciudad de Viña del Mar, veo un restaurant cuyo nombre es “Fellini”, y me pregunté que motivación tendría su dueño para ponerle ese nombre ¿Sería un admirador? ¿Lo tendría decorado con motivos de su filmografía? Algún día lo sabré.

Y recordé la escena más loca y que más me impactó. Fue en la película “Roma”, estrenada en 1972. Un desfile de moda de curas y monjas en una pasarela. Avanzaban en patines con un vestuario estrafalario y lleno de luces. Esa escena representa para mí la forma en que Fellini captaba el mundo. Como un gran circo grotesco.

Para entenderlo no basta mencionar a las gordas de sus films. Sino conocer su visión del mundo que refleja en sus películas.

Con una gran filmografía, que no mencionaré, fundamentada en la crítica social, la estética del circo, la imaginación absurda y surrealista, Fellini es un creador original representando siempre las fronteras entre fantasía y realidad.

Su cine esta plagado de personajes grotescos e imágenes oníricas, ignorando todas las convenciones. Una autoridad visual perversa sometido a su condicionamiento infantil. Mezcla de lo fantasioso con una realidad subjetiva muy cercana al surrealismo.

En sus películas retrata la decadente vida llena de excesos de la burguesía, próxima al espectáculo de variedades, por eso utiliza principalmente gente y no actores.

Dice Fellini: “Los preliminares del espectáculo siempre me emocionaron, como el circo. Para mí, el cine es una sala hirviente de voces y sudores, las castañas asadas, el pipí de los niños: ese aire de fin de mundo, de desastre de redada. El desbarajuste que precede al espectáculo de variedades, los directores que llegan a la orquesta, los acordes, la voz del cómico y los pasos de las chicas detrás del telón. O la gente que en el invierno sale por las puertas de emergencia, alguien que canturrea el motivo de una película, risotadas, alguien que mea”.

El mundo de Fellini son imágenes caricaturescas, monigotes inagotables, anatomías femeninas hipersexuadas, obsesivas, caras decrépitas, curas, llamas de cirios, tetas y traseros, enredos, textos delirantes, toda la pacotilla desbordante e inagotable, digno de un psiquiatra. Todo es confusión en el exagerado mundo de Fellini.

Finaliza Fellini: “En el rodaje, las primeras dos semanas son un viaje contradictorio para mí. A partir de ahí siento que ya no soy yo quien dirige la película, sino que la película me dirige a mí.”

Curiosamente Fellini fue dibujante… en el cine fue caricaturista de la realidad.

Mientras lee, escuche parte de la música incidental característica de uno de sus films.

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Antonioni: siempre en el filo de las cosas

2006-07-11T14:23:00.001-06:00

La vida es para vivirla y filmarla y Antonioni tiene película nueva

Se estrena en Chile el film mediometraje “El peligroso filo de las cosas”, que forma parte de una trilogía llamada “Eros”, realizada en conjunto con Steven Soderbergh (“Equilibrio”) y Wong Kar-Wai (“La mano”)

Michelangelo Antonioni, cineasta, escritor y pintor, es el director de “El peligroso filo de las cosas”. Un maestro del cine italiano y que entra en la categoría de los más grandes directores del cine mundial. Actualmente próximo a cumplir 94 años, está semiparalizado y sin habla. Vive en una silla de ruedas. En 1985 una hemorragia cerebral lo dejó en ese estado.

Pero la vida es para vivirla y filmarla y Antonioni tiene película nueva. El film se estrenó en Septiembre de 2004 en el Festival de Venecia y ahora llega a nuestro país. Es un cuento de su autoría en una historia que relata la incomunicación de una pareja de mediana edad.

¿Cómo la dirigió estando tan enfermo? Como no puede comunicarse oralmente, su esposa Enrica, traducía cada gesto de sus manos o muecas en su rostro y lo transmitía al equipo realizador.

Es un director que en Chile no ha estrenado casi en veinte años y como las nuevas generaciones casi no lo conocen es importante dar a conocer su historia fílmica.

En su carrera ha obtenido el premio Oscar, la Palma de Oro en Cannes, el Oso de Oro en Berlín y el León de Oro en Venencia.
Los temas del director son la dificultad para establecer relaciones auténticas entre las personas, la imposibilidad de comprender la realidad, y el desarraigo en una sociedad fría y deshumanizada.

Su carrera cinematográfica comenzó tras colaborar en el guión de "Un pilota ritorna" (1942) de Rossellini y trabajar como ayudante del director Marcel Carné, Antonioni rueda su primer cortometraje, el documental "Gente del Po" (1943-1947).

De ahí para adelante su filmografía destacó con films que están en la historia del cine: su primer largometraje como director fue Crónica de un amor (1950), le siguieron: El jeque blanco (1952)(autor de la historia), Amor en la ciudad (1953), Las amigas (1955), El grito (1957), La aventura (1960), La noche (1960), El eclipse (1962), El desierto rojo (1964), Blow Up (Deseo en una mañana de verano (1966), Zabriskie Point (1970), Identificación de una mujer (1982) El misterio de Oberwald (1980), Más allá de las nubes. (1995) con Win Wenders, entre otras.

Antonioni a través de su simbolismo visual siempre nos presenta una original visión de la realidad y de los espacios de la vida, con temas sociales como la alienación, el aburrimiento o el erotismo sin amor.

Siempre al filo de las cosas y su último film no es la excepción.

Muere el “Cura” Sanchez (1920-2006)

2006-07-05T10:20:00.001-06:00

A los 85 años dejó de existir Rafael Sánchez, reconocido documentalista, docente y escritor.

Rafael Sánchez fue maestro de varias generaciones de cineastas chilenos. Conocido como “el cura” por su pasado en la congregación jesuita como sacerdote, realizó muchos documentales como “Faro evangelista”(1964), “Mi valle de Elqui”(1972), “Chile paralelo 56”(1964), entre otros, y también su única película de ficción “El cuerpo y la sangre” (1960).

Fue fundador y director del Instituto Fílmico de la Universidad Católica, desde 1955, y autor del libro “El montaje cinematográfico”, texto de consulta obligatoria para estudiantes de cine y profesionales audiovisuales.

Un gran maestro de excelencia,rigor pedagógico y creatividad en la cinematografía chilena, nos ha dejado. Un recuerdo para él, de los que amamos el cine.

El cine hace medio siglo…

2006-06-21T16:32:00.000-06:00

El 13 de marzo de1956 se estrena el western “Más corazón que odio” del director John Ford, con la actuación de John Wayne. Este film siempre ha estado en las listas de las mejores películas de vaqueros de la historia del cine.

Pero ese año también ocurrieron muchos hechos importantes en la cinematografía mundial:

Michael Anderson realiza “La vuelta al mundo en 80 días” (con Cantinflas, Trevor Howard y David Niven) que gana un Oscar. Mientras tanto Joshua Logan realiza “Pic Nic” (con Kim Novak, Rialind Russell y William Holden). En Francia, Roger Vadim filma “Y Dios creó a la mujer”, con Brigitte Bardot.

Tres destacados films se producen: “Moby Dick” con Gregory Peck, Richard Basehart y Orson Welles, dirigida por John Houston. También Cecil B. de Mille dirige “Los 10 mandamientos” (con Yul Brynner y Charlton Heston) y George Stevens presenta el film “Gigante” con Rock Hudson, Elizabet Taylor y que dejó filmada James Dean antes de morir en un accidente automovilístico.

En Suecia, Ingmar Bergman filma “El séptimo sello” con Max Von Sydow y en India se produce “Pather Panchali” (El lamento del sendero), primera parte de la trilogía de Apu de Satyajit Ray. Mientras que Pudovkin realiza “El admiral Nikimov” en Rusia. Y en Chile: Tito Davison dirige el film “Cabo de Hornos”.

Robert Bresson , con la ayudantía de Louis Mallé realiza “Un condenado a muerte se ha escapado”. Elia Kazan realiza “Baby Doll" y Terence Fisher realiza una nueva versión de “Frankenstein” con Peter Cushing, para la productora británica Hammer.

Fritz Lang realiza el film “Mientras Nueva York duerme”(con Dana Andrews) y Raoul Walsh filma “Un rey para cuatro reinas”, con Clark Gable y Eleanor Parker.

Alfred Hitchcock dirige “El hombre que sabía demasiado” con Doris Day, James Stewart, Daniel Gelin y la participación de Harry Dean Stanton. También Ingrid Bergman trabaja en “Anastasia”, que gana un Oscar. Mientras Howard Hawks dirige “Los caballeros las prefierien rubias” con Marilyn Monroe, James Coburn y Jane Russell.

Debuta Tony Curtis en el film “Trapecio” junto a Gina Lollobrigida y Burt Lancaster y en Japón, Kon Ichikawa realiza “El arpa birmana”.

Son algunos de los hechos importantes del cine mundial que ocurrieron en 1956. Hace “solamente” medio siglo.

Un recuerdo para esa películas, sus grandes directores y los famosos actores y actrices que permanecen en el recuerdo de los amantes del Séptimo Arte.

Recordando a los viejos héroes del cine con Westcoast Motion Pictures

2006-05-23T13:22:00.000-06:00

La pantalla grande es una eterna alfombra mágica que transporta al espectador por los distintos géneros y estilos cinematográficos dejando la mente impregnada de imagenes que no se olvidan.

Para los amantes del séptimo arte existe lugar donde se puede volver al esplendor del viejo cine introduciéndonos a los recuerdos de las primeras películas que vimos antaño. Esas de aventuras, de romance, suspenso o drama que se experimentaban visualmente como un cuento lleno de fantasía.

Ubicado en el centro de Santiago de Chile, en la calle Mac-Iver 780 está Westcoast, donde el publicista Mario del Villar luce su colección de películas antiguas.Aquí se pueden encontrar todos los films clásicos del cine para disfrutarlos, paladearlos, conversarlos y recordar también los viejos tiempos. Un verdadero santuario del séptimo arte.

De esos recuerdos aquí van algunas imágenes inolvidables de héroes del cine (le decíamos "el jovencito") y que nos hicieron soñar con ser protagonistas de alguna historia que se llevó el tiempo y la tecnología.

Las maravillas del cine son tanto su presente y su pasado como su desarrollo a través del mundo.

Una “Misión Imposible” muy posible

2006-05-08T16:36:00.000-06:00

Misión Imposible 3 tiene toda la acción y los efectos especiales que se esperan de este tipo de películas: una mezcla de acción y dramatismo en situaciones extremas con acrobacias y efectos especiales increíbles mezclados con una dramática historia íntima. La historia de un hombre que trabaja de espía lo que le crea un conflicto al intentar combinar su vida personal con los peligros del trabajo secreto que realiza.

Un largometraje directo y muy entretenido cuyo ritmo no decae en ningún momento y cuya acción combina bien el suspenso con los conflictos personales que vive el protagonista. En ese contexto la puesta en escena es enérgica y captura la atención del espectador con rápidos planos montados a buen ritmo, con demasiada información visual a veces ininteligible y donde lo único importante es reconocer siempre a los buenos y saber quiénes son los malhechores.

El peso de la película radica en su ritmo narrativo y en su lograda puesta en escena, sin descuidar la caracterización de los personajes muy bien interpretados por Tom Cruise (el héroe) y principalmente por Philip Seymour Hoffman (el antihéroe), con un tratamiento humano e interior, algunas emociones y sentimientos, pero sin evolución dramática, optándose siempre por poner el énfasis en la acción.

Mención aparte para la interpretación del malo llamado Davian, interpretado por Philip Seymour Hoffman, capaz de todo en un rol de hombre despiadado y terrible. Las palabras de venganza que salen de su boca tienen una carga dramática muy superior a las escenas de acción. Se pone magistralmente en la piel de un temible villano logrando algunos diálogos brillantes y convincentes.

La banda sonora es discreta pero eficaz al guiar la intriga del film, pero su música se pierde en las secuencias de acción y no cumple su función estética/dramática en algunas escenas.

Reitero, de indudable maestría son los efectos especiales, la tecnología mostrada y el rodaje de escenas de espectacularidad pero ya no es la Misión Imposible original de la televisión, donde realmente la misión “era imposible” y había que inventar una nueva realidad para ejecutarla. Ahora no, sólo es una muy entretenida película de acción. Como muchas del género.

Ficha Técnica

Dirección: J.J. Abrams ("Lost", "Alias")
País: USA - Año: 2006
Duración: 125 min.- Género: Acción
Intérpretes: Tom Cruise, Philip Seymour Hoffman, Ving Rhames ,Billy Crudup, Michelle Monaghan, Jonathan Rhys Meyers, Keri Russell, Maggie Q, Laurence Fishburne.
Guión: Alex Kurtzman, Roberto Orci y J.J. Abrams
Producción: Tom Cruise y Paula Wagner
Música: Michael Giacchino
Fotografía: Dan Mindel
Montaje: Maryann Brandon y Mary Jo Markey
Diseño de producción: Scott Chambliss
Vestuario: Colleen Atwood

Alida Valli, icono del cine italiano

2006-04-27T14:46:00.000-06:00

La actriz Alida Valli (Alida Maria Altenbunger), nacida en 1921, fue considerada uno de los iconos del cine italiano y uno de los rostros más significativos e intensos de la pantalla grande.

Valli desarrolló su carrera cinematográfica durante más de 60 años y trabajó con los más destacados directores de cine. Algunos de sus mejores trabajos, en obras maestras de nuestra cinematografía, están relacionados con su extraordinario talento interpretativo y con su facilidad para pasar de la comedia al drama.

Se inició muy joven en el cine, en el año 1934, con el film "Il cappello a tre punte" y después continuó, en 1936, con "I due sergenti".

Gracias al personaje de Luisa en la película 'Piccolo mondo antico' (1941), la actriz obtiene gran popularidad y se convierte en una de las actrices más amada por el público. En 1942 filma Adiós Kira.

En Hollywood, en 1947, trabajó en "El caso Paradine", de Alfred Hitchcock. En 1948, continúa con El Milagro De Las Campanas y enseguida con "El tercer hombre", de Carol Reed, en 1949, donde comienza a convertirse en una auténtica estrella de cine.

En Italia interpreta el papel más importante de su larga carrera y con el cual obtiene un lugar de honor en la historia del cine italiano, la condesa Livia Serpieri, apasionada y atormentada protagonista de 'Senso' (1954) de Luchino Visconti.

En 1957 filma Los Amantes Del Claro De Luna, El Prisionero Del Mar y El Grito.

En Francia, a las órdenes Georges Franju rodó “Los ojos sin rostro” (1959).”Una larga ausencia” de Henri Colpi, 1961, es otro de los hitos de la filmografía francesa de Alida Valli.

En su madurez, dio comienzo a una prolongada colaboración con Bernardo Bertolucci en el film 'La estrategia de la araña'(1970).

En España la actriz se puso a las órdenes de José María Forqué en “No es nada mamá, sólo es un juego” (1974).

Siguió con roles destacados en "Novecento" de Bernardo Bertolucci, en 1977, y "Edipo Rey", de Pier Paolo Pasolini, en 1967, grandes directores italianos.

En 1982 recibió el premio David de Donatello, como mejor actriz por "La caduta degli angeli ribelli", y en 1991 el mismo galardón en reconocimiento a toda su carrera. En 1997 obtiene el León de Oro por su contribución al éxito del cine italiano.

Su última aparición en la gran pantalla tuvo lugar en 2002, cuando se puso a las órdenes de Pepe Danquart para interpretar "Semana Santa", rodada en Sevilla.

Una gran actriz, una estrella y un icono del cine ha muerto a los 85 años.

Las estrellas del cine oriental

2006-04-06T15:06:00.000-06:00

Son las principales figuras del cine de oriente. Conózcalas en un breve resumen.

Ziyi Zhang

Aunque sus inicios iban encaminados al mundo de la gimnasia rítmica y la danza, comenzó haciendo publicidad como modelo y después como actriz. Su primera película fue "La casa del camino" del director Zhang-Yi Mou. Es una actriz china que está revolucionando el mundo del cine. Se ha convertido en la actriz de moda. Ha protagonizado el Tigre y Dragón, La Casa de las Casas Voladoras y sobre todo, Memorias de una Geisha.

Gong Li

En 1987 debutó con la primera película dirigida por Zhang Yimou "Sorgo Rojo", film que la convirtió en una estrella para los cinéfilos de todo el mundo. Gracias a ese film se convirtió en una estrella internacional. Sin duda alguna, es la actriz china más admirada en todo el mundo. Su carrera ha estado jalonada por éxitos tales como: Adiós a mi concubina, Sorgo rojo, Vivir, La linterna roja. Ju dou.

Maggie Cheung

Una actriz china sensible y sensual, mezcla lo clásico y lo moderno en una misma persona. Talento de impacto inmediato. Inició su carrera como modelo que fue su puerta de ingreso al cine, primero en Hong Kong y más tarde en Europa y Estados Unidos. Entre sus films están: As tears goes by, Chinese Box, Con ánimo de amar, Los secretos del amor

Qi Shu

De origen taiwanés inició su carrera en películas eróticas. Su crecimiento como actriz pasó por diferentes etapas siendo capaz de adoptar cualquier tipo de carácter tanto dramático como cómico, sus principales cualidades. Su tiempo lo reparte entre el cine y la publicidad. Sus films mas conocidos son: El transportador, The eye, Millenium Mambo, Visible Secret.

Lee Young-ae

Estudió Lengua y literatura alemana y tiene un postgrado en periodismo. Entre sus films están: Sympathy for Lady Vengeance, El regalo, Un hermoso día de verano. También realizó miniseries: Hermanos médicos, Romance, Dae-jung Keum, Fuego ardiente.Ha obtenido premios como la actriz más popular y la mejor actriz.

“Crash“: colisión con el “Oscar”

2006-03-10T13:11:00.000-05:00

La mayoría de las películas que fueron seleccionadas para postular a la versión Nª 78 del premio Oscar marcan una tendencia referida a temas sociales o personajes que preocupan principalmente a los norteamericanos. Por eso no es de extrañar que “Crash” obtuviera el máximo galardón. Aunque no es una obra de arte está técnicamente bien realizada

Este film se sustenta en dos pilares fundamentales: el montaje, que mantiene al espectador tratando de armar el puzzle que se le está planteando y el guión que lleva la historia contada como frases visuales, formando parte de un todo. En ambos aspectos también obtuvo el codiciado premio.

El film es el relato de varias historias paralelas que se entrelazan durante día y medio en la ciudad de Los Ángeles, donde el azar pone en contacto el destino de sus personajes, en una narrativa que utiliza la exageración para desarrollar una historia bastante artificiosa.

Su estructura narrativa pone el énfasis en el ritmo y la intensidad de ese relato, tomando al racismo y la discriminación como generadores que entrecruzan de manera continua historias y personajes, conectados con un accidente de auto (“Colisión”) iniciador de una trama que va y vuelve sobre las emociones de cada uno de los protagonistas.

"Crash" es una película sobre la gente, sobre los estados anímicos, la psicología de los personajes, sus miedos, su sufrimiento, la incomunicación, el distanciamiento, la violencia discriminatoria y el racismo. Todos unidos por el silencio, la sensación de soledad y el agobio de sentirse desconectados del mundo.

Según avanza la trama se muestra que la existencia de cada persona está marcada solamente por acontecimientos cambiantes en la moralidad y donde no existen ni buenos ni malos, sólo momentos de odio o tolerancia.

Es una película socialmente valiosa porque lleva a la reflexión sobre la vida y los hechos cotidianos, está bien producida y es muy entretenida. Pero no es una obra de arte.

Ficha técnica

Direcctor: Paul Haggis - Año: 2004 - Duración: 100 min.
Género: Drama.
Intérpretes: Sandra Bullock, Don Cheadle, Matt Dillon, Jennifer Esposito, William Fichtner, Brendan Fraser, Terrence Dashon Howard, Thandie Newton, Chris Bridges, Ryan Phillippe, Larenz Tate.
Guión: Paul Haggis y Bobby Moresco
Producción: Cathy Schulman, Don Cheadle, Bob Yari, Mark R. Harris, Bobby Moresco y Paul Haggis.
Música: Mark Isham.
Fotografía: James Muro
Montaje: Hughes Winborne.
Diseño de producción: Laurence Bennett.
Dirección de arte: Brandee Dell' Aringa.
Vestuario: Linda M. Bass.

El jardinero fiel (The constant gardener)

2006-01-31T10:58:00.000-05:00

“Vivió y murió porque le importaba la vida”

El desarrollo del filme cuenta que Justin Quayle (Ralph Fiennes) un tranquilo diplomático británico en Kenia y Tessa (Rachel Weisz) una fuerte activista, forman una inusual pareja. Ella está decidida a descubrir y revelar las injusticias que ocurren con la industria farmaceútica en Africa. Un día ella aparece asesinada en una solitaria carretera junto a un médico amigo suyo. Justin, pensando en una infidelidad, comienza a investigar las causas de su muerte, hasta que descubre una conspiración por parte de compañías internacionales. En eso se resume la historia.

La trama se desarrolla en forma fragmentada y no lineal y lleva una intensa narrativa de tal forma que el espectador va descubriendo junto al protagonista los secretos de la mujer. Tras la intriga y suspenso, curiosamente, hay una sólida historia de amor que constituye el alma de la película.

Por un lado, es un thriller político acerca de los escándalos corporativos, sus intentos delictivos y sus manipulaciones y por otra parte, una historia de amor, de pasión y ternura que nutren la relación entre Justin y Tessa.

Para Justin es un viaje de descubrimiento en el que alcanza un nivel de conocimiento de sí mismo, del amor verdadero y, a la vez, se encuentra con un enorme escándalo político.

La dirección de Meirelles es semi documental en muchas secuencias, que aportan intensidad, realismo y la ambigüedad necesaria para mantener el misterio. Con habilidad mezcla aventura, problemas sociales y emociones.

Las imágenes imponen representativamente fragmentos de la realidad y a este nivel el fondo y la forma son prácticamente indisolubles. No se puede hablar de la calidad estética sin considerar su contenido, es decir lo que representa y ese es el mérito del film. Sus características de unicidad representativa de los planos, captan los aspectos precisos determinados por la naturaleza de las cosas, en el contexto cinematográfico y mental del espectador.

El elenco realiza un excelente trabajo, entregando actuaciones detalladas y realistas. No se ven estrellas de cine, sino auténticos personajes, vivos, intensos y palpitantes. (Rachel Weisz obtuvo el galardón a la mejor actriz secundaria entregado por el Sindicato de Artistas de Hollywood)

El montaje está en un ritmo preciso y ajustado a la narrativa, con planos de duración exacta que entregan la información que debe saber el espectador y flash back en el momento exacto, para seguir la historia utilizando ángulos de toma y encuadres que potencian el mensaje visual.

La fotografía y la iluminación son utilizadas como recurso expresivo y aportan como elemento creador expresivo de acuerdo a las escenas, para dar con el tono de color que necesita el momento fílmico, a veces, romántico y otras fuerte como es la vida en Africa.

La banda musical recrea el momento con variedad de recursos sonoros que envuelven y adecuan la historia en una especie de leitmotiv plástico bajo al forma de un contrapunto en el drama de las imágenes que expresan la grandeza y permanencia del drama humano.

Una excelente película donde destacan la sutileza de las metáforas visuales y auditivas complementadas por su estética y dirección, la actuación de alto nivel, locaciones realistas y efectivas y un válido mensaje de conciencia social y amor más allá de la vida misma.

El personaje, Tessa Quayle, está basado en una persona real. John le Carré dedicó “El jardinero fiel” a una activista apasionada e incansable llamada Yvette Pierpaoli. En la dedicatoria de los títulos finales se lee: “que vivió y murió porque le importaba la vida”.

Ficha Técnica

Dirección: Fernando Meirelles.
País: Reino Unido. Año: 2005.
Duración: 130 minutos. Género: Drama, thriller.
Actores: Ralph Fiennes, Rachel Weisz, Danny Huston, Bill Night, Pete Postlethwaite, Bernard Otieno
Guión: Jeffrey Caine (basado en la novela de John Le Carré)
Producción: Simon Channing Williams.
Música: Alberto Iglesias.
Fotografía: César Charlone.
Montaje: Claire Simpson.
Diseño de producción: Mark Tildesley.

El Cine: siempre hay una primera vez

2006-01-23T13:11:00.000-05:00

Después de la creación del cine ocurrieron muchos hechos que aportaron con una primera vez para lograr lo que la cinematografía es hoy día. Recordemos algunos.

1895: Primera exhibición de cine
Auguste (1862/1954) y Louis (1864/1948) Lumière registran la patente Nª 245-032 (13-2) del cinematógrafo y el 28 de diciembre realizan la primera representación pública y pagada de cine, en el Salón Indio del Gran Café, 14, Boulevar de los Capuchinos. Un folleto anunciaba la exhibición de "La Salida de los obreros de la fábrica en Lyon", (de 1 minuto de duración y 17metros de largo), "La Acrobacia" y "La Pesca de los pescados rojos", proyectadas con un aparato que permitía pasar más de 18 imágenes/segundo, que arrastraban en movimientos intermitentes.Unos días más tarde se agregaría “La llegada del tren a la estación”.

Fueron aproximadamente 15 films de 20 metros cada uno, a 16 cuadros por segundo: “Le debarquement du congres de photographie a Lyon”, “Les forgerons”, “Le repas”, “Le saut a la couverture”, “La place de cordeliers a Lyon”, etc.

Ese mismo año, 1895, Alfred Clark, realizando “The execution of Mary, Queen of Scots”, para los estudios Edison, crea el primer efecto especial: la detención de la filmación para cambiar persona por muñeco y reiniciar, dando un efecto de degollamiento.

1896
La primera proyección del Vitascopio fue con el fim "Annabel the Dancer", el 23 de Abril, de Armat y Edison, en el Koster and Bial's Music Hall, de Nueva York.

Albert Promio, en Francia, inventa la panorámica y el traveling.

Georges Méliès, en Francia, crea los primeros efectos especiales en sus films: la sobreimpresión, el fundido y el fundido encadenado.

Se filma el primer beso cinematográfico: de Mary Irvin y John C. Rice, para la película “El Beso”, dirigida por Gammon y Raff, para los Vitacoscopios de Edison.

En el mismo año, Eugene Pirou, en el film “Le coucher de la mariée”, de 3 minutos de duración, muestra las primeras escenas eróticas, con los actores Louise Willy y Mille Willy.

1899
El primer travelling se utiliza en el film “El gran canal de Venecia”, con una cámara arriba de un bote.

Las primeras técnicas narrativas se utilizan en Inglaterra, en la Escuela de Brighton,

1901
George Melies estrena el primer film de fantasía: “Viaje a la luna”, basado en una obra de Julio Verne.

En EEUU, Edwin S. Porter realiza el primer western con argumento: “Asalto y robo de un tren”, un filme de 23 metros, para la productora de Edison.

Pathé y Gaumont realizan el primer film histórico religioso: “La pasión de Cristo”.

Primeros largometrajes de ficción: "The Story of the Kelly Gang" (Australia) y "Pasión", de Alice Guy (600 m).

1907
Primer largometraje comercial realizado en Europa: "El Hijo pródigo", de Michel Carré.

Primera ópera llevada íntegramente a la pantalla: "Faust de Gounod", de Arthur Gilbert.

1908
Charles Le Bargy y André Calmettes, en Francia, realizan la primera película de arte: “El Asesinato del duque de Guisa”, de Henri Lavedan, música original de Camille Saint-Saëns, de 18 minutos.

Primer flash-back de Sigmund Lubin (EEUU), en el film "A Yiddisher Boy".

Primera película pornográfica: "Al Ecu de oro" o "El Buen Albergue" (Francia), en formato 35 mm.

Emil Cohl produce el primer largometraje de dibujos animados: “Fantasmagorías”.

1909
Riccioto Canudo redacta el primer texto sobre cine llamado “El manifiesto de las siete artes”.

Primera película hecha en Hollywood: "Old California", de David Griffith.

Se filma el primer documental de largometraje: “La expedición Antártica de Scout”, de Herbert Ponting.

1912
Se filma la primera serie para el cine: “Adventures of Kathleen”, de F.J. Grandón

En el mismo año se filma “Quo Vadis”, del realizador Enrico Guasón, el primer filme de reconstitución histórica.

1913
Primera película de vaqueros de largometraje: "Arizona", de Lawrence B. McGill (EEUU).

1914
Primer largometraje en colores: "The World, the Flesh and the Devil".

Primera escena de desnudo fue realizada por la actriz australiana Annette Kellerman, nadadora profesional.

1915
En EEUU aparece el primer galán y héroe del cine: Douglas Fairbanks, en la película “El Cordero”.

En el mismo año, Audrey Munson se convierte en la primera mujer en aparecer totalmente desnuda en la película “Inspiration”.

1916
Se realiza el primer clásico del cine: “Intolerancia”, de David Griffith, con la actuación de Lilian Gish.

1918
En EEUU, se realiza la primera película animada en colores: “El coronel menudo embustero”, de John R. Bray.

1919
Primer largometraje de ciencia ficción: "A Trip to Mars" (Dinamarca).

1920
Louis Delluc funda el primer Cine Club de la historia del cine.

1921
Primer largometraje en colores naturales: "El Vagabundo del desierto", de Irwing C. Willat (EEUU)

Se filma “Nanuk el esquimal”, de Robert Flaherty, el primer largometraje de no ficción.

Abel Gance realiza “La Rueda”, donde utiliza por primera vez los planos subjetivos en el cine

1924
En Alemania, se realiza “El último de los hombres”, de Friedrich W. Murnau, donde se efectúa el primer travelling circular.

1927
En EEUU, Nueva York , el 6 de Octubre, se estrena el primer film sonoro. "Todavía no han visto nada". Cuando Al Jolson pronunció estas palabras en la película "El Cantor de Jazz" (The Jazz Singer), la audiencia nunca antes había visto hablar en una película. La película fue dirigida por Alan Crosland y producida por Warner Bros, con el disco sincronizado Vitaphone.

El 11 de mayo se crea la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood, para entregar los premios Oscar.

William A. Wellman realiza “Alas”, un film de guerra, que gana el primer Oscar de la historia del cine.

1928
Primera película totalmente hablada: “Luces of Nueva York”, de Bryan Foy (Warner Bros).

Nace Mortimer, “Mickey Mouse”, el primer dibujo animado sonoro y hablado.

1929
Se presenta en París, en enero “Napoleón”, de Abel Gance (Francia., 1889-1981), sobre triple pantalla (magirama) y utilizando tres proyectores, adelantándose 25 años a la invención del cinerama. Fue también la primera película con sonido estéreo.

1932
Se realiza el primer zoom: "Love me Tonight", de Victor Milner.

1934
En Gran Bretaña, Len Lye, realiza el primer filme dibujado sobre película: Colour Box.

1935
El cine en color llega por primera vez con la película "La feria de las vanidades", de Rouben Mamoulian, aunque artísticamente su plenitud se consigue en el filme de Victor Fleming, "Lo que el viento se llevó" (1939).

1936
Primera película sonora en 3 dimensiones: "Nozze Vagabundo", de Guido Brignone (Italia, 1887-1959). Distribuido por la Warner BROS, sucursal italiana y producido por la Società Italiana Stereocinematografica.

1938
Walt Disney realiza la primera película animada de largometraje: “Blanca Nieve y los siete enanitos”.

1952
Primer espectáculo en Cinérama sobre pantalla circular y con varios proyectores, en los EE.UU. “Esto es cinerama”, estrenada, en septiembre, en el Broadway Theater de Nueva York. Otras películas posteriores en Cinerama fueron "La Vuelta al Mundo en 80 Días", La Carrera del Siglo" y "La Conquista del Oeste".

1953
Primera película en Cinemascope y sonido estereofónico de 4 pistas y en 35mm. “El manto sagrado”, con Victor Mature, dirigida por Henry Koster.

1971
La primera película con sistema de sonido Dolby: "La Naranja mecánica", de Stanley Kubrick.

1983
Por primera vez se colorizan electrónicamente las antiguas películas en blanco y negro.

Hasta llegar a la tecnología digital que se usa actualmente en las películas para recrear de manera espectacular la realidad, convirtiéndose en la verdadera fábrica de sueños y fantasía que imaginaron alguna vez sus creadores.

Free cinema inglés (1960-1969)

2006-01-20T14:36:00.000-05:00

Este cine busca mayor autenticidad y espontaneidad en el contacto con intérpretes, personajes y medio ambiente. Era una tendencia realista, con un nuevo enfoque del criticismo fílmico. El cine reflejando una realidad social con películas baratas y no de estudio y gente creativa tratando de mostrar la sociedad contemporánea y su relación con el individuo. Hay un reconocimiento de la crueldad brutal como elemento de la conducta social, Algunos directores utilizaron el humor en diferentes niveles y una gran complejidad de motivación y sentimientos,

Utilizaban una decoración deslucida, presentando ciudades oscuras y descubriendo a sus habitantes con toda su estrecha mentalidad y pareciendo felices de su actuación en su apretado rincón del mundo.

Entre los films y directores destacados están: El animador, con la actuación de Albert Finney, Alan Bates y Lawrence Olivier, Un sabor a miel, Tom Jones con Albert Finney y Susana York, La soledad del corredor de fondo (Toni Richardson); Sábado noche, domingo mañana, Al caer la noche, Isadora, Morgan un caso clínico, con Vanesa Redgrave (Karel Reisz); El llanto del ídolo, If (Lindsay Anderson); Lejos del mundanal ruido, Perdidos en la noche, Darling, (John Schlesinger).

El neorrealismo italiano (1945-1952)

2006-01-20T14:33:00.000-05:00

El encuentro con una Italia destrozada por la guerra y la presencia de un cine fascista acartonado, platean la necesidad de volver a un nuevo realismo. Había falta de material técnico y carencia de estudios de rodaje, pero también existía el deseo de liberación de hombres con distintas ideologías. La sencillez temática, casi documental, el uso de actores no profesionales, filmaciones en las calles o en escenarios naturales caracterizaron esta cinematografía. Ella se transforma en un instrumento de denuncia sobre los problemas que afectaban a las clases populares: temas como la cesantía, la falta de viviendas, la desmedrada condición social de la mujer, las consecuencias de la guerra sobre la infancia, eran usuales en el cine italiano de la época con una presencia artística de primer nivel.

Entre los films y directores destacados están: Roma ciudad abierta, que inicia el Neorrealismo (de Roberto Rossellini) con la actuación de Anna Magnani y Aldo Fabrizi. En este filme el guionista fue Federico Fellini, que más tarde sería el director más grande del cine italiano.

Germania anno zero, Humberto D y Paisa (Roberto Rossellini) con Giulietta Masina y Vittorio de Sica; Caccia tragica y Riso amaro (Giuseppe De Santis); Milagro en Milán y Ladrón de bicicletas (Vittorio de Sica) que gana el Oscar a la mejor película extranjera; La terra trema, Senso y Bellísima (Luchino Visconti); Anni difficili (Luigi Zampa); Il cammino della speranza (Pietro Germi); El bandido, El molino del Po, Ana, Luz de variedades (Alberto Lattuada).

La epopeya soviética (1925-1930)

2006-01-12T09:33:00.000-05:00

El cine soviético de esa época se destacaba por el desplazamiento de grandes multitudes, sus luchas, sus significativos gritos y silencios. Lo individual y lo colectivo se mostraba en el combate del pueblo soviético por afianzar la revolución de Octubre, Sus cineastas hermanan brillantemente arte y visión político-social. Aún más, sus directores revolucionan práctica y teóricamente el lenguaje cinematográfico, en especial las leyes y principios que estructuran el montaje.

Films destacados son: El acorazado Potemkin (Sergei Eisenstein), estrenada el 25 de Diciembre de 1925 en el teatro Bolshoi de Moscú, es reconocida por algunos especialistas como la más grandiosa de todas las películas hechas en la historia del cine. Tiene 1.290 planos,

Otros: Octubre y La línea general, de Sergei Eisenstein, El hombre con la cámara y El undécimo año, de Dziga Vertov. La Madre y El fin de San Petersburgo, de Vsevolod Pudovkin. El arsenal y La tierra, de Alexander Dovjenko

En el año 1928 se expone El manifiesto de los tres: Eisenstein, Pudovkin y Alexandrov.

Otros realizadores de la época son Lev Kulechov, Mijail Kalatozov, Gregory Tchujrai, Iía Truberg.

La nueva ola francesa (1958 -1962)

2005-12-26T10:26:00.000-05:00

Claude Chabrol

La Nueva Ola es una nueva generación de realizadores que surge cuando el público se cansa de los directores tradicionales de los años 50. Esta generación se fue preparando durante varios años como cinéfilos aficionados, fieles espectadores de los cinema-clubs y especialmente de la Cinematographique Francaise. Críticos de cine agrupados en los Cahiers du Cinema, revista fundada en 1951 por André Bazin y J. Doniol Valcrose.

Quieren conservar una gran independencia con respecto a los productores y a los imperativos del cine comercial. Prefieren realizar películas con poco presupuesto que permiten hacer una obra personal, de autor, sin grandes actores y con medios técnicos reducidos, rodaje fuera de los estudios, cámaras ligeras, poca iluminación y utilización del plano-secuencia.

Films destacados de esa etapa son: Cleo de 5 a 7, Vivir su vida, Hiroshima, mon amour, Y Dios creó a la mujer, Los 400 golpes, Al final de la escapada, Jules et Jim, Sin aliento, Les amants,

Entre los realizadores de este movimiento figuran: Francois Truffaut, Jean Luc Godard, Alain Resnais, Agnes Varda, Louis Malle, Jean Pierre Melville, Jacques Rivette, Robert Bresson, Jacques Becker, Marcel Carné, Jacques Demi, Abel Gance y Claude Chabrol.

Mención aparte merece Claude Chabrol que a los 75 años acaba de estrenar su última película: “La Dama de Honor”, basada en la novela Amores que matan, de la escritora inglesa Ruth Rendell. Protagonizada por Benoit Magimel y Laura Smet, el film es un intrincado y detallista laberinto de pasiones llevado hábilmente por la sensibilidad de Chabrol.

Sus obras son intensos y enigmáticos estudios sobre la dominación, la dependencia y las relaciones de poder dentro de la pareja. Ha realizado El bello Sergio (1958), el primer largometraje de la Nueva Ola, Los primos (1958), Doble Vida (1959), Les bonnes femmes y Les godelureaux, ambas en 1960, La mujer infiel (1968), Madame Bovari (1991), La ceremonia (1995), entre otros, de sus 54 films realizados hasta el momento.

Este director, guionista, actor y productor, es uno de los sobrevivientes de la Nueva Ola y que aún sigue plenamente vigente.

El cine surrealista (1923-1930)

2005-12-20T10:53:00.000-05:00

El perro andaluz

Proveniente de la poesía y de las artes plásticas, el cine surrealista mantiene muchos de sus grandes motivos: creación al margen de todo principio estético y moral, la fantasía onírica, el humor desaprensivo y cruel, el erotismo lírico, la deliberada confusión de tiempos y espacios diferentes. Sus realizadores lo utilizan para escandalizar y exterminar una sociedad burguesa mezquina y sórdida. Le otorgan a las imágenes un valor en sí mismas, recurriendo a los fundidos, acelerados, cámara lenta, uniones arbitrarias entre planos cinematográficos y secuencias.

Entre los filmes destacados están: Regreso a la razón (Man Ray), Entreacto (René Clair), La caracola y le clérigo (Germaine Dulac y Antonin Artaud), El perro andaluz (Luis Buñuel y Salvador Dalí)), La sonriente Madame Beudet (Germaine Dulac), Corazón fiel (Jean Epstein), La edad de oro (Luis Buñuel y Salvador Dalí), etc.

El expresionismo alemán

2005-12-02T14:37:00.000-05:00

El Gabinete del doctor Caligari

El cine tiene periodos y estilos que han sido importantes en su historia. Es así como desde 1895 hasta 1913 encontramos la época primitiva con la experimentación y los inicios del cine y el posterior desarrollo de este arte hasta 1926, en el cine norteamericano.

En Alemania, entre 1920 y 1926 surge el Expresionismo. En Francia, entre 1923 y 1930, podemos apreciar el Surrealismo, en la misma época que en Rusia surge la Epopeya Soviética, mientras que en Italia, entre 1945 y 1952 se manifiesta el Neorrealismo.

Entre 1958 y 1963, en Francia se destaca el movimiento llamado Nueva Ola y en Inglaterra, en la década de los 60, otro movimiento se denomina el Free Cinema.

En entregas diferidas comentaré cada uno de esos estilos de cine.

Ahora haré mención al Expresionismo Alemán.

Una forma de cine que tiene una fuerte influencia del teatro, de donde toma las escenografías enlazadas con los estados de ánimo de los personajes. Muestra una deformación y estilización en el tratamiento de personajes y situaciones. La fotografía está al servicio de las imágenes y de la actuación. Los ambientes se recrean en función de la luz y sirven para mostrar crudamente las grandezas y limitaciones del hombre.

Entre los films destacados figuran El gabinete del Doctor Caligari (primer film expresionista), El último de los hombres, Metrópolis, Madame Dubarry. Una actriz destacada era Pola Negri y en los hombres, Emil Jannings. Mientras que los directores de más renombre eran: Robert Wiene, Friedrich Wilhelm Murnau (fundador de la productora Murnau Veidt Filmgesellschaft), Fritz Lang, Lotte H. Eisner, George Wilhelm, Ernst Lubitsch y Max Reinhardt.